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Joaquín Murillo: diseñador/fotógrafo
El Diseñador Industrial Joaquín Murillo (graduado en Diseño Industrial, Instituto Tecnológico de Costa Rica) abre un importante espacio para la expresión fotográfica actual: produce retratos, desnudos, objetos, paisajes, arquitectura, diseño, que mezcla con el diseño de stands, tiendas, gráfica, y con ello ahora incursiona en la formación de fotógrafos en el interesante entorno de un hotel en la zona de Guachipelín, San José. Trabaja con modelos profesionales y su producto personal se distingue por el manejo técnico de equipo, pero también lo carga de una importante dosis de estética observada en el manejo del detalle, el encuadre, el color, la textura, la transparencia y sobre todo la luz.
Fotografía cortesía de Joaquín Murillo.
LFQ: Cuéntanos de esa nueva experiencia de hacer fotografía, ¿qué te motiva?
Joaquín Murillo: En realidad no es para nada una nueva experiencia en mi vida pues antes de ser diseñador, ya andaba tomando mis fotos por ahí, con una cámara "réflex" que tuve desde mis 15 años.
Siempre he tenido esa fuerte tendencia hacia lo visual; el color, la composición, la proporción, etc. Me he considerado desde muy joven como una persona que se "alimenta por los ojos". Desde esos tiempos de juventud ya experimentaba con el color, el dibujo, el diseño, y era medio inventor de artefactos "raros" que pocos comprendían. Mis habilidades como dibujante eran conocidas en la época de estudiante de secundaria y hasta fui varias veces a representar al Liceo de Tilarán –oriundo de Tilarán, Guanacaste-, en actividades regionales de Artes Plásticas. Y la fotografía siempre estuvo cerca de todo eso, aunque nunca con la fuerza de los últimos años cuando gracias al surgimiento de la fotografía digital me "liberé" de tener que delegar a terceros partes del proceso, y me sentí por fin en control de cada etapa, de cada paso, desde la creación de la imagen hasta su edición e impresión.
Fotografía cortesía de Joaquín Murillo.
LFQ: ¿Qué carácter fotográfico te movía antes del universo digital?
JM: Antes de la "era digital" me dedicaba principalmente a la fotografía en blanco y negro. Tomaba mis fotos, las revelaba, las ampliaba, realizaba mis exposiciones, y en general, era bastante activo y productivo. Esa etapa de mi vida como fotógrafo la disfruté y extraño, pero se requerían muchas horas para ver los resultados, aspecto que hoy se ha reducido enormemente gracias a la tecnología digital.
LFQ: ¿Dónde encuentras tus activadores?
JM: Mis fuentes de inspiración son muchas, pienso. Me cuesta decir que tengo ciertas preferencias porque en realidad me siento estimulado, siempre, por detalles, paisajes, animales, texturas, etc.
Fotografía cortesía de Joaquín Murillo.
LFQ: ¿Cuál es tu principal foco de interés: el retrato, el paisaje, los objetos, la arquitectura?
JM: Soy fiel creyente de que hay belleza en el objeto más banal y simple. Sin embargo, si me obligo a buscar lo que más disfruto es posiblemente la creación de lo que yo llamo "abstracciones cromáticas", que son fotografías en todo el sentido de la palabra, que han sido tomadas con la mayor rigurosidad, pero que posteriormente someto a una traducción del modo de color RGB original (en el que son grabadas por el sensor de la cámara) al modo "Lab" donde las someto a un proceso absolutamente subjetivo y hasta impredecible de "pintado digital". Siento que este trabajo -que considero un híbrido entre pintura y fotografía- me permite expresarme con total libertad en términos de color, que es, por cierto, una de mis pasiones.
Fotografía cortesía de Joaquín Murillo.
LFQ: ¿Cómo nace la idea de esa escuela de fotografía?
JM: La idea inicial de impartir talleres me surgió mientras estaba en París, en Octubre del 2010. Recibí un correo de un "amigo" de Facebook que me solicitaba que le diera clases de fotografía porque le gustaba mucho mi trabajo y sentía que yo podía enseñarle "mucho" y ayudarle en su crecimiento como fotógrafo. Ese e-mail me hizo pensar con detenimiento al respecto, y después de regresar a CR decidí que iba a iniciar con un producto diferenciado a nivel de mercado, y que iba a llamarlos "talleres" en ver de cursos. Además, decidí diseñar una simple estrategia de mercado con el objetivo de implementar el proyecto de la mejor manera posible desde el principio, y, haciendo uso de mis limitados conocimientos de "marketing" para reducir el riesgo de fracasar. Es así como lanzo a principios del 2011 un primer taller llamado “Fotografía de Niños”, al cual posteriormente y en un corto plazo se le unieron otros que fui "diseñando” en las siguientes semanas. En este momento ofrezco ya casi diez diferentes talleres, todos especializados en temas muy puntuales.
