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MADC/CR: Morales e Ibarra

16.12.2013 | 10:07

Visitar el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), entre noviembre 2013 y febrero 2014, ofrece una superposición de argumentos asimilados desde realidad y cultura actual; se trata de un abordaje intenso de pensamientos los cuales exigen al espectador conciencia de lo que transparenta, y considerar su entendimiento, o lo que nos queda de la percepción: qué creer de lo visto para adherirlo a la memoria y explicarnos a sí mismos el sentido de tal provocación motivada por ese singular enjambre de signos en tensión, los cuales claman por la intención primaria de esculcar sus significados y atender a posibles diálogos entablados entre las salas del museo. Hablamos de las muestras “La ruina como motor” del guatemalteco Norman Morales en la Sala 1.1, y “SincretITSMOS” del puertorriqueño Karlo Andrei Ibarra, en la Sala 1. Aún rondan en mi memoria la carga evocativa de las piezas que me anclaron y a las cuales llegué de vuelta para dis/sentir su energía emanadora; en mi caso personal cuando no vuelvo una u otra vez a detenerme ante las propuestas es porque no me interesaron y su vista pasó desapercibida en la experiencia de visitar el museo.



Norman Morales: “La ruina como motor”, detalle de instalación Sala 1.1 del MADC. Fotografía LFQ.

Norman Morales, mural en la Sala 1.1 del MADC. Fotografía LFQ. 

Norman Morales: “La ruina como motor”
Quizás uno de los testimonios del alto potencial y capacidades del pensamiento creativo son las grandes construcciones registradas por la historia de la humanidad, desde el coliseo romano, a las arquitecturas edificadas en las urbes de hoy en día. Cuenta, en este análisis, el dominio tecnológico aplicado a la ingeniería de la construcción, desde el diseño de los andamios, hormas modulares y complejos sistemas estructurales, hasta las potentes grúas que posibilitan elevar materiales a alturas impresionantes, sin dejar de lado las técnicas de elaboración de dichos recursos ediles contrapuestos al desgaste provocado por el paso del tiempo, cuando en el proceso, si no se atiende a un programa de investigación y mantenimiento, serán frutos destinados a la ruina. Suma en esta perspectiva el goce de la inmaterialidad, de la esencia de lo construido, espacios donde además de la habitabilidad y usabilidad exista solaz, esparcimiento, y deleite por lo estético.

Norman Morales: detalle de instalación Sala 1.1 del MADC. Fotografía LFQ. 

Detalles de instalación Sala 1.1 del MADC. Fotografía LFQ. 

La exposición motiva a evocar la estancia del maestro diseñador o arquitecto –elaborando esos sentidos y contrasentidos con ejemplares modelos de la construcción, maquetando andamios, escaleras, plantas, dibujos, con la experiencia del planeamiento sirviéndose de proyecciones diédricas y axonométricos, gestando espacialidad y otras reminiscencias del pensamiento “edilicio”.

Detalle de instalación Sala 1.1 del MADC. Fotografía LFQ. 

Norman Morales: “La ruina como motor”, detalle de instalación Sala 1.1 del MADC. Fotografía LFQ. 

La propuesta de Morales en la Sala 1.1 genera interés al intentar detallar lo encontrado delante de la retina, conexión con lo reconocido del ancestral arte de construir, motivo de reflexión, en tanto no está ausente de esta percepción su opuesto –no el deconstruir, que es otra manera de tratamiento de la forma, el espacio y el tiempo-, si no cuando todos esos recursos y frutos provocan roce, deterioro progresivo, detención, silencio, actuando además nociones del juego al apostar el avance delante de la existencia de tan fieros antagonistas.

Sincret/Istmos de Karlo Andrei Ibarra
De esta muestra me queda la intención de un recio minimalismo en cuanto al inventario de lo mostrado en el amplio espacio de la Sala 1 del MADC, con lo cual Ibarra aborda asuntos políticos, culturales, económicos y sociales de la realidad de los países latinoamericanos y en especial de Centro América y Caribe que irradian sentido al “corpus propositivo” manifiesto por la exposición.

Karlo Andrei Ibarra "SincretISTMOS", Sala 1 del MADC, pieza "Equipaje", 2013. Fotografía LFQ.

Es notable su pieza “Equipaje”, adoquín colonial y agarradera, en la cual se sirve de una materia dura de la construcción –y en eso dialoga con la propuesta de la sala adjunta-, para hablarnos del tema del saqueo y traslocación de objetos patrimoniales que representan un tiempo y un espacio (en este caso de las evocaciones de la colonia española) en el abordaje de nuestras realidades nacionales y de esta región en particular.

