Blog de Luis Fernando Quirós
José Alberto Hernández: Diseño de Carteles
El gráfico, fotógrafo y artista nacional José Alberto Hernández, posee un activo perfil en el diseño en Costa Rica, no solo por sus notables aportes al proyecto editorial en libros, revistas, catálogos, además de sus marcas, brochures y otros recursos de información en el ámbito cultural e institucional en particular, sino también por sus carteles, las técnicas y los conceptos que los distingue y con lo cual él motiva a que nuestra mirada valore y a la vez deleite. Ya son varios los post en este blog en los cuales he presentado sus proyectos con distintas variables: como se dijo la cultural, pero también la ambiental, la educativa, la conmemorativa o celebrativa; en todas carga el buen sentido del diseño contemporáneo, donde las imágenes provocan y desafían la comprensión con un lenguaje que toca el lado de las emociones.
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José Alberto Hernández, selección de carteles recientes. Fotografía cortesía del Diseñador
Muestra BID Madrid en Museo Casa Brasil
Una selección de sus trabajos participantes en la Bienal Iberoamericana de Diseño de Madrid en las ediciones del 2008, 2010 y 2012 fueron exhibidos recientemente en el Museo Casa Brasil de la ciudad de Sao Paulo, junto a los de María José Núñez, Paulina Ortiz y el Estudio La Cabeza, quienes exhiben representando al país en esta importante cita del diseño internacional.
BID Madrid en Museo Casa Brasil, Sao Paulo. Fotografía cortesía de los organizadores.
Es importante mencionar que esta es la primera vez que el evento de la BID Madrid se proyecta a nuestro continente, acrecienta las expectativas de multiplicidad, creatividad y calidad, en un espacio de enorme visibilidad como es este museo brasileño, acompañado por la publicación de un catálogo de 158 páginas, muy bien editado.
Museo Regional Sede de Occidente UCR. Muestra de carteles de José Alberto Hernández de la colección del MADC. Fotografía Daniel Soto Morúa.
Carteles en el Museo Regional de San Ramón
La ciudad de San Ramón, provincia de Alajuela, es cuna de un museo histórico cultural de la Sede de Occidente, Universidad de Costa Rica, que en los últimos años abre una notable ventana para que los ramonenses estén al tanto de los acontecimientos artísticos que por lo general se dan en la capital, y para que los creadores nacionales encuentren otro sitio expositivo donde proyectarse a una comunidad de alta cultura como es “la ciudad de los poetas”. Actualmente -durante abril y mayo de 2013-, exhibe la colección de carteles creados Hernández, los cuales componen la colección del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, que en su afán de circular sus fondos y mostrarlos en distintos sitios de interés e infraestructura del sector, promueven esta presentación en la cual están presentes los matices culturales que distinguen al costarricense, captados por la sensibilidad y rigor de José Alberto Hernández.
María José Nuñez, en BID Madrid, Brasil 2013
La diseñadora de productos -salvadoreña costarricense- María José Núñez expuso en abril del presente año en una muestra que recopila participaciones de las tres Bienales Iberoamericanas de Diseño de Madrid (BID Madrid), presentada en el Museo Casa Brasileña de la ciudad de Sao Paulo. Fue seleccionada por una estructura de superficie multifuncional, tejida en cuero, formada por módulos triangulares, apta para alfombras, lámparas, almohadones, o mobiliario en general. Ella desarrolla productos para su marca DILUP, con materiales como el cuero, la cerámica, la tela, el cartón o reutilizándolos para acrecentar una visión sostenible del diseño y la producción con el recurso natural y cultural.
Estructura de superficie plana en cuero, diseñada por María José Núñez participante en la BID Madrid 2012 y en Museo Casa Brasil de Sao Paulo 2013. Fotografía cortesía de la diseñadora.
LFQ: Hoy en día el factor innovación es fundamental al abordar cualquier perspectiva sobre el desarrollo de nuevos materiales y productos, ¿qué valor tiene dicho factor dentro de tus propuestas?
María José Núñez: El rescate de la técnica de cortado, en la cual me sirvo del troquel tradicional en cuero, utilizado en la talabartería, para generar tridimensión, o superficies planas a partir de un módulo.
