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Paradojas objetuales de Oscar de la Cruz

08.02.2014 | 08:55

Conocí el trabajo de Oscar de la Cruz a través de las fotografías de sus giras por diversos puntos geográficos del país: parques nacionales, reservas de la biosfera ejemplares de la biodiversidad que caracteriza al país, además por sus aportes a la revista Museo del Árbol on line, todas de sugerente encuadre y rigor técnico; conocí además su producción de “paradojas” en la muestra Objetos de Arte, de la Galería Nacional, San José, Costa Rica, en la cual aprecio su ingenio. En un anterior comentario que publiqué acerca de esa exhibición, Objetos evocadores me abstuve en ese momento de referirme a sus propuestas seguro de ofrecerle otro espacio y tiempo para sumirme en su punzante encanto.

Oscar de la Cruz. SACRA CLAVE, 2012. Ensamble: llave y fragmento de cerradura. Fotografía cortesía del artista.

Los objetos, componentes activos de la cultura material de nuestro tiempo, son importantes activadores del pensamiento de los artistas, quienes los elevan a un plano simbólico, reinventados o cargados de nuevos significados en un lenguaje enriquecido por la imaginación, razón por la cual pasan a ubicarse en ese universo metafórico tan propio del arte actual. Quizás el ojo del fotógrafo motiva a Oscar de la Cruz a ser explorador de esas filosas aristas de la paradoja. En la referida exposición se exhibieron cuatro de sus propuestas: Sacra Clave -2012-, Nueva Infancia -2013-, Gasterópodo -2013- y Atrapa Novias -2012-, que se distinguían por el agudo tratamiento del contenido, lo cual nos empuja a reflexionar desde la conciencia crítica aunque a su vez se muestran juguetones y traviesos, sostenidos por su rigurosa producción técnica.


Oscar de la Cruz. NUEVA INFANCIA, 2013. Ensamble: biberón y componentes electrónicos. Fotografía cortesía del artista.  

Oscar de la Cruz. GASTERÓPODO, 2013. Ensamble en metal. Fotografía digital monocromática. Fotografía cortesía del artista.  

Oscar de la Cruz. ATRAPA NOVIAS, 2012. Ensamble para fotografía. Dimensiones variables. Fotografía cortesía del artista.  

Desde mi lectura de asiduo observador de ese carácter de manifestación creativa, Sacra Clave precisa lo que me gusta del arte objetual, un ensamble muy bien acoplado entre la llave y la contraforma de la cerradura, sumado al sugestivo título de un objeto que es llave y cerradura en sí misma, activa en el espectador la posibilidad de anclar en diversos discursos actuales como el “cónclave” vaticano donde más allá de la puerta cerrada suceden tantos sacros misterios.
“Nueva infancia” es otra pieza que potencia en tanto es un eficaz activador emocional, cuando trae a la sala la reflexión actual sobre el tiempo vivencial de la niñez actual tan mediada por la tecnología: un biberón cuyo alimento es una compleja colecta de mecanismos de la electrónica –y, en vez del “chupón”-, acopla un conector. Se trata de un sujeto provocador que engulle la conciencia en el debate sobre las problemáticas de estos objetos como modificadores de las conductas, sobre todo de la niñez y la juventud, pero que cambian la cultura y nos vuelve cada vez más silenciosos o ensimismados conectados por todos lados por aparatos tecnológicos.
El “Gasterópodo” se acerca más a la construcción de la escultura, o sea es más para contemplar la estética y logro constructivo, en tanto parte de una faja de lámina metálica que da forma al cuerpo del bicho, y con un simple alambre configura las antenas.
“Atrapa Novias” es un ensamble de una “ratonera” con un anillo de compromiso que vuelve a jugar con los simbolismos del objeto seductor y el seducido, con una carga de visiones en torno a los significados sociales ante las amenazas que se ciernen sobre el concepto de la familia y la sociedad actual donde pesan tanto esos objetos símbolos de estatura social mediada por el mercantilismo y la publicidad.

 

Oscar de la Cruz. Fotografías de varias de piezas incluídas en el albun "Imaginación" de su página de Facebook.