Fotografía cortesía de Joaquín Murillo.
LFQ: Háblame de cómo surge esa idea del espacio “escuela-hotel”. ¿Qué estrategias te mueven?
JM: La alianza con el STUDIO HOTEL de Santa Ana surge como resultado de una negociación con un cliente de Joaquín Murillo como diseñador: ALDO NERO (tanto el hotel como las tiendas son del mismo dueño). Sin embargo, no diría yo que sea un binomio indivisible pues en un futuro puede ser que la dinámica del negocio me lleve por otros rumbos. Por ahora, el hotel está funcionando excelentemente ya que está muy bien ubicado en la zona geográfica de San José en la que vive la mayoría de mis clientes, y su infraestructura es perfecta para mis objetivos.
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Fotografía cortesía de Joaquín Murillo.
LFQ: ¿Cuál es el perfil de intereses de los estudiantes que recibes?
JM: En general son personas de edad mediana que no quieren ir a recibir cursos con adolescentes universitarios, porque no están interesados en vivir de la fotografía, ni estudiarla como carrera, sino más bien, tenerla como un pasatiempo o hobby que quieren dominar mejor, quizás para poder tomar mejores fotos durante sus viajes, de su familia, o para sentirse productivos con una actividad altamente creativa y adictiva.
Fotografía cortesía de Joaquín Murillo.
LFQ: ¿Con qué equipo fotográfico trabajas?
JM: Tanto yo como mis estudiantes trabajamos con cámaras tipo DSLR, ya que todos mis talleres han sido diseñados para personas que poseen ese tipo de equipo, y han sido estructurados para que los estudiantes aprovechen el potencial de sus cámaras en modo "manual". Los modos automáticos son "prohibidos" en mis talleres.
LFQ: ¿Qué representa para vos el buen manejo del color y la luz?
JM: La luz es por mucho el ingrediente más importante en el trabajo del fotógrafo, y eso se los hago ver desde el principio a mis estudiantes. No en vano fotografiar significa "dibujar con luz". El buen manejo de ésta (la luz) es fundamental, ya sea que trabajemos en blanco y negro o a color.
El color, por su parte, aporta una indiscutible carga emocional en la fotografía pero parte de lo aprendemos en mis talleres es que no siempre debe estar presente. Antes que el color está la riqueza del claro oscuro, de las sombras, de la escala tonal. Cuando ambos -sombras correctas y color- convergen en una misma imagen de forma simbiótica habremos creado una imagen que hace historia, que impacta y que será recordada y admirada por muchos. La lucha, tanto para mis estudiantes como para mí en lo personal, consiste en seguir desarrollando esas sensibilidades que nos permitan llegar de forma fluida y no forzada a ese "norte".
Fotografía cortesía de Joaquín Murillo.
LFQ: ¿Te interesa el proceso o el fruto de la fotografía?
JM: Creo que me importa más el resultado final. Sigo pensando que la fotografía es una experiencia visual que no debe ser explicada. Cada imagen debe por sí sola ser capaz de impactar al observador, ya sea por su belleza, por su crudeza, originalidad, entre otros criterios. Tengo grandes discrepancias con la "fotografía contemporánea" que requiere toda una justificación filosófica para sustentar su existencia.
En resumen, mi criterio es que una buena fotografía debe ser el resultado de un muy buen dominio de la técnica, a la par de una capacidad visual superlativa para ver el mundo de un modo distinto a como la mayoría de las personas la ve. Ese binomio de factores, si se da, es casi siempre infalible.
A manera de conclusión de esta nueva entrevista con Joaquín Murillo, constata que observar de cerca el trabajo de este inquieto diseñador y fotógrafo, ejemplifica la necesidad actual de tener presencia: en el mercado, en la cultura, en el pensamiento creativo; él se reinventa constantemente y ese carácter lo mueve a conocer muchos aspectos de la producción creativa y asimilación tecnológica que transforma nuestra vida actual.