Detalle del material y tejido. Fotografía cortesía de la diseñadora.
LFQ: ¿Qué reto te planteó esta participación en la muestra de BID Madrid en Museo Casa Brasileña?
María José Núñez: Reconocer el estado del diseño en América Latina, y ver las diferencias y/o similitudes con respecto a los demás países. Me ofreció la posibilidad de cerciorarme de que no somos tan diferentes.
LFQ: Respecto a esa confrontación y análisis, ¿qué las distingue o qué hay en común?
María José Núñez: Lo principal es la búsqueda de identidad de cada país mediado por el diseño, sin trasgredir las barreras naturales, retomar elementos y materiales de la cultura, considerar su honestidad y respetar su origen y procedencia.
Diversos usos de la propuesta. Fotografía cortesía de la diseñadora.
LFQ: En todo acercamiento a diseñadoras(es) me interesa indagar sobre el proceso, ¿qué media?, ¿cuáles son los insumos?. ¿Cómo llegaste a la idea?
María José Núñez: Por supuesto prevalecen los sentimientos propios ante el material, éste le habla a uno, pero también se plantea el proyecto que en tanto investigación aborda espacios donde conocer mejor las propiedades de dichos materiales, sus modos de uso, consideración de factores económicos, ergonómicos, tecnológicos y los caracteres de esos frutos.
LFQ: Tu participación en la Bienal BID Madrid 2012 y este nuevo evento iberoamericano, ¿en qué te favorece como diseñadora?
María José Núñez: Expansión al tener posibilidad de contactar con diseñadores, exposición del proyecto y la alternativa de acrecentar la imagen personal, y como te dije, certeza, de que aunque somos países pequeños tenemos qué ofrecer, no somos un continente genérico.
Muestra de la BID Madrid 08, 10 y 12 en Museo Casa Brasil, Sao Paulo, Brasil. Fotografía cortesía de los organizadores.
LFQ: Todo evento como ese es una ventana para conocer lo que se diseña y produce, en este caso, en nuestra región más cercana. ¿Qué distingue al diseño del istmo centroamericano?
María José Núñez: Tratamos de ver más hacia lo interno, no tenemos esas grandes empresa multimillonarias, tratamos de hacer con lo mínimo lo más, pues existe muy buena mano de obra, maximización de recursos; la creatividad es otro factor fundamental, la idea es el detonante, la técnica es un medio para formalizarla. Es como la computadora, que no hace nada si uno no la maneja. El producto es funcional, eficiente, y eso lo distingue de lo demás.
Muestra de la BID Madrid 08, 10 y 12 en Museo Casa Brasil, Sao Paulo, Brasil. Fotografía cortesía de los organizadores.
María José Núñez es graduada en Diseño de Productos en VÉRITAS con el proyecto Cultivos Urbanos y en Diseño Aplicado en la Universidad Matías Delgado de El Salvador; además, realizó una estadía en Appalachian State University, Estados Unidos, en diseño de mobiliario, el producto como objeto y el diseño para la manufactura. Actualmente es docente en la Escuela de Diseño de Productos, VÉRITAS. En su espacio profesional fundó la marca DILUP que participa activamente en salones y escenarios de visibilización para el diseño organizados por el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), la Universidad VÉRITAS, Punto D Asociación de Diseño Costarricense, entre otros. Se deduce de este acercamiento que en ella encontramos a una persona que va tras los desafíos, caminante observadora quien encuentra y documenta los que está en el enorme ámbito de la mirada.
Espacios de Porosidad: Arte Lumínico 3
Me decía el artista Luis Chacón -quien junto a Sebastián Mello (director de la Galería Nacional) fue el curador de la muestra Arte Lumínico 3, expuesta durante abril 2013 en ese espacio del Museo de los Niños, San José, Costa Rica-, que la fotografía de una de las salas parecía una de las tiendas ALTEA, distribuidores en Costa Rica de diseño contemporáneo. Para mi el diseño es el arte de este siglo, un arte para el cotidiano, que el producto en cuanto a técnica, tecnología y funcionalidad activen la vida del usuario, que le sean útiles, pero también lo sumen en una profunda contemplación de la producción cultural de nuestros tiempos. Una silla salida de la fábrica, ensamblada, equilibrada, que cumpla con los estándares de producción internacionales –aunque esta afirmación atice la polémica-, es una obra de arte.
Vista parcial de la muestra con la pieza “Modelos de geometría intuitiva” de Luis Fernando Quirós, tejido en origami de papel pergamino y dibujos; al lado la pieza de Herbert Bolaños “Descanso y luz”. Fotografía cortesía de Rodrigo Rubí.
Al visitar las salas de exposición quizás no me interesé comentar todo lo exhibido, en tanto siempre hay piezas que no me motivan nada, pero quiero decir que de las tres ediciones (la primera realizada en la Galería García Monge y la segunda en la misma Galería Nacional, esta tercera alcanza mayor cohesión y algunas me anclan por su producción técnica, utilización innovadora de mecanismos lumínicos, materiales y cómo fueron usados, así como el impacto perceptivo al cual se expone el espectador.
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Rodrigo Rubí, “Fulguris Vallem”, 2013. Fotografía cortesía del artista.
Me encantó la pieza de Rodrigo Rubí “Fulguris Vallem”, caja lumínica con un ensamble de fotografías aéreas de la ciudad bajo una tormenta nocturna, lograda con diodos luminiscentes; anima el parpadeo lejano de la urbe que son todas, la que jamás duerme y advierte el bullir de fuertes vivencias humanas, incluso, ante el asecho de la misma naturaleza.
Herberth Bolaños, “Descanso y luz”, 2013. Fotografía cortesía de Rodrigo Rubí.
“Descanso y luz”, es un sillón luminoso de Herberth Bolaños, acuña el sentido de “sentarse sobre la luz”, sin embargo, solo es una metáfora en tanto alguno de los visitantes a la exhibición no cedió al deseo de hacerlo y reventó la delicada piel de papel de arroz japonés que acuerpa la forma del asiento con su estructura de alambre.
Luis Chacón, “Cascada”, 2013. Fotografía cortesía de Rodrigo Rubí.
De Luis Chacón me queda la transparencia y luminosidad del papel hecho a mano con inserción de reminiscencias de la naturaleza sobre la superficie de una larga tela de apariencia metálica, entre la cual vertió las surgentes de luz para que fluya la idea de aquella cascada azul que impacta el silencio y oscuridad de la sala.
Iris Terán, “Planeta en lágimas”, instalación 2013. Fotografía cortesía de Rodrigo Rubí.
En la pieza “El planeta en lágrimas”, de Iris Terán, nos sume en la idea del contenedor del llanto, iluminado con luz negra; es una instalación muy sutil aumentada por la sensación del espacio, de la meditación interior por un entorno violentado y en peligro como es el de la Tierra.
Carolina Matamoros, “Y ahora!!! Qué me pongo???”, 2013. Fotografía cortesía de Rodrigo Rubí.
Carolina Matamoros presentó “Y ahora!!! Qué me pongo???” Se trata de una construcción de tejidos en materiales blancos, transparentes, de fuerte textura táctil e impacto visual; estimula al espectador a acercarse y disfrutar la visión de lo que se tiene, como la memoria, pero que de repente desvanece.
Loida Pretiz, “Sin nombre. Con luz”, 2013. Fotografía cortesía de Rodrigo Rubí.
Loida Pretiz elabora un ensamble con su acostumbrado uso de maderas, en este caso pintadas para ejercer tensión interpretativa con el particular uso de las fuentes de luz, también en color; uno se detiene ante la interrogante de qué habrá más, qué otro argumento propone anudar la artista, sin embargo ese es el arte: un acertijo que nos motiva a andar y recorrer las salas expositivas volviendo cada vez que se pueda, a retornar la mirada hacia “Sin Nombre. Con Luz”.
Arte Lumínico 3, vista parcial. Fotografía cortesía de Rodrigo Rubí.
Los recursos visuales y creativos, como se dijo, son abundantes: proyecciones, instalativos, escultóricos, ensambles, cada uno acuerpa un sentido que quizás no detone en ese momento de la visita en nuestra conciencia crítica, ni registremos todos esos motivos que atañen a la memoria, pero que encadenan lo que para los artistas significa la luz, en la alternativa de crear no solo con su aspecto físico, sino con su inmaterialidad.
