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Joaquín Murillo: diseñador/fotógrafo
El Diseñador Industrial Joaquín Murillo (graduado en Diseño Industrial, Instituto Tecnológico de Costa Rica) abre un importante espacio para la expresión fotográfica actual: produce retratos, desnudos, objetos, paisajes, arquitectura, diseño, que mezcla con el diseño de stands, tiendas, gráfica, y con ello ahora incursiona en la formación de fotógrafos en el interesante entorno de un hotel en la zona de Guachipelín, San José. Trabaja con modelos profesionales y su producto personal se distingue por el manejo técnico de equipo, pero también lo carga de una importante dosis de estética observada en el manejo del detalle, el encuadre, el color, la textura, la transparencia y sobre todo la luz.
Fotografía cortesía de Joaquín Murillo.
LFQ: Cuéntanos de esa nueva experiencia de hacer fotografía, ¿qué te motiva?
Joaquín Murillo: En realidad no es para nada una nueva experiencia en mi vida pues antes de ser diseñador, ya andaba tomando mis fotos por ahí, con una cámara "réflex" que tuve desde mis 15 años.
Siempre he tenido esa fuerte tendencia hacia lo visual; el color, la composición, la proporción, etc. Me he considerado desde muy joven como una persona que se "alimenta por los ojos". Desde esos tiempos de juventud ya experimentaba con el color, el dibujo, el diseño, y era medio inventor de artefactos "raros" que pocos comprendían. Mis habilidades como dibujante eran conocidas en la época de estudiante de secundaria y hasta fui varias veces a representar al Liceo de Tilarán –oriundo de Tilarán, Guanacaste-, en actividades regionales de Artes Plásticas. Y la fotografía siempre estuvo cerca de todo eso, aunque nunca con la fuerza de los últimos años cuando gracias al surgimiento de la fotografía digital me "liberé" de tener que delegar a terceros partes del proceso, y me sentí por fin en control de cada etapa, de cada paso, desde la creación de la imagen hasta su edición e impresión.
Fotografía cortesía de Joaquín Murillo.
LFQ: ¿Qué carácter fotográfico te movía antes del universo digital?
JM: Antes de la "era digital" me dedicaba principalmente a la fotografía en blanco y negro. Tomaba mis fotos, las revelaba, las ampliaba, realizaba mis exposiciones, y en general, era bastante activo y productivo. Esa etapa de mi vida como fotógrafo la disfruté y extraño, pero se requerían muchas horas para ver los resultados, aspecto que hoy se ha reducido enormemente gracias a la tecnología digital.
LFQ: ¿Dónde encuentras tus activadores?
JM: Mis fuentes de inspiración son muchas, pienso. Me cuesta decir que tengo ciertas preferencias porque en realidad me siento estimulado, siempre, por detalles, paisajes, animales, texturas, etc.
Fotografía cortesía de Joaquín Murillo.
LFQ: ¿Cuál es tu principal foco de interés: el retrato, el paisaje, los objetos, la arquitectura?
JM: Soy fiel creyente de que hay belleza en el objeto más banal y simple. Sin embargo, si me obligo a buscar lo que más disfruto es posiblemente la creación de lo que yo llamo "abstracciones cromáticas", que son fotografías en todo el sentido de la palabra, que han sido tomadas con la mayor rigurosidad, pero que posteriormente someto a una traducción del modo de color RGB original (en el que son grabadas por el sensor de la cámara) al modo "Lab" donde las someto a un proceso absolutamente subjetivo y hasta impredecible de "pintado digital". Siento que este trabajo -que considero un híbrido entre pintura y fotografía- me permite expresarme con total libertad en términos de color, que es, por cierto, una de mis pasiones.
Fotografía cortesía de Joaquín Murillo.
LFQ: ¿Cómo nace la idea de esa escuela de fotografía?
