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Helga Denoth: Sentarse y el arte

19.07.2013 | 12:32

En un reciente artículo que subí a este blog, Arte/diseño del sentarse”, decía que los objetos que más me gustan gravitan en la zona donde intersecta el arte con diseño, y que dicha franja intermedia se ensancha cada vez más, cuando los artistas deciden transitar por el borde del producto utilitario, abordados desde sus propios lenguajes, técnicas artísticas y una lúdica actitud de desenfado delante de la realidad del objeto mismo. Helga Denoth -de origen suizo radicada en Curime, cantón de Nicoya, provincia de Guanacaste, Costa Rica-, es una de esas artistas que atraviesan de un lado a otro dichos bordes; sus bancos, banquitos, sillas, asientos, mesas y diseño de espacios interiores, a la vez que son resueltos atendiendo el parámetro de funcionalidad –con todo lo que implica desde el punto de vista del diseño -, son tocados también por la magia expresiva que activa las emociones del espectador.

 

 

Muebles , asientos, bancos, sillas creadas por Helga Denot. Fotografía LFQ.

Atelier Denoth en Curime
En aquel maravilloso taller/galería sumido en el verdor de los jardines de Curime, se aprecia la magnitud de su profusión creativa; además de muebles con fuerte sentido del color, crea instalaciones ambientales, en tanto reutiliza materiales con la plausible actitud de que éstos no terminen contaminando al planeta tirados en basureros, a orillas de las carreteras, o mucho peor, en las cauces de los ríos.

Asientos creados por Helga Denot. Fotografía LFQ. 

En dichas propuestas utiliza materiales encontrados en el entorno: maderas, piedras, semillas, cáscaras, bejucos, cuerdas, alambres, al igual que subproductos industriales provenientes de envases, botellas, contenedores, carcasas de equipos (la basura que produce el mercantilismo actual, tan atizado por la misma sociedad de consumo), pero también se sirve de bicicletas u otros objetos que agotaron su vida útil y son compuestos para dialogar con enorme carga poética con los elementos naturales del lugar, todo para activar la experiencia de vivenciarlos, pues no son únicamente para ver, están ahí para acrecentar la proeza del sitio, provocar las sinestesias del color, del sonido, de las superficies con sus texturas, el aroma de las orquídeas y otras flores; hasta las brisas marinas que se adentran hacia la bajura desde el cercano golfo de Nicoya, o de las arenas pardas o doradas de Carrillo, Sámara, Nosara y otros sitios costeros del Pacífico Norte costarricense.

Muebles , asientos, bancos, sillas, murales, intervenci{on espacial y diseño interior creados por Helga Denot. Fotografía LFQ. 

Espacio de la reinvención
Reinventa objetos que en algún tiempo fueron para otra cosa y ahora trastocan no solo su utilidad sino la dimensión de sus significados; otros, en cambio, fueron fabricados por ella, como las sillas que son modelados con alguna estructura metálica; también utiliza remanentes del cotidiano como utensilios, o inventa mecanismos para los cerrojos de las puertas y ventanas.

Detalles de objetos e instalaciones creadas por Helga Denot. Fotografía LFQ. 

Me impactó observar al interno de una instalación resuelta con distintas piezas de lo que nosotros llamamos “chatarra” (desechos de metal), encontrar un guarumo (Cecropia obtusifolia), árbol que irá creciendo adoptando sus componentes para regenerar la metáfora, producto de la sensible y profunda actitud de Denoth de reinventar la poesía de los materiales vivos.

Banquitos creados por Helga Denot. Fotografía LFQ. 

Quisiera decir también que mientras estuve ahí sentado en ese vergel conversando con la artista y su marido, la cual versó sobre la experiencia de vivir por más de veinte o treinta años en el país, en la enorme pantalla mental donde dilucidan las interrogantes y comprensión de los orígenes de la creatividad -quizás la idea sería similar si ellos hubiesen escogido residir en el Caribe Sur, o la zona del bosque húmedo-, en su propiedad siempre habrá encuentro y descubrimiento, diálogo entre materiales y naturaleza, entre el lugar y el visitante, entre el arte y el diseño que conviven en dicha zona de influencia mutua.