En la página de Facebook de Oscar de la Cruz encontré el título “Imaginación”, se trata de un conjunto de situaciones donde el objeto trastoca la función liminar para la cual fue fabricado por la industria –de muy diversos períodos de la historia, digo, hay hasta una antiquísima plancha de hierro con tachuelas pegadas, con toda esa rica lectura que de ahí se desprende-, todo para abordar ese imaginario simbólico detonante de nuevas emociones, lo cual nos recuerda que en la imaginación humana el número de vidas es relativo, puede haber una segunda y hasta tercer vida según el ingenio de quien lo observe y su capacidad de transformar, misión del ser creativo, tal y como lo pensó Goethe cuando dijo: Transformación, eterna ocupación del eterno entendimiento.



  

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Luis Fernando Quirós

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Joaquín Murillo: Miradas de Viajero

29.05.2013 | 10:27

Con este acercamiento a Joaquín Murillo -diseñador industrial y fotógrafo costarricense-, a quien ya entrevisté en otras oportunidades, me percato que en los últimos meses incrementa la intensidad de su trabajo como fotógrafo, realiza varios viajes a Oriente, Europa y Norte de África, y abre una interesante modalidad de talleres en esa disciplina. En estos post me interesa, en particular, conocer cómo enfrentan los diseñadores la crisis global, cómo se ganan la vida en la actualidad, y siguiendo sus pasos me cercioro que es indispensable además de la formación y la experiencia, un espíritu luchador constante, quien no busca si que no encuentra oportunidades donde otros no las ven.

Joaquín Murillo, Egipto.
 Cortesía del fotógrafo. 

LFQ: ¿Dónde detiene la mirada Joaquín Murillo? ¿Cuáles estímulos marcan lo encontrado en sus viajes por el mundo?
JM:
Me considero, primero que todo, un fotógrafo de luz natural. Creo que ésta define el noventa y nueve por ciento de mi trabajo en este campo. Como fotógrafo, me siento atraído por casi cualquier detalle cuando estoy en un país y cultura diferente a la mía. Sin embargo, reconozco que, por encima de todo, es el ser humano en su entorno, con sus costumbres, sus tradiciones, religión, gastronomía, entre otros motivantes, lo que siempre busco captar de una manera cándida, intentando reflejar y glorificar en cada imagen ese ser humano, misterioso, anónimo, con sueños e ilusiones, con pasado y con futuro, pero que con quien en la mayoría de ocasiones nunca llego a intercambiar nada más que una sonrisa.

 Joaquín Murillo, Egipto.
 Cortesía del fotógrafo. 
 

LFQ: ¿Qué encuentras? ¿Qué buscas?
JM
: Busco lo diverso, lo que me permita replantearme lo que asumo por “verdad” y me obligue (o permita?) a crecer como ser humano. Si bien busco en mis imágenes historias sencillas, cortas, fáciles de comprender. Siempre intento contar una historia corta, con pocos personajes. Siempre he creído que esas son las imágenes que son recordadas; no aquéllas sobrecargadas de información y “novelescas”.

Joaquín Murillo, Casablanca, Marruecos. Cortesía del fotógrafo. 

LFQ: ¿Cuáles son sus principales activadores?
JM:
Desde el punto de vista emocional el color y la composición supongo que estarán siempre presentes en cada una de mis fotografías, y serán (o intentan ser) el medio para confrontar al espectador con una escena que lo sorprenda, ya sea por su mensaje como por su carácter gráfico. En cada foto trato de permitirle a la luz imponer sus reglas; es decir, me acomodo siempre a ella, a sus caprichos, y trato de entenderla, de respetarla.

Joaquín Murillo, Rabat, Marruecos.
 Cortesía del fotógrafo.
 

LFQ: ¿Cómo te propones asumir tus retos o la naturaleza activa de esos motivadores?
JM:
Esa comunión casi simbiótica entre fotógrafo, ojo, cámara y escena es mi reto personal. No hay foto en la que no intente lograr ese objetivo. Y cuando se logra, la imagen resulta impactante. Sigo mi propia filosofía de entender siempre la luz. Nunca de imponerme. Esa guerra siempre la termina perdiendo el fotógrafo.

LFQ: ¿Cuál es o qué lleva en la “caja de herramientas” de fotógrafo?
JM:
No soy un fotógrafo sofisticado en cuanto al equipo. Sigo creyendo después de treinta años de experiencia en este campo que el “hábito no hace al monje”. Sin embargo, no escatimo en llevar siempre conmigo un trípode, lentes que me permitan trabajar en diferentes condiciones de luz; y, desde luego, mis dos cámaras (o cuerpos de cámara) que nunca me abandonan.