JM: La idea inicial de impartir talleres me surgió mientras estaba en París, en Octubre del 2010. Recibí un correo de un "amigo" de Facebook que me solicitaba que le diera clases de fotografía porque le gustaba mucho mi trabajo y sentía que yo podía enseñarle "mucho" y ayudarle en su crecimiento como fotógrafo. Ese e-mail me hizo pensar con detenimiento al respecto, y después de regresar a CR decidí que iba a iniciar con un producto diferenciado a nivel de mercado, y que iba a llamarlos "talleres" en ver de cursos. Además, decidí diseñar una simple estrategia de mercado con el objetivo de implementar el proyecto de la mejor manera posible desde el principio, y, haciendo uso de mis limitados conocimientos de "marketing" para reducir el riesgo de fracasar. Es así como lanzo a principios del 2011 un primer taller llamado “Fotografía de Niños”, al cual posteriormente y en un corto plazo se le unieron otros que fui "diseñando” en las siguientes semanas. En este momento ofrezco ya casi diez diferentes talleres, todos especializados en temas muy puntuales.
Fotografía cortesía de Joaquín Murillo.
LFQ: Háblame de cómo surge esa idea del espacio “escuela-hotel”. ¿Qué estrategias te mueven?
JM: La alianza con el STUDIO HOTEL de Santa Ana surge como resultado de una negociación con un cliente de Joaquín Murillo como diseñador: ALDO NERO (tanto el hotel como las tiendas son del mismo dueño). Sin embargo, no diría yo que sea un binomio indivisible pues en un futuro puede ser que la dinámica del negocio me lleve por otros rumbos. Por ahora, el hotel está funcionando excelentemente ya que está muy bien ubicado en la zona geográfica de San José en la que vive la mayoría de mis clientes, y su infraestructura es perfecta para mis objetivos.
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Fotografía cortesía de Joaquín Murillo.
LFQ: ¿Cuál es el perfil de intereses de los estudiantes que recibes?
JM: En general son personas de edad mediana que no quieren ir a recibir cursos con adolescentes universitarios, porque no están interesados en vivir de la fotografía, ni estudiarla como carrera, sino más bien, tenerla como un pasatiempo o hobby que quieren dominar mejor, quizás para poder tomar mejores fotos durante sus viajes, de su familia, o para sentirse productivos con una actividad altamente creativa y adictiva.
Fotografía cortesía de Joaquín Murillo.
LFQ: ¿Con qué equipo fotográfico trabajas?
JM: Tanto yo como mis estudiantes trabajamos con cámaras tipo DSLR, ya que todos mis talleres han sido diseñados para personas que poseen ese tipo de equipo, y han sido estructurados para que los estudiantes aprovechen el potencial de sus cámaras en modo "manual". Los modos automáticos son "prohibidos" en mis talleres.
LFQ: ¿Qué representa para vos el buen manejo del color y la luz?
JM: La luz es por mucho el ingrediente más importante en el trabajo del fotógrafo, y eso se los hago ver desde el principio a mis estudiantes. No en vano fotografiar significa "dibujar con luz". El buen manejo de ésta (la luz) es fundamental, ya sea que trabajemos en blanco y negro o a color.
El color, por su parte, aporta una indiscutible carga emocional en la fotografía pero parte de lo aprendemos en mis talleres es que no siempre debe estar presente. Antes que el color está la riqueza del claro oscuro, de las sombras, de la escala tonal. Cuando ambos -sombras correctas y color- convergen en una misma imagen de forma simbiótica habremos creado una imagen que hace historia, que impacta y que será recordada y admirada por muchos. La lucha, tanto para mis estudiantes como para mí en lo personal, consiste en seguir desarrollando esas sensibilidades que nos permitan llegar de forma fluida y no forzada a ese "norte".
Fotografía cortesía de Joaquín Murillo.
LFQ: ¿Te interesa el proceso o el fruto de la fotografía?
JM: Creo que me importa más el resultado final. Sigo pensando que la fotografía es una experiencia visual que no debe ser explicada. Cada imagen debe por sí sola ser capaz de impactar al observador, ya sea por su belleza, por su crudeza, originalidad, entre otros criterios. Tengo grandes discrepancias con la "fotografía contemporánea" que requiere toda una justificación filosófica para sustentar su existencia.
En resumen, mi criterio es que una buena fotografía debe ser el resultado de un muy buen dominio de la técnica, a la par de una capacidad visual superlativa para ver el mundo de un modo distinto a como la mayoría de las personas la ve. Ese binomio de factores, si se da, es casi siempre infalible.