Karlo Andrei Ibarra,"Protaxis", 2013. Fotografía LFQ. 


Para traer a la sala el discurso de la dependencia –tecnológica y económica-, utiliza una pala con el mapa centroamericano calado en el metal, que a su vez arroja una sombra sobre la superficie del muro que le da soporte, se trata de “Protaxis, pala de construcción calada”, que de alguna manera (y especulo en el sentido que me permite la libertad de interpretación del arte) nos conecta también a los procesos de beneficiado del café -en tanto utilizan esa tipología de herramienta-, ligamen, además, con la explotación bananera que argumenta grandes discursos caracterizadores de las expresiones artísticas del Istmo.
Y, para sumar a los sistemas de dominación política y realidad social, exhibe una hermosa instalación de un ruedo de madera para pelea de gallos, “Pico y espuela”, con lo cual alude a la arena política, cuando al menor descuido del protagonista viene el piquetazo o el desliz de la espuela activando la conciencia emocional de que las vivencias del día a día, tanto como el contrincante, nos sorprenden en la fiera pelea.

Karlo Andrei Ibarra, "Pico y espuela", 2013. Fotografía LFQ. 

SincretISMOS ofrece varias instalaciones y un video sobre situaciones donde se advierte el choque de tensiones sociales y culturales, que de alguna manera son componentes activos en la construcción de nuestras identidades nacionales, de aquellos rasgos que nos reúnen como región, a pesar de las fuerzas antagónicas, como aquella gota abrasiva que poco a poco destruye las páginas de las “Constituciones de Centroamérica”, “Gotas de sal” -2013-, expuestos sobre unas estructuras de madera, juego en el cual nos aventuramos a someter lo propio delante de lo ajeno.

Karlo Andrei Ibarra, Sala 1 del MADC, 2013. Fotografía LFQ. 

El programa del MADC de fin e inicios de año nos ofrecen una tercera opción titulada Inquieta Imagen, un programa propio del museo que requiere observarlo con otra distancia y tiempo, quizás en un futuro abordaje. 

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Luis Fernando Quirós

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Ricardo Ávila: Muebles y Arte

07.11.2013 | 14:36

En tiempos recientes, los muebles y otros objetos fabricados con carácter industrial comparten los escenarios con el arte, en galerías, museos, bienales. Se abrió un intersticio por donde la poética -con aquellas rosas rojas de plexiglas sumidas en el cuerpo transparente de la Miss Blanche de Shiro Kuramata-, motiva a sentarse sobre la metáfora misma, y desde entonces, los muebles también son portadores del relato, de la anécdota, o comentario social.
La mesa, el asiento, la poltrona, la silla, el librero, la lámpara, poseen la alternativa y sensibilidad de ser usados en nuestros espacios públicos o de intimidad hogareña, en su forma funcional original o en una o instalación o reinventando su diseño, empoderan al espectador, quien abren la llave de las emociones.

Ricardo Ávila, Recuerdos de infancia: El Aula, 2013. Fotografía LFQ.

Recuerdos de infancia: El Aula
Ricardo Ávila, artista costarricense, exhibe la instalación de una aula escolar, que por las características arquitectónica del museo donde se muestra, en la ciudad de Cartago, Costa Rica –que en su mayoría son sitios patrimoniales e históricos, rememora aquellos espacios educativos de ésta o cualquier ciudad del mundo. Consta de un pizarrón que de inmediato nos conecta con la memoria del sitio donde todos fuimos educandos, intervenido por niños –los hijos del pintor-, y “lienzo” para pintar rasgos de sus diversas series con el tema central de lo urbano y la ciudad. También compone esta propuesta un cuadro donde él pintó los distintos escudos de armas tenidos por la ciudad de desde la colonia e independencia de la corona española. Ávila intervino con pintura acrílico sobre la madera de esos muebles típicos de toda escuela, un grupo de pupitres, a los cuales cargó con íconos propios de la educación actual, como la computadora, la tablex, el celular, los símbolos patrios y otras apropiaciones de grandes obras de la historia del arte, recurrentes en el imaginario simbólico de su arte de carácter naif.

Ricardo Ávila, Recuerdos de infancia: El Aula, 2013. Fotografía LFQ.

Ricardo Ávila, Recuerdos de infancia: Detalle de instalación. Fotografía LFQ. 

Llevar el aula de una escuela al museo, motiva la memoria, no solo del pintor que le lleva a rememorar su infancia cuando cursó los años escolares, sino de cada uno de nosotros los visitantes al museo. Conlleva un pensamiento crítico muy actual, cuando los modelos de la educación de estos tiempos son repensados ante el auge de la tecnología, en tanto el educando aprende en espacios alternativos de múltiples estímulos –como puede ser su propia casa, conectado por internet con otros niños, y posteriormente asista a la escuela a recibir retroalimentación por parte de sus maestros.
Esta propuesta -y aunque él no se lo propuso en su idea liminar-, quizás toca varios puntos en sintonía con las situaciones que redimensionan la educación delante de los grandes retos sociales, culturales y políticos advertidos en el horizonte de estos tiempos. Quizás él no implique esta compleja temática, pero nosotros los visitantes al museo, en la libertad que nos permite el arte de leer los signos que entreteje y al hacer conexiones, discursa acerca de esos enunciados y abordajes.

Ricardo Ávila, Recuerdos de infancia: Detalles de instalación. Fotografía LFQ. 

El Museo Municipal de Cartago, para esta versión 2013 de la Bienal de Pintura Marco Aurelio Aguilar (uno de los pioneros del arte local), brinda homenaje a este artista nacional, quien recibió el Premio Nacional de Pintura Joaquín García Monge 2012 por su muestra “Ciudades 2012, en la Galería Nacional de San José, Costa Rica.

Ricardo Ávila, Recuerdos de infancia, instalación. Fotografía LFQ. 

La propuesta Ávila pone un pensamiento de madurez, alude de nuevo a los objetos, carácter que ya hacía tiempo no observábamos en sus exhibiciones, se recuerda la muestra Cómo Vamos 2008 en la Galería Joaquín García Monge, Murales y Objetos -2009- en Galería de la Universidad VÉRITAS, sus propuestas de Bienarte 2003 que también fueron distinguidas por el jurado (entre ellos el padre del conceptualismo latinoamericano Luis Camnitzer), que le permitieron estar presente en la Bienal Centroamericana 2004, en el Museo de Arte Contemporáneo de ciudad de Panamá. Hoy en día vuelve a afinar sus visiones de intervención del objeto, en este caso y como se dijo del mueble escolar, con esta jocosa y lúdica percepción de lo urbano que cohesiona lo social, vivencia lo cultural, y nuestras formas de identidad.
  

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Luis Fernando Quirós

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Otto Apuy Impugnare. El.Schema

13.10.2013 | 08:57

Otto Apuy mas que un pintor -quien recién recibió el Premio Nacional Aquileo Echeverría en “Medios múltiples” 2012por su restrospectiva en el Museo de Arte Costarricense “Trayecto”-, (http://www.experimenta.es/blog/otto-apuy-trayecto-3082 ), es un individuo super creativo quien posee además el talento del pensamiento de diseño; como intelectual escribe y publica libros de narrativa, ensay teórico. Actualmente tiene una muestra en la Galería Alternativa en Pavas, San José, con el inquietante título de Impugnare. El.Schema. El amplio bagaje del que es portador, me permite indagar, con esta entrevista, y esculcar en sus respuestas el significado del arte y el diseño de nuestros días.

 
Otto Apuy. Impugnare. El.Schema. Fotografía LFQ.

LFQ: ¿Qué significado te interesa proyectar con “Impugnar el esquema”?
Otto Apuy:
La actitud de buscar siempre algo distinto, si eso es significante, que te apasione, que te llene de misterio y duda y una especie de reto frente a lo nuevo o por reflexionar o desentrañar. El significado viene a ser el concepto y lo impugnado que es en este caso el formato tradicional de la pintura, o el dibujo y todas las técnicas pictóricas que se apegaron a este formato cuadrado y rectangular.

LFQ: ¿ Buscas activar en el espectador lo emocional?
Otto Apuy:
Es algo que no había pensado, pero si creo que se activan emociones, como casi siempre sucede con algo novedoso, sobre todo se activa la capacidad de las asociaciones y la comprensión de la abstracción como espíritu. Siempre me ha gustado sorprender o provocar al espectador, desde que era niño.

Otto Apuy. Impugnare. El.Schema. Fotografía LFQ. 

LFQ: ¿Cómo se carga de lo emotivo a una pintura?
Otto Apuy:
A veces son los objetos los que ejercen esta capacidad, debido al reconocimiento del público o el observador, por ejemplo una jícara o una olla de barro, o la amplia ausencia de elementos, es decir, el espacio microscópico lleno de algo que no vemos pero sabemos que allí existen cosas. La capacidad cerebral de cada individuo está conectada con su memoria. Otras veces es la poesía que contiene, o pensamientos compartidos.

LFQ: ¿ Cómo empoderar al espectador para que emerja del espacio expositivo convencido de lo visto y asimilado?
Otto Apuy:
Muchos dicen que es la obra misma la encargada de ello, pero desde luego es el creador de la obra quien lo asume y de su curaduría. Empoderarse es apropiarse del público, y eso ocurre porque la geometría está muy pareja en nuestra vida, existe una educación geométrica que asimilamos desde niños.
 

Otto Apuy. Impugnare. El.Schema. Fotografía LFQ. 


LFQ; ¿Arte y crítica, qué buscas cuestionar?
Otto Apuy:
También “impugnar el esquema” es cambiar los valores, un nuevo orden, una visión distinta, cambio político o de sistema. El arte siempre es una pizarra donde quedan los garabatos y los esbozos del tiempo que pasa, pasó o que viene. Cuestionamiento general de lo establecido
 
LFQ: ¿Cuál es el rol del espectador en esos cuestionamientos?
Otto Apuy:
Creo que el aprendizaje. Cuando uno ve algo por primera vez inmediatamente lo asume y lo cuestiona. También a veces se pone en el papel del artista, imaginando por qué hacía eso y cuáles son las pretensiones. Hay un arte donde esto no se da. Siempre hay una duda que queda a propósito, y es la de encontrar parámetros libres con su conocimiento, con lo que sabe de arte o bien con la influencia del juego o la virtualidad y su capacidad de relacionar.


 
Otto Apuy. Impugnare. El.Schema. Fotografía LFQ. 

LFQ: ¿Cuándo y dónde encuentras las motivaciones y de qué carácter son?
Otto Apuy:
Muchas veces viene de distintos factores: del estado de humor, de concentración, de asociación, de estímulos exteriores, de lecturas y hasta de sueños, como algo tiene este caso. Fíjate que soñé con esto, es decir no es que imaginé una exposición ya hecha y colgada. Fue así: estaba viendo un cuadrado o cubo y de pronto se movió hacia un lado, desestabilizándose, como si hubiera ocurrido un temblor. Lo recordé para cuestionarlo después. A la mañana siguiente aún lo recordaba y comencé a hacer bocetos y dibujos. Había que hacerlo todo, experimentar con materiales, buscar las referencias intelectuales, el mundo del arte geométrico y conceptual. A veces las ideas conceptuales son apenas indicios, no todo viene hecho, es apenas una sugerencia, una acción inicial. Si se desea romper un esquema, se debe saber de la materia, lo siguiente es sostener el esquema, que es lo mas difícil, y que el resultado plástico sostenga la figura. El formato no debe superar en expectación al fundamento interno del espacio. La pintura debe serlo por si misma, a pesar de obedecer o inducirse por los formatos irregulares.

LFQ: ¿Te interesa activar un renacer de lo geométrico en el arte actual?
Otto Apuy:
No del todo, porque las causas suceden y cambian, es muy normal que lo geométrico se ponga de vuelta, ya que ha estado allí siempre. Lo geométrico es parte de todos ahora. En mi caso particular, debo confesar que nace desde el punto de vista conceptual, no óptico o entrecruzado de líneas o espacios vacíos y llenos. Si esta propuesta se hizo geométrica no fue por mi intención, sino por la idea de cambiar a otros parámetros, que si fueron los que influenciaron el resultado. Es simple, yo quería una obra con formatos inusuales, y ella misma se encargó de la inducción en el espacio. La vida del arte y de todo camino, está lleno de “serindipias”, que es aquel fenómeno en que buscando algo se encuentra otra cosa, o bien, por seguir una idea y persistir en ello se encuentra otras respuestas. Son vías hacia el conocimiento de la respuesta. Nuestro cerebro está facultado para ver dentro de los obstáculos.

Otto Apuy. Impugnare. El.Schema. Fotografía LFQ. 

LFQ: ¿Cuál es el lenguaje estimulado por el formato irregular?
Otto Apuy:
Fuera del planeta Tierra no existen parámetros para medir el arriba o el abajo, todo cambia según nuestro punto de vista o de la física, pero en todas, teóricamente existe la perspectiva. Las primeras investigaciones de Erwin Panofski, a quien cité mucho en mi instalación “Proporciones” de 1980, sobre la perspectiva. Estaban basadas en la pintura o dibujos de artistas o geómetras. Los movimientos gnósticos particularmente tienen sus símbolos o lenguajes. El Universo es una multiplicidad de puntos de vista, como sucede dentro de nuestro cerebro. La irregularidad del lente Hubble en el espacio, nos abre a la comprensión de que es normal la disparidad, y la música gesticula como las formaciones de estrellas atrapadas en la foto. A como imaginamos eso es estar cerca de la realidad, como la misma porción que apartamos o no cuestionamos.