Entrevista con Joaquín Murillo
¿Cómo es el campo de trabajo del diseñador industrial?, ¿en qué se está innovando?, y, ¿en qué otros espacios se puede innovar?, ¿qué implica hacer diseño hoy? Estas y otras interrogantes surgen al conversar con Joaquín Murillo, graduado por la Escuela de Diseño Industrial del Instituto Tecnológico de Costa Rica, él proyecta su intervención profesional en distintos planos creativos: productos, objetos, stands, fotografía, entre otros.
“Dilucidar una perspectiva actual de la profesión, es ya un desafío”, expresa Murillo, cuya visión a futuro y a pesar de la crisis es prometedora. Se trata de un terreno donde se ha hecho poco por lo que se mantiene fértil para cultivar un proyecto importante en términos de creatividad y diseño. Costa Rica y la región centroamericana continúan enfrentando retos económicos y de su desarrollo; en la década pasada el desafío era la entrada del TLC de Estados Unidos con Centro América, hoy el reto es cómo se escabulle la crisis que afecta a los países centrales.
Proyecto de diseño de stand para una compañía residencial, estuvo presente en la BID Madrid 2010. Fotografía cortesía Joaquín Murillo.
¿Cuál es el reto? ¿A qué se debe apostar?
Creo que se está marcando un antes y un después en aquella metodología, ya obsoleta, de copiar y plagiar a partir de catálogos y revistas, dinámica enraizada en sectores poco visionarios y que por ahí, van a tener que sufrir un cambio importante si desean ingresar al espacio de competitividad que exigen los mercados donde sólo lo original y genuino tendrán cabida. Debemos apostar a la innovación y a la calidad de nuestros productos.
¿Y las escuelas de diseño?
Observando en esa perspectiva a las escuelas de diseño del país, creo que se hace un trabajo consistente; la visión que tengo es un panorama optimista en términos generales y, como dije, nos plantea a todos –diseñadores y escuelas-, un reto importante.
¿Cómo caracterizas tu trabajo en ese contexto?
Lo que hago es muy particular, trabajo en un nicho, si se quiere, especial, que no se puede tipificar como diseño de productos, o creaciones para fábricas que finalmente van a ser consumidos al detalle; lo mío es un híbrido que trata con mercadeo, displays, stands, y mis clientes son corporaciones o empresas que al final venden sus productos a través o con el apoyo de mi trabajo.
Stand para compañía residencial. Fotografía cortesía Joaquín Murillo.
¿Qué significa hacer diseño en Costa Rica, hoy?
Implica innovar, pero también transgredir, cuestionarse, despojarse de los atuendos del convencionalismo, de visiones ortodoxas que son un poco castrantes; es decir, llevar a la práctica un cuestionamiento de por qué las cosas siempre se han hecho de esta manera y no de otra. Esto es mi cotidianidad, la veo como una unidad simbiótica entre el diseño y la tecnología u otras variables como el color, la estética, el lenguaje.
¿Qué implica entonces hacer diseño?
En mi trabajo implica tratar dicha unidad de diversas disciplinas: conocer del mercado, del consumidor, de las tendencias, de la tecnología.
¿Cuáles problemas se presentan con más frecuencia en esa práctica?
Existe un error gravísimo y en el que caen muchos diseñadores: confundir su profesión con arte. Se ha dicho, a nivel académico que el artista no tiene por qué regirse del mercadeo, pero el diseñador sí. El diseñador forma parte de ese complejo engranaje de la industria y tiene como fin producir objetos para el consumo.
Diseño interior de una tienda. Fotografía cortesía de Joaquín Murillo.
Te pregunto esto por que eres un fotógrafo que mantiene su constancia en salas expositivas y en importantes eventos de arte contemporáneo: ¿Qué se comparte con el arte?
Pues, el gusto, la estética, y variables meramente teóricas; pero como meta final hay una gran diferencia, lo nuestro está influenciado de una manera muy clara y no por ello negativa; hablamos del consumismo, que va dirigido a personas que esperamos sean consumidores potenciales de nuestros frutos.
Entonces, el diseño de productos tiene una gran trascendencia en lo económico, si nuestro producto no vende, habrá muchas personas que se verán afectadas de forma muy directa. En el caso del arte no sucede así.
