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Adornar o no adornar
El ornamento es algo que ha sido revisado constantemente a lo largo y ancho de la historia del diseño. Uno de sus más fervientes enemigos fue Adolf Loos, arquitecto austriaco nacido en 1870 cuyo libro “Ornamento y delito” es un hito dentro de la cultura proyectual. En su obra, afirmaba que “como el ornamento no está unido orgánicamente a nuestra cultura, tampoco es una extensión de ella”, o que “el ornamento significa fuerza de trabajo desperdiciada y material profanado”. Incluso pensaba que iba en contra de la economía de un país.
Resulta curioso observar que, en el pasado, el lujo estaba basado en la ostentación y el exceso de decoración, y sin embargo en la actualidad sucede todo lo contrario, hasta se puede llegar a considerar que engalanamiento excesivo de los espacios y los elementos superfluos de los objetos han adquirido ciertas connotaciones “pecaminosas”.
No obstante, muchos todavía piensan que embellecer los productos permite un gran abanico de posibilidades expresivas, una narración que puede llegar a enriquecer los productos. Tanto es así, que existen objetos que en sí mismos son un adorno, o que el ornamento tiene un valor funcional haciendo de, por ejemplo, interruptor. Sin ir más lejos, la customización que tanto está de moda, no es más que “adornar” a tu gusto personal o con tus colores favoritos un determinado objeto. Posiblemente vaya en la naturaleza del ser humano dejar su huella personal y marcar sus pertenencias con algo que lo identifique, y eso va desde el fondo de pantalla del ordenador, hasta la tapicería que eliges cuando compras coche nuevo.
Es diferente la ausencia de ornamento a la renuncia de decoración. Los detalles y los lenguajes son muy importantes para que un objeto o un espacio transmitan lo que queremos. No se trata de adquirir objetos totalmente austeros, sino más bien huir del ornamento gratuito que no hace sino ocultar la verdadera belleza de las formas y los materiales.
Teteras diseñadas por Peter Beherens en 1909 para AEG
Atemporal
Existen objetos con cualidades casi “mágicas” que perduran en el tiempo a pesar de todo. Son atemporales. Sobreviven, como mucho, con un pequeñísimo restyling. Se vendieron, se venden y se seguirán vendiendo. Son eslabones imprescindibles dentro de la cadena de la cultura y del contexto histórico. Sin ellos, la cadena no estaría unida, porque son símbolos de un período en concreto. Al marcar una época, su atractivo trasciende más allá del contexto inmediato al que pertenece, tanto, que un objeto hecho a principios del siglo pasado puede seguir totalmente de moda sin por ello tener que asociarle ningún aire “retro”.
Curiosamente, un producto que ha roto todos los moldes, como ha logrado, por ejemplo, el ya famosísimo iPhone, en el cual la estética va casi totalmente ligada a su funcionalidad (la forma sigue la función, en este caso), dentro de unos años ya se verá antiguo, como sucede si llega a nuestras manos ahora uno de los primeros móviles. Y es que los productos no se vuelven atemporales por la función que desempeñan, ni por las soluciones novedosas que dan al entorno dentro de un contexto determinado; esta atemporalidad viene de la mano de la estética y dentro de las funciones más básicas, como por ejemplo, el sentarse.
Lo importante es la calidad. Lo que acaba por trascender es toda la reflexión que hay detrás de un producto, que solo es el resultado final. La universalidad de ciertos productos industriales viene dada por las causas y no por los efectos, es decir, por las ideas y no solo por las formas.
La famosísima Vespa, fabricada por primera vez en 1946 por la empresa italiana Piaggio
Bienal de Arte de Venecia: EL ARSENAL
Las nuevas aventuras laborales y el ritmo frenético de Milano han hecho que las palabras (o más bien imágenes) del manifiesto milanés sobre el Arsenal de la bienal de arte de Venecia se hayan quedado en el tientero (o más bien en la tarjeta de memoria) hasta este momento.
Como os habíamos adelantado, el Arsenale es una antigua estructura militar que forma parte de las instalaciones de la bienal. Esta serie de edificios de arquitectura impresionante y estética decadente, alberga las obras de algunos los artistas contemporáneos más relevantes a nivel internacional.
Al igual que hicimos al enseñaros los jardines de la bienal, sin entrar en análisis nos proponemos mostrar las obras que capturaron inmediatamente nuestra atención, comentándolas muy brevemente para que seáis vosotros quienes, observándolas por primera vez, analicéis el tipo de sensación que os transmiten.
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Song Dong presenta la inteligencia de la gente pobre, una instalación que habla por sí sola, en la que el artista reproduce la casa centenaria de sus padres en China.
El ojo no pudo evitar detenerse en algunos de los 19 trabajos que el artista austriaco Franz West nos presenta dentro de uno del para-pabellón creado por Dong.
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El sudafricano Nicholas Hlobo nos sorprende con una serie de obras en las que los materiales ocupan la tercera dimensión saliéndose del lienzo. Costuras que forman parte estética y estructural del cuadro y esculturas sobrecogedoras enlazadas en una instalación cuanto menos sorprendente.
Mereció la pena la hora de espera para disfrutar de la experiencia sensorial de la obra que el americano James Turrell nos trajo desde el desierto de Arizona en el que vive y trabaja. Como es habitual en su obra, la arquitectura y la luz se fusionan en una instalación que despista a nuestros sentidos. Si alguno no estáis familiarizados con su obra, no deberías perder ni un segundo en "googlelarlo".
Cera, pigmentos, mechas y acero componen la arquitectura de la instalación sin título del suizo trasplantado a la gran manzana Urs Fischer, mientras el plan B de Ayse Erkmen está formado por una serie de tuberías que invaden el espacio tridimensionalmente como si de un viejo protector de pantalla se tratase.
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Como ya habíamos anunciado previamente, en 2012 Venecia rinde homenaje a la arquitectura, con la bienal que será inaugurada el 29 de Agosto y permanecerá abierta al público durante casi 3 meses, cerrando sus puertas el 25 de Noviembre. La decimotercera edición de esta exposición lleva por título “Common Ground” (terreno común) y reunirá a 41 países bajo la dirección del afamado arquitecto David Chipperfield.
Desde Italia os recomendamos a los amantes de la arquitectura que programéis una visita en los primeros meses para que el frío húmedo de la isla en Noviembre no eclipse la perfección de la muestra. Para los que prefiráis esperar a la de arte, en 2013 regresa dirigida esta vez por Massimiliano Gioni.
Más información sobre la bienal de arte en http://www.labiennale.org/en/art/ y la de arquitectura en http://www.labiennale.org/en/architecture/