Joaquín Murillo, Francia. Cortesía del fotógrafo.
 

LFQ: ¿A qué equipo acude, lentes, tecnología?
JM:
Trabajo con cámaras de sensores APS (no son “full frame”) de 18MP ambas, ya que para mí es muy importante la capacidad de impresión en gran formato, y éstas me permiten imprimir cada foto en un tamaño aproximado de 190cm x 135cm, sin necesidad de “estirarlas”. No escatimo en lentes pues considero que es la óptica la responsable en gran medida de la calidad final de una fotografía. Por ello cuento con lentes “rápidos”, tales como: 24mm F/1.4; 50mm F/1.4 y 85mm F/1.4. Estos me permiten crear fotos de altísima nitidez, pero sobre todo, me permiten trabajar en el “mundo de las sombras”, que es como suelo llamar a esa condición en la que los objetos están escondidos casi en la penumbra.

Joaquín Murillo, Estambul, Turquía.
 Cortesía del fotógrafo. 

LFQ: Al seguir tu desarrollo profesional y personal, se observa que emigras del diseño de productos y gráfico, hacia la fotografía. ¿Te cautivó lo digital?
JM:
Me considero por principio y por convicción un fotógrafo clásico que goza de los beneficios del mundo digital, lo que significa que mis imagines son en su mayoría resueltas frente a la escena. No soy “photoshopero” pues creo que eso esa otra cosa y no es lo que me apasiona. Sostengo que las herramientas del fotógrafo aún son y deben seguir siendo, entre otras, las velocidades de obturación, la “profundidad de campo”, aperturas de diafragma, el flash, ISOs, “temperaturas de color”, distancias focales, etc; pero sobre todo, la luz.

Joaquín Murillo, Grecia. Cortesía del fotógrafo.
 

LFQ: ¿Cómo distingue la creatividad que carga a sus fotos?
JM:
Otro de mis retos personales antes cualquier escena es plasmarla de una manera diferente a como lo haría el resto de la gente. Esa es una de mis reglas o premisas creativas, y trato de seguirla y tenerla siempre presente. Para ello he invertido muchísimas horas estudiando la óptica de los lentes ya que éstos son mis mejores aliados para lograr este fin. Mi formación (de nuevo lo menciono) en diseño creo que también me sirvió para desarrollar un ojo sensible que “ve” a veces lo que otras personas pasan desapercibido. Eso lo he notado con el tiempo. Supongo que es una de mis “bendiciones” personales y vivo muy agradecido con la vida por ello.

 Joaquín Murillo, Tokio, Japón.
 Cortesía del fotógrafo.
 

LFQ: Quizás para concluir con este nuevo acercamiento a Joaquín Murillo, quisiera confrontarlo con el ser que dejó atrás, el del tiempo de formación allá en el Instituto Tecnológico de Costa Rica, o el de profesional en diseño produciendo, fabricando, gestando empresa. ¿Marca esta nueva etapa en tu actividad profesional una ruptura con el diseño industrial, o es situacional en tanto te instiga ese “mirada del viajero” quien rastrea todo lo que se mueve en el campo y al alcance del ojo?










JM
: Esa es una pregunta de altísima trascendencia actualmente en mi vida, ya que yo disfruto mucho el trabajo de diseño que es, a fin de cuentas, lo que estudié a nivel universitario. Sin embargo, la fotografía siempre ha estado en mi vida, incluso desde antes que el diseño, y hoy la verdad es que he logrado hacer de ésta -la fotografía- mi modo de vida. Es ahora mi pasión y profesión. El problema es que el tiempo es finito, y si tengo que escoger, dejaría el diseño, que es lo que parece que está sucediendo inevitablemente.

Joaquín Murillo, Seúl, Corea del Sury Shanghai, China. Cortesía del fotógrafo.
 

Es importante mencionar que lo que he estado haciendo por años en el campo del diseño ha sido, básicamente, diseño de espacios de venta y stands feriales. Es un campo apasionante pues me da libertad creativa en otra de mis pasiones. Sin embargo, demanda mucho más tiempo. Hay que lidiar con mucha gente durante el proceso de producción y, además, desmotiva los bajos estándares de calidad en acabados que se manejan en este país. Finalmente, los márgenes de utilidