Blog de Pedro Feduchi
Absalón
Meir Eshel (1964-1993) fue el verdadero nombre del artista israelí conocido como Absalón. En estos días se puede ver una gran retrospectiva suya en el KW Institute for Contemporary Art de Berlín (hasta el 20 de febrero de 2011) donde se han reunido sus más importantes obras realizadas a finales de los ochenta y principios de los noventa, antes de su prematura muerte a los 28 años. La exposición te permite descubrir algunas de sus intuiciones, experiencias e ideas. Una oportunidad que despierta muchas preguntas sobre las relaciones entre el espacio interior y el exterior de lo habitable, sobre los objetos y la disposición que ocupan dentro de él.
En la sala de exposiciones de la KW se han habilitado las cuatro plantas para poder mostrar, por primera vez, sus mejores obras juntas. Una oportunidad que esperemos pueda repetirse en otros lugares pronto. Su coherencia, el sobrio uso que hace de los medios con los que trabaja y su complejidad, hacen que Absalón sea un gran descubrimiento para quienes no lo conozcan todavía. Además, su semejanza con los problemas que un arquitecto y un diseñador encuentran diariamente, hace que sus reflexiones sean particularmente interesantes.
La planta baja reúne sus seis famosas Células, pensadas para ser instaladas en cada una de las seis ciudades elegidas por el artista, entre las que estaban París, Tel Aviv, Frankfurt y Zurich, y que sólo dos de ellas, París y Zurich, se llevaron a cabo. Construcciones siempre blancas en las que una persona disponía de todo lo estrictamnente necesario para poder vivir en su interior. Un habitar en el que la soledad y la ajustada dimensión obligan a un enfrentamiento con las ideas que tenemos hoy de cómo se vive dentro de nuestra sociedad.
En siguientes plantas vemos más trabajos suyos, otras células que, siempre en relación al tamaño del hombre, descienden desde las cápsulas habitables hasta el mobiliario sin que en ellas se den las relaciones habituales de uso y funcionalidad a las que estamos acostumbrados.
Absalón, fue el tercer hijo de David, el que osó enfrentarse a su padre para usurparle el trono de Israel. Absalón, el de la gran melena, el que no tenía ninguna imperfección, el que murió al quedarse enredado por su poblada cabellera en una encina hasta ser alcanzado por su perseguidor quien, contraviniendo las órdenes del rey, le dio muerte. En la elección de ese nombre bíblico debió estar presente su obstinación por enfrentarse a todo lo preestablecido, de revelarse contra la norma instaurada por costumbre y no por razón, como la que establece quién debe heredar un trono. Una lucha que este artista extiende de manera muy sutil a la ceguera con la que vivimos nuestras vidas dentro de la familiaridad de lo cotidiano. Sin apenas medios nos hace ver la fragilidad, la arbitrariedad y la incapacidad que tenemos para experimentar por nosotros mismos lo que nos rodea.
Master and commanders
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Otro año más el IED ha realizado la exposición de los trabajos de sus alumnos del Master of European Design Labs’10. En este como en años anteriores los resultados se pueden ver en la sala de exposiciones de su sede de la calle Larra. Más de una decena de diseños nos muestran cómo sus participantes han logrado que sus proyectos se conviertan en realidades tangibles, en prototipos finales. Gracias a la colaboración con varias empresas y dentro de la actividad que el propio master proporciona, lo que se enseña en esta ocasión son sólo los resultados. La cocina, los procesos, forman parte del ámbito de lo privado, de lo didáctico.
Vista de la sala de exposiciones de la sede de la calle Larra del IED en Madrid.
Una de las personas que más activamente ha intervenido en el master desde que se creó en 2007 es, sin duda, Gala Fernández. Ella fue quien creó e implementó los European Design Labs. En esta cuarta edición finaliza su colaboración con el IED para proseguir su andadura ligada al mítico Boisbuchet. Pero antes de formalizar su marcha, Gala es la artífice de la incorporación de Jaime Hayón, quien vuelve a la casa donde comenzó sus estudios de diseño en Madrid para convertirse en su director, en el nuevo motor que le dará rumbo los próximos años. Es él quien está detrás de la idea y del esfuerzo de potenciar el resultado final, de completar el trabajo con resultados lo más cercanos posibles a lo que un diseñador puede acometer en su futuro trabajo profesional.
"Night falls. The glass house for individual plants" de Carissa Santoso. Dibujos preparatorios y fotografía del proceso de producción.