A manera de conclusión de esta nueva entrevista con Joaquín Murillo, constata que observar de cerca el trabajo de este inquieto diseñador y fotógrafo, ejemplifica la necesidad actual de tener presencia: en el mercado, en la cultura, en el pensamiento creativo; él se reinventa constantemente y ese carácter lo mueve a conocer muchos aspectos de la producción creativa y asimilación tecnológica que transforma nuestra vida actual.
Apostando por una reestructuración del Diseño Industrial
Soy de los creen que el diseño industrial necesita de discursos teóricos para establecer su propia validez. Es decir, que es necesario que el diseño disponga de una teoría fundamentada que concrete criterios y que marque las finalidades en todas sus particularidades y generalidades. Disponer de unas sólidas bases ideológicas que sirvan para hacer “creíble” y fuerte la disciplina.
Recientemente leía en I+Diseño un artículo al respecto realmente motivante que os invito a leer. De paso ya tendréis la referencia de esta publicación, si no la conocíais, de la que cabe decir que es de un elevado nivel.
El artículo en cuestión venía a afirmar, pienso que acertadamente, que hasta que no existe un verdadero discurso crítico y teórico de una profesión –normalmente además divulgado y apoyado por reconocidas publicaciones especialistas en la materia- no existe tal profesión y/o disciplina.
Dicho artículo, que repasa aunque muy por encima parte de la historia del diseño, muestra de forma evidente la falta de rigor que ha existido para la creación de los nuevos y actuales planes de estudio del Diseño Industrial. Planes sobre los que siempre he sido personalmente muy crítico por la disparidad de materias y niveles existentes de un centro a otro.
En cualquier caso no podemos negar que el entorno académico es, o debería ser, el principal “regulador” de cualquier disciplina. Es un primer nivel intelectual para establecer las más correctas bases teóricas e ideológicas.
Por esta razón este podría ser un buen punto de partida de cara a la necesaria –bajo mi punto de vista- reestructuración del diseño industrial.
Si revisamos, aunque sea a grandes rasgos, la historia reciente del diseño industrial, de forma muy particular la acontecida durante las últimas décadas, podemos ver como hemos ido pasando por diferentes “corrientes”. Etapas de las que debemos presuponer, para encontrarles cierta lógica, sentido y justificación, unas mínimas bases ideológicas.
Partiendo de esta base podemos decir que hemos vivido, desde las posiciones más frívolas y figurativas de los años 80 –ampliamente cuestionadas tanto desde dentro como desde fuera- hasta las más técnicas y/o tecnológicas de los años 90.
El año 2000 despertaba con la motivación de que la eficiencia y la efectividad iban a primar por encima de todo pero desde hace unos años, metidos en un nuevo siglo, el diseño industrial se ha estado moviendo por terrenos realmente inciertos. Existen múltiples debates abiertos, representados en si mismos en la disparidad de propuestas que copan los mercados y las revistas, al respecto de la función del diseño vs los tiempos que nos acontecen y el papel que éste ha de adoptar en el nuevo futuro social, industrial y económico que se está configurando.
La sostenibilidad, la ecología y el respeto medioambiental suponen también nuevos y sólidos enfoques que deben considerarse de forma sería y rigurosa, más allá de la utilización de estos recursos y "etiquetas" con claros fines mercantilistas.
Podemos decir que en la actualidad coexisten, de momento sin excesivo conflicto aparente, muy diversas posiciones sobre el diseño industrial –la mayoría de ellas- son tan válidas como altamente interesantes. Esto no tiene discusión, no obstante esta diversidad de pensamiento también provoca cierto desconcierto y descrédito.
Ante este “caos” y principalmente motivados por el contexto que vivimos, sería bueno iniciar un profundo debate abierto para poner sobre la mesa todas las posiciones de cara a establecer una estrategia común que defina, en conjunto y de forma lo más consensuada posible, el papel del diseño industrial para los próximos años.
A modo particular pienso que si no logramos ordenar todos estos frentes abiertos lamentablemente no llegaremos a tiempo para aplicar unas soluciones –que con carácter de urgencia- demanda el tejido industrial occidental. Si no aplicamos soluciones la industria estará agonizando ante nuestros ojos mientras el diseño industrial se pierde en su propia experimentación y/o búsqueda.