  

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Luis Fernando Quirós

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Arte/Diseño del sentarse

11.07.2013 | 10:21

No intento atizar la polémica de si el diseño es arte, ya se han tenido importantes discusiones al respecto, lo que si he advertido es que la frontera entre ambos se ensancha y existen muchos artistas que en algunos momentos transitan el borde de lo utilitario, del objeto que funciona para una actividad cotidiana como una mesa, un asiento, una lámpara, un librero, abordados desde los lenguajes de la subjetividad y producidos con técnicas artísticas; eso vuelve a dichos objetos sugestivos y subvierten la noción tanto del arte como del diseño. Desde mi postura personal -externada en varios post de este blog, los productos que me encantan se ubican en esa franja fronteriza y, como se sabe, las vivencias en esas zonas en tensión siempre son provocadoras, sobre todo cuando los profesionales que ejercen su producción creativa migran constantemente de uno y otro lado. Para mi toda obra de arte encuentra adeptos y detractores, uno puede escuchar la opinión de diez personas que les guste o no una pintura, instalación o una escultura, en cambio, el producto diseñado debe satisfacer a todos por igual, esa demanda es una componente de su análisis mediante el cual observa factores que lo influencian y determinan su productividad.

Instalación con los muebles fabricados por los Marín de Sagrada Familia, en su forma habitual de comercialización, acumulados un carretón de tracción humana. Fotografía LFQ. 

El diseñador de muebles Rodolfo Morales con su permanente investigación sobre la silla, el banco, la forma del sentarse, propuso –como parte de su muestra de reinterpretaciones y reinvenciones en la Galería Nacional de San José, Costa Rica-, una veintena de banquitos intervenidos por artistas y diseñadores donde, como es de esperar, convergen lenguajes, técnicas, visiones, posturas ideológicas y estéticas, en tanto los participantes elaboran un imaginario simbólico que imprime a lo expuesto un lenguaje a veces pronunciado en tono jocoso, o crítico, hacia una sociedad que posee un algo de todo lo que se expone: coexisten las manifestaciones de la diversidad, los clamores por la inclusividad social, las relaciones de pareja, la jauría de la ciudad actual, la visión alternativa del cosmos, la crítica al materialismo, al mercantilismo y hasta lo emotivo y pasional, cuando la pieza trastoca la sensibilidad del espectador para que él, desde su propio espacio de intimidad, vierta esa componente esencial de toda exhibición: el interés, valoración que fluye en un amplio registro de emociones provocada por la idea del curador.
En principio el proyecto expositivo de Morales estuvo inspirado en los muebles fabricados por la familia de ebanistas Marín, del barrio capitalino de Sagrada Familia, explicado con lujos de detalles en el post “Arte del Sentarse” y que se resume en una hermosa instalación en la sala expositiva que ahora se comenta. La propuesta expositiva versa desde un refinado minimalista, como el banco “Kinestesia” de la diseñadora industrial Alina Leiva (el cual, en particular, es una de las piezas que más me gusta ubicada en esa zona del diseño de productos), a la provocación del “banco jardín” de Luis Chacón, quien evoca aquella visión bíblica del objeto inerte que retoña en un símbolo de esperanza, o la parodia belicosa que entabla Roberto Guerrero con su ejercito de “guerreritos delicados”. Se trata de una exhibición cuyo poroso abordaje nos sume en el territorio de la reflexión, de la activación rememorativa, cuando entretejen los discursos en lo más íntimo de cada espectador, y emerge su propio marco de interpretación.

Los banquitos “Cartas de amor” de Ricardo Alfieri, “Banco ciudad” de Ricardo Ávila y “Sandalias en el banco” de Sergio Barrantes. Fotografía LFQ. 

El artista Ricardo Alfieri con “Cartas de amor”, nos brinda un mensaje que a simple vista no se aprecia, pero que aguzando la mirada el espectador descubre que ahí coexiste diversidad de lecturas, con la textura del papel recortado y pegado a la superficie del banco, reverberan mensajes que no se leen pues son solo para ser sentidos con nuestro principal órgano humano de los afectos: el corazón.
El pintor Ricardo Ávila (ganador del Premio Nacional de Pintura Aquileo Echeverría del 2012 con la muestra “Ciudades 2012” en ese mismo espacio de la Galería Nacional), con “Banco ciudad” evoca la conmoción y el desparpajo advertido por el habitante al convivir en la ciudad actual subvertida por el estrés, el ruido, contaminada por la basura visual, y la tensión provocada por otros agentes sociales y políticos dichos con el acostumbrado lenguaje lúdico de su estilo naif.
Sergio Barrantes presenta “Sandalias en el banco”, juego del artista de hacer arte con lo que tenga a mano, en este caso añade un par de sandalias al banco tratado pictóricamente referenciando además la institución bancaria.