LFQ; ¿Qué tratas de decir además de las atmósferas y los simbolismos con esa desestructuración de la forma?
Otto Apuy:
Quizá es una explicación de por qué era un niño tequioso o “mal portado”. Mi experiencia con los que han sido mis profesores, muchos de ellos aún vivos, era de mal comportamiento, no por tonterías, sino por trasgredir las normas o los conceptos. No se podía ser crítico de niño, ni mucho menos llevarle la contraria al maestro y a tus padres. En muchos casos yo tenía la capacidad de probar mi opinión, por mi actitud de ser así, como había nacido. Eso es lo que mas se parece a mi niñez y pensamiento primario. Muchas veces me reprendieron por hacer eso, pero ha servido para llevarlo como recuerdo o aprendizaje, o como en las historias mediterráneas, donde los castigos hacían mas fuerte al individuo, o bien, evidenciaban el futuro con su preparación y destreza. A mi me interesaba aprender siempre, es compulsivo, el resto me traía sin cuidado, por eso no coleccioné títulos o grados académicos. Aunque respeto profundamente eso. Yo me considero académico sin academia.


Otto Apuy. Impugnare. El.Schema. Fotografía LFQ. 

LFQ: ¿Cómo se comunica el sistema del ate en la actualidad?
Otto Apuy:
Eso está en las manos de otra gente, y no de los artistas. Por decir quienes, sobran muchos, como los comunicadores y los escritores mismos. Si se escribiera mas sobre el arte contemporáneo de nuestro país –escritos de pensadores- el arte sería menos elitista, es decir, quienes dicen que saben lo negocian y lo venden a una clase adinerada que invierte en eso. Y tienen razón en la inversión en arte, eso es bueno y debería ser de todo el mundo. Pero aún los artistas miden su terreno, como los leones su territorio, y no entremezclan el apoyo para lograr un mayor conocimiento.
Es muy parecido el pensamiento geométrico en la plástica con lo que está sucediendo en el mundo de la arquitectura. Es como una nueva poesía que nace de la pesca urbana. La justificación de lo urbano y la ciudad tienen que ver mucho con el arte, ha sucedido en todas las civilizaciones. Para justificar, a manera de ejemplo, el Guggenheim de Bilbao es una expresión de irregularidades. Para los arquitectos no es nuevo variar el formato, pero para los artistas pintores si lo es, aunque los formatos donde idean las estructuras siempre es cuadrado o rectangular.

LFQ: ¿Cuál es el lenguaje estimulado por el formato irregular?
Otto Apuy:
Desde luego que es lo óptico, ya que trasgrede las reglas de un cuadro formal, de lo que estamos acostumbrados a percibir. Una acción conceptual es una invitación a vivir una experiencia, pero es como un enunciado de nuestra realidad. Creo que se estimula la capacidad de percepción y de pensamiento, la gnosis, y del por qué de muchas cosas. No debemos olvidar que vivimos un periodo global que se llama fusión.



Otto Apuy. Impugnare. El.Schema. Fotografía LFQ. 

LFQ: ¿Desestructuración de la forma? Un tema apropiado para el cierre de esta entrevista con Otto Apuy en la cual hemos disertado sobre aspectos centrales a una pintura se reinventa. ¿Qué piensas al respecto?
Otto Apuy:
Eso me suena al título de una exposición mía. Es la perplejidad de nuestra visión del mundo. Muchas veces la comprensión nos lleva casi a una película de ciencia ficción, de alto sentimiento, de comprensión sonora y figurativa. Continuamente estamos deformando para construir, aquello que no habíamos terminado de percibir, y a veces esas manifestaciones son pésimas y mediocres.
Volviendo a “Impugnare. El. Schema”, es una propuesta donde no existen otros medios de expresión que le apoyen o confluyan, no hay un videoarte como suele haber en estas exposiciones, tampoco objetos móviles. Eso ha sido adrede, pero no quiere decir que tenga elementos para desarrollar la idea en estos medios. De hecho es un proceso aún que no ha llegado al videoarte y a una instalación, pero está contemplado.
Entonces, la atmósfera es nada más para las pinturas, cada bloque de color contiene la arquitectura que le rodea. El edificio donde está tiene mucha relación con esta propuesta de formatos irregulares. Los elementos mas cercanos son los principales inductores del concepto que tenemos de las formas, una ventana, una puerta, un techo, una pared, una escalera, uno encuentra a veces relación de pequeñas cosas que se repiten porque están dentro y son inconscientes. Todo el arte es así.

 
   

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Luis Fernando Quirós

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