Vivimos tiempos convulsos. Hoy el mercado está abiertamente cuestionado y una crisis durísima demanda la activación de una industria que el actual diseño industrial, básicamente el “diseño de escaparate” de los últimos años, no ha sido capaz de incentivar y/o dinamizar cuando el mercado a precisado soluciones más solventes. Urgen las soluciones y quizás podrían hallarse si logramos un nuevo diseño industrial que pasa por una reestructuración en profundidad.
Debemos cerrar etapas. Aceptar el derrumbe de las estructuras que han sujetado durante los últimos años un diseño industrial muy superficial y totalmente sometido a un mercado hambriento y voraz. Un diseño industrial realmente criticable y criticado desde las posturas más rigurosas de la disciplina que parecen haber sido apartadas a un lado desde hace unos años.
Creo que no debemos temer un debate abierto. Una “reestructuración” significa dejar lo que es válido. Más bien sería trazar una actuación siempre alejada de una ruptura radical.. Realizar los análisis oportunos y necesarios que nos permitan establecer claramente sobre que nuevos pilares apoyar un nuevo discurso teórico que dibuje las alternativas para el futuro.
Personalmente apuesto por dejar emerger un reestructurado diseño industrial que, basado en unos sólidos cimientos, se ajuste a las nuevas demandas sociales, industriales y económicas. Un diseño que debería permitir y propiciar el nacimiento de un nuevo mercado, ahora mucho más equitativo y justo. Un diseño industrial más respetuoso, de forma evidente, con el ser humano y con el medioambiente.
En definitiva un diseño industrial con más evidencia de carga ideólogica….
Joaquín Rodríguez del Paso: transparencias en la cultura del proyecto
Para este post en particular, deseo abordar a Joaquín Rodríguez del Paso, artista contemporáneo de agudo pensamiento, quien inició sus estudios en arquitectura en la Universidad Veritas 1981, pero seducido por el arte de la cerámica terminó graduándose en la Universidad de Costa Rica, Escuela de Artes Plásticas. Luego viajó a Nueva York para obtener su maestría en Diseño Industrial en Pratt Istitute. Sin embargo terminó siendo pintor, no por casualidad, en tanto ese fue desde siempre, como él dice “su primer amor”.
"Mejengo", 2004-11, madera, lámina de acrílico, hierro, plástico. Dimensiones: H 91, A 65 L 145. Foto cortesía del artista.
Respecto a las interrogantes planteadas a Rodríguez del Paso, sus respuestas encienden el debate sobre grandes asuntos de la cultura actual, delante de esas remezones que nos afectan, y que de alguna manera impactan a las carreras creativas que a veces parecen superponerse y transparentarse:
“Uno se imagina las carreras como la arquitectura y el diseño que tienen un asidero en la realidad, digamos, más concreto. Pero entrando en materia te diría de una manera simple y casi elemental, que la gran diferencia existente entre la arquitectura y el diseño vrs el arte, obligan a las dos primeras a dar soluciones y respuestas, mientras la tarea de la última, es hacer cuestionamientos.
Si lo vemos así, el arte estaría mas cerca de la filosofía en ese sentido: ninguna de las dos disciplinas tiene que DEMOSTRAR nada, ambas MUESTRAN. Ciertamente sus caminos se entrelazan, se bifurcan y llegan a correr paralelamente. No menos cierto es que a menudo, la línea divisoria entre arte y diseño se borra, o la que divide la arquitectura del arte etc. Pero pienso como fundamental que el futuro arquitecto/a, diseñador/a o artista, tenga claro esto: ¿soy de quienes quieren hacer las preguntas, sembrar las dudas y comunicar incertidumbres o mas bien quiero ofrecer respuestas y soluciones?
Y aquí si me voy a permitir ser mas "old school", menos "new age" y aludir a esta identidad de -ser un cuestionador o un solucionador-, como un carácter no intercambiable. Por eso sobran los artistas que "ilustran" y los arquitectos y diseñadores cuyas creaciones no funcionan realmente pero cuestionan el status quo de la profesión. Ahí fallan ambos. Es menester desde el primer día para un estudiante de estas disciplinas tener claro a nivel personal, donde están sus intenciones”.