Diseño interior de una tienda. Fotografía cortesía de Joaquín Murillo.
Respecto al terreno educativo, ya que has tenido tu experiencia como docente
¿Qué apreciación deduces?
La escuela nos enseña aspectos de física, de factibilidad económica, variables tecnológicas, ergonómicas; aspectos que difícilmente se podrán aprender de forma empírica, incluso recibimos contenidos tan subjetivos como la estética, la proporción, la forma, que son cosas importantes que se aprenden en la academia y que si uno carece de eso, va a llevar deficiencias que se manifiestan en proyectos como los que uno ve por ahí, con grandes desaciertos e integralmente poco desarrollados. De hecho, esta es una de las diferencias entre otras cosas entre el diseñador y el artesano; nosotros debemos manejarnos con variables muy objetivas y por lo tanto evaluables.
Fotografía cortesía de Joaquín Murillo.
¿Estás conforme con lo que te ofreció la escuela?
La academia nos ofrece una formación importante, pero desde luego no nos da todas las herramientas, pero si nos deja una semilla por aprender integralmente, una actitud investigativa que nos lleva a tomar en cuenta variables de naturaleza muy diversas; aunque uno no sea experto en ningún campo en particular, si tiene la conciencia de que habrá otras personas que pueden brindarnos apoyo.
¿Cómo valoras esa parte informal que ofrece el contexto?
Estoy convencido que la experiencia en la calle es la que aporta ese cincuenta o setenta y cinco por ciento de conocimientos, para al final tener un diseñador ideal, quien es el que conoce, el que intuye, el que está al contacto con las tendencias con la gente, con los gustos y productos que se mueven en el mercado. Creo que calle + escuela, es una fórmula ideal, no sólo en esta disciplina sino en todas.
Respecto a la investigación, tu, que eres un diseñador de mucha visibilidad en el país, ¿te queda tiempo para investigar?
La investigación para mí es trascendental y a mi escala, con todo y todo, yo la hago en mis proyectos. Para mi es fundamental investigar por ejemplo en materiales; porque el trabajo que hago es aportar formas atractivas, con valor estético a materiales que en primer instancia pudieran ser un poco estériles.
Pero, ¿a qué te lleva?
El hecho de conocer sobre materiales, y diferentes opciones de tecnologías, me abre a un terreno fértil donde luego puedo innovar, gracias al proceso de transformación de la materia prima en objeto; ahí es que se logra el objetivo final que es crear lo que persuade, estimula y seduce. La investigación la coloco en una posición primordial sin duda alguna, de lo contrario el no investigar nos aísla de todo conforme va surgiendo nuevo conocimiento que surge espontáneamente a diario.
¿Cómo, un diseñador independiente, se costea la investigación?
Pues de alguna manera uno prorratea ese tiempo, al usar Internet para buscar herramientas, cuestionamientos, posiciones, teorías. Para ser competitivo, yo uso mucho estas herramientas que están a disposición; yo me conecto uno o dos horas al día, además visitando ferias de productos y materiales y tecnologías en el extranjero.
¿Representa inversión para ti?
Por supuesto, uno tiene que invertir, no es solo recibir, para ser competitivo ante esa coyuntura qué hablábamos, uno tiene que poner algo. Esos costos terminan siendo pagados por nuestros clientes o por un determinado proyecto. Uno no puede ser tan inmediatista, ni mezquino, pensando sólo en determinados gastos que tiene una rápida recuperación. La investigación es recuperada a otro plazo, pero es importante.
Diseño de módulos expositivos componibles para diversas situaciones y necesidades de presentación de productos. Renders cortesía de Joaquín Murillo.
Conclusión
Con esta serie de conversatorios y/o entrevistas a diseñadores interesa indagar ¿qué les estimula a producir e investigar?, ¿qué les estimula a realizarse? A Joaquín Murillo le mueve superar sus propios conceptos, ideas, diseños, día a día; lo percibe como un reto con él mismo, de manera que pueda demostrarse que lo hecho ayer, lo supera hoy, y que lo de mañana supere lógicamente lo de hoy.
Para Murillo todo gravita en torno a un dinamismo, que está claro que tiene que ver con lo económico; se trata de un estímulo latente y necesario, consciente e inconsciente, pero por encima de todo, quizás en un plano más abstracto, o cualitativo, significa el hecho de poder superarse en esa lucha cotidiana consigo mismo.