De Xiomara Blanco el banco “Arota”, de Marco Tulio Brenes la escultura “Evolución” y en la tercera imagen aparece el banco “Ecosistema” de Emilia Caballero. Fotografía LFQ

Xiomara Blanco con “Arota”, un dibujo a tinta china sobre la misma madera del mueble, sorprende por el efecto claroscural tramado en plumilla y aplicado directamente a la madera.
Marco Tulio Brenes conjugó varios elementos en su pieza “Evolución” en la cual el banco, inmerso entre piezas de metal y otras maderas encontradas, elevan al conjunto a la dichosa asunción escultórica.
Emilia Caballero con “Ecosistema”, va a la vertiente ambiental y carga su pieza con piedritas, epífitas y otras texturas en un conjunto evocador de una naturaleza que clama por protección y respeto.

Dinorah Carballo “Banquili”, Rolando Castellón “Nueva Era Maya”, Luis Chacón Banco jardín. Fotografía LFQ. 

Dinorah Carballo presenta el ensamble “Baquili”, se trata de una composición de materiales naturales como la madera, los hilos, las cuerdas, las semillas abordado desde la intertextualidad cuando se citan pensamientos, poesía, musicalidad, crítica y las cavilaciones del duermevela en la gran noche oscura cuando el artista coteja la intensidad de los detonantes de su discurso.
Rolando Castellón con actitud minimalista, y profundidad de intelecto alude al concepto de transformación de la noción de tiempo, ese que inició propio después del 21 de diciembre de 2012 cuando la humanidad actual ingresó en la “Nueva era Maya” o nuevo Bactuk.
Luis Chacón, como se comentó, brinda la idea del objeto que retoña, en este caso el banco jardín logrado con flores artificiales pegadas a la madera; se trata de una elegante metáfora y a la vez crítica que sugiere el boomerang escurridizo lanzado a lo desconocido, pero que tampoco se sabe cómo sujetarlo en su retorno.

Al fondo de la primera imagen se observa la pieza de Olga Coronado “La niña” y la pieza Sin Nombre de Fosé Solorzano, el banco de Roberto Guerrero titulado “Técnicas y estrategias para un desbancamiento (Primer asalto imaginario de los guerreritos delicados a la normalidad), y de Eugenio Murillo “El esforzado”. Fotografía LFQ. 

Quizás la pieza más conmovedora -aunque en realidad no me gusta su realización pues invade la presencia del banco-, pues toca la variable afectiva del espectador, es “La niña” de Olga Coronado; se trata de una escultura en papel maché, signo de fragilidad con su corazón en la mano, clamando un tiempo de detención.
Roberto Guerrero con “Técnicas y estrategias para un desbancamiento (Primer asalto imaginario de los guerreritos delicados a la normalidad), nos sume en el pensamiento y lucha del individuo por sus derechos delante de la estructura social. Los soldaditos con escarcha pegados sobre la madera del banco, alude a la rebelión ante el poder de quien -aunque sea única presencia-, aduce institucionalidad.
Eugenio Murillo, siempre crítico y a la vez juguetón con sus propuestas, expone
“El esforzado”, refiere al estudiante universitario quien culmina su carrera colocándose la toga y el birrete. Demuestra una vez más el detonante de su aguda imaginación y fortaleza técnica en la producción de sus constantes ideas creativas.

Alina Leiva “Kinestesia”. Fotografía LFQ. 

La pieza de la diseñadora industrial Alina Leiva titulada “kinestesia”, nos recuerda su participación (en par con Rodolfo Morales) en la anterior Bienal Iberoamericana de Diseño, Madrid 2012, con un banco cuyo sentadero es una cama de corchos, demostrando su interés por reusar materiales e impedir que terminen en los basureros, y en el plano utilitario ofrecer una sentada placentera y recordable.

Loida Pretiz “Tejido”. Fotografía LFQ. 

Loida Pretiz con su ensamble “Tejido” en el cual el banco, transformado en asiento con respaldar adquiere insospechadas connotaciones, entre otras, aborda la reflexión sobre las tensiones provocadas en los juegos de poder. Ella misma -durante la inauguración del evento-, hacía un reclamo por la territorialidad merecida para su propuesta.

Paulina Ortiz en “Banquillo con plumas” nos encanta con la magia y simbolismo de un objeto de uso cotidiano como el banco sumido en un tejido de cuerdas y plumajes. De repente subvierte la idea de lo utilitario y la convierte en metáfora del árbol en cuyos ramajes anidan alegres avecillas.
LFQ presenta su interpretación “Bancobola”, es la idea del fruto en su visión arbóreo-centrista y criatura simbólica del Génesis.
José Solórzano en “Sin nombre” trabajó un ensamble de madera de balsa sobre el banco para insinuar una tectónica fragmentaria, como si quisiere desmaterializar el mueble y reducirlo a trozos y cenizas.

Instalación con banquitos tal y como los colocan los Marín en su taller durante el proceso. Fotografía LFQ. 