“Brave new world”, 2011, óleo sobre tela. 160 x 138. Foto cortesía del artista.
“Double Mike”, 2010, óleo sobre dos telas. 50 x 50 c.u. (50 x 100 total). Foto cortesía del artista.
Joaquín Rodríguez del Paso argumenta respecto a la cultura, la naturaleza y las nuevas actitudes o comportamientos sociales, que “según lo observado en los últimos 30 años, vivimos en una cultura mas consciente del entorno, de la fragilidad de lo natural y del peso que nuestra sociedad le significa a ese entorno. La pugna entre lo natural y lo artificial (anteriormente denominada cultura vrs naturaleza) es un "fait accompli": no hay discusión al respecto, somos una civilización decidida desde hace mucho tiempo a explotar los recursos naturales para hacer nuestro paso por esta vida, mas cómodo y seguro. La diferencia, el cambio gestado de a poco, es cobrar consciencia, al menos a nivel estructural ( gobiernos/autoridades) de que la pugna con lo natural debe ser mas respetuosa. De lo contrario, los recursos- limitados en principio- se agotarán. Surgen entonces todas estas políticas " verdes" vistas muy bien como "stickers" en los parachoques o como slogans de compañías como Shell o BP. La realidad es distinta, se avanza muy poco. La inmensa mayoría de la gente sigue con hábitos y usos que solamente contaminan mas e inclusive, han "rediseñado" sus cuerpos: la población se engorda por cambios en la dieta -mas grasas- y por hábitos de consumo -mas autos = menos caminata.
El diseño enfocado al consumo es otra realidad.
La arquitectura de mayor visibilidad es la de los grandes complejos recreativos, de consumo y de transporte.
Hay un termino en ingles (sleek) que yo aplicaría a TODA la arquitectura contemporánea. Es de líneas aerodinámicas y sensuales ( Hadid- Koolhass) con un énfasis en el “look” y la elegancia del diseño ( Calatrava). Esa es la arquitectura con mayores índices de promoción y visibilidad. Lo diseñado con recursos modestos, con líneas que no permiten estos trazos elegantes, tienen menos difusión”.
“Leg Godt”, 2010, madera policromada. H 135 A 70 L 145. Foto cortesía del artista.
Uno de los grandes estímulos al desarrollo de la habitabilidad del espacio y la poética de la forma experimentada en la arquitectura y el diseño lo ofrece la tecnología del siglo XXI, a lo cual Joaquín agrega: “Pienso que la tecnología ha estado mas puesta al servicio de lograr los edificios imposibles de Hadid o de Norman Foster o inclusive de propuestas de arquitectos mas " verdes" como Renzo Piano y Jean Nouvel, que de fomentar el uso de materiales alternativos, disminución del consumo de recursos energéticos, entre otros. Y si uno pensaba que el paradigma del "progreso" había caído en desuso, nada mas echarle un ojo a proyectos de la ultima década en sitios como los países árabes, donde impresionantes edificaciones -en forma de hoteles de hiper lujo- no solo no riman con su entorno -sino que compiten contra él, en un alarde del dominio del hombre sobre la naturaleza.
Quizás el diseño y la arquitectura tengan que asumir algo ya manejado desde hace algún tiempo: diseño responsable. Pero ante las presiones de un mercado que impele al derroche y al consumo, parecería tarea imposible”.
Joaquín Rodríguez del Paso, febrero 2012. Foto cortesía del artista.
A manera de conclusión con este acercamiento a las problemáticas de la cultura postmoderna, es fundamental reflexionar ante estos y otros activadores del pensamiento de Joaquín Rodríguez del Paso, además serán temas propuestos para futuros encuentros en esta misma línea, pero con otros profesionales del diseño y la arquitectura. Delante de los grandes conflictos sociales, culturales y económicos que provocan esa remezón mundial, cave indagar si se estará impactando con la misión de estas carreras creativas, su formación y el sentido del proyecto, para afrontar los nuevos retos ante estos cuestionamientos.