El planteamiento que rige toda esta edición trata de investigar en el concepto de la Identidad, un aspecto básico para aquellos que comienzan a enfrentarse con su labor como diseñadores. Saber cuál es la identidad de uno mismo es, sin duda, una buena pregunta para hacerse, algo que desde los griegos tenemos presente. Ese “conócete a ti mismo” (gnothi sautón) que inscrito en el frontispicio del templo de Apolo en Delfos daba la bienvenida a quienes querían consultar el oráculo. La identidad está en el origen de cada cual y también en sus deseos y aptitudes, aquellas que hay que hacer conscientes para poderlas potenciar. Dos de las tres identidades a las que se refiere Hayón en el planteamiento de su curso: la identidad-origen y la identidad-entono. La última es la identidad-perspectiva, la que permite al alumno hacerse visible en su diseño, la que logra que algo de él se proyecte. Pero, por fortuna, en ocasiones sucede algo inesperado. Ya lo decía Felipe, el amigo de Mafalda, “nunca termina uno de conocerse”. Esa es la mejor enseñanza que podemos ofrecer, constatar que lo desconocido siempre anda por detrás de nosotros. Hacerlo visible forma parte de nuestro cometido como diseñadores y la mejor manera para valorar lo que hacemos. Algunos de los diseños que se pueden ver en la exposición logran enfrentarnos con lo nuevo, con lo que no conocíamos. Otros, no tanto. Sin embargo, el fin de un master no está en que todos puedan lograrlo, sólo en saber que siempre hay que intentarlo.
Diseños cerámicos y dibujos de Renée Rossouw.
Jueves de doblete
El título, que bien podría ser un pequeño homenaje doble a Berlanga y a Chesterton, no es más que la constatación de la apretada agenda madrileña. Es difícil elegir la inauguración, presentación, conferencia o evento interesante que se superponen los jueves, así que hay que decantarse por hacer doblete ya que ir a más, es tontería. Hoy quiero hablar de la galería OA y la exposición que bajo el nombre de Juegos de Luz se inauguró el pasado 18 de noviembre. Posteriormente, llegué a tiempo para escuchar la presentación del libro de R. Moneo, Apuntes sobre 21 obras (librería Naos), pero cómo no lo he terminado aún de leer, dejaré para más adelante hacerle un post.
En la galería OA se han reunido piezas de cinco diseñadores: Álvaro Catalán de Ocón, Máximo Romanillos, Carlos Schwartz, Elina Aalto y Drift Studio. De ellos se enseñan algunas propuestas que están relacionadas con la iluminación, casi todas lámparas. OA es uno de los escasos espacios que se dedican al maridaje entre el arte y el diseño en Madrid y que tan de moda está en estos días. En mi primer post ya hablé de otros (Maneras de Diseñarte) y en el de Juan Gasca (Design Thinker - Experiencias, vivencias y reflexiones), se reseña uno de Berlín, la galería Helmrinderknecht.
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En este post quisiera hablar de dos diseñadores que exponen allí, Álvaro Catalán de Ocón y Máximo Romanillos. En ellos se puede rastrear la orientación que el diseño está tomando últimamente. Las ideas que se materializan no desprecian la forma final, pero se le da más importancia al concepto por las que surgieron. Esto lo podemos ver muy bien en la lámpara de Máximo Romanillos llamada Eternal. Un mayor o menor número de bombillas, en posiciones diferentes, no alterará el diseño. La idea es poder enroscar los casquillos a las diferentes bombillas que están pegadas unas con otras y en donde lo formal se trivializa para enfatizar otros aspectos. Por ejemplo, la caducidad, idea que toma fuerza al advertir que al irse fundiendo bombillas se aproxima su irreversible final.
En el caso de Álvaro Catalán de Ocón, los tres candiles que presenta, Kyoto, Madrid y Milano, parten de una idea anterior, la de la Cornucopia. Como en ella, para encenderlos hay que coger la bombilla con la mano y colocarla en el agujero en donde se produce el contacto eléctrico; es decir, se eliminan elementos interpuestos como el interruptor. Es ahí donde recae, otra vez, el sentido poético de la pieza. La tradicional bombilla incandescente, la de ampolla transparente y casquillo E-27, precisamente cuando tiene fecha fija de caducidad, vuelve a ser usada para explorar el gesto de alumbrar. Pero ahora, se investiga otro tipo de luz, la de los antiguos candiles de sobremesa, y se ensaya de tres maneras diferentes.
Lo interesante es que al darnos tres alternativas se produce un descubrimiento mayor: la bombilla apagada se mece en ellas ligera dentro del cóncavo recipiente. Se nos presenta como una pequeña cabecita que recuerda a las que Brancusi esculpió. Pero hay más: en esos candiles se produce una metamorfosis, pasan de pebeteros de ofrendas a lámparas votivas según la bombilla esté apagada o encendida, se encuentre recostada o colocada, dormida o despierta. Por muy deslumbrantes que sean sus diseños, por detrás hay un algo más que los enriquece y cualifica. Andamos cansados ya de las formas bonitas si éstas no consiguen hacernos experimentar eso que consigue que los objetos sigan siendo una parte tan importante de nosotros.