En conclusión, quisiera decir que acuden a esta muestra, como se ha dicho y observado en estos registros fotográficos, diversidad de lenguajes, posicionamientos y matices estéticos, ideológicos, intelectuales, espirituales, latentes en todo acto creativo a partir de un insumo (in)tangible como es la forma y el arte/diseño de sentarse. Por otro, pone una vez más el dedo sobre la herida sin sanar de esa dicotomía arte o diseño. Importante culminación del investigador, observador y colector que es Rodolfo Morales quien viene entretejiendo esas ideas desde no menos de una década, y nos seduce a acercarnos a leer esas notas escritas en el muro de la imaginación, cuando los lenguajes disertan sobre la pasión, el poder, la rebeldía, el orgullo y hasta la trivial rivalidad entre el bien y el mal.


  

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Luis Fernando Quirós

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Tercer Muestra Internacional de Libro Arte, Palo Alto, California

11.06.2013 | 09:58

El artista y curador de arte contemporáneo Rolando Castellón, con estas exposiciones de libros hechos por artistas y diseñadores, se propone recuperar y revalorar la producción de libros hechos a mano, con técnicas artesanales tradicionales o semi industriales de bajas series, u objetos en los que el referente libro encausa una lectura de los caracteres de la época, espacio donde catar un tiempo en que fluye la información y la sensibilidad por coleccionar esos productos únicos e irrepetibles. 

Fotografía de la sala expositiva de la III Internacional del Libro Arte. Cortesía del artista Peter Foley.

La Primera Internacional de Libro Arte se realizó en Lisboa, Portugal en 2011, cuando el curador encontró enorme afinidad por este tipo de producción cultural; la segunda, en 2012, fue en Galería Alternativa, San José, Costa Rica, y esta tercera se exhibe durante el mes de junio en Studio E5, Middlefield RD, Palo Alto, California, Estados Unidos.

Al apreciar las fotografías de la muestra de esta edición, y percibir tantas visiones del arte y diseño actual: “capas y capas”, o, mejor dicho, “páginas y páginas”, activa la idea de rescatar un espíritu que no amedrenta a pesar de la revolución de nuevos medios tecnológicos que acrecientan la era de la Información. Se trata de un recorrido donde los sujetos, los libros, devuelven la interrogante del tiempo y estar (in)formados es una variable insustituible en la vivencia cotidiana. 

III Internacional del Libro Arte. Fotografías cortesía del artista Peter Foley.

Se observa diversidad de materiales, naturales o no naturales, con texturas o lisos, con o sin color, abiertos o cerrados; poseen un enganche sugestivo, poético, con lo cual las palabras se entremezclan en distintos idiomas y vuelven al espacio un laboratorio de significados en el lenguaje universal del arte.

Hacer libros se inició en Mesopotamia con las famosas tablillas de arcilla, los papiros de Egipto, el papel de pulpas en Oriente, los rollos de pergamino en Grecia y Roma, así como en nuestra América Prehispánica los códices trazados en pieles animales, entre otros materiales, encontró su punto fuerte durante la Edad Media, cuando para aquellos libros llamados incunables se utilizaron maderas, pieles, piedras y metales preciosos, y el tiempo del mundo para producirlos y apreciarlos. Sin duda que la invención de los tipos móviles acrecentó la lectura y la producción editorial, pero hoy en día, los artistas toman todos esos recursos técnicos y materiales del pasado para explorar los bordes y porosidades de su profunda creatividad.

 

III Internacional del Libro Arte. Fotografías cortesía del artista Peter Foley.

El maestro Castellón, curador de la propuesta, es además un importante colector y productor de publicaciones, catálogos y revistas u otras impresiones alternativas utilizando la fotocopiadora, la impresión manual, y todo aquello que cave en el formato de lo que se puede llamar un libro. En su espacio ARTSéum, San José, Costa Rica, uno se siente al interno de una de esas bibliotecas o enciclopedias donde el saber es custodiado bajo aquellas sombras y luces parpadeantes de los rayos que se cuelan y donde esos sujetos son joyas a la vista de cualquier bibliófilo. Con esta tercer muestra internacional cierra el ciclo que se propuso desde sus primeros viajes a Portugal, pero para él –y por fortuna también para todos nosotros artistas y diseñadores amantes del arte de hacer libros-, dicho cierre es solo otro inicio más cuando veremos de nuevo las salas de algún lugar repletas de ideas, pensamientos y expresiones del libro eterno de la vida.

Lista de nombres de los artistas participantes:

Una de las piezas participantes en la III Internacional del Libro Arte. Fotografía cortesía del artista Peter Foley.


 

Fotografía de la III Internacional del Libro Arte. Cortesía del artista Peter Foley.

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Luis Fernando Quirós

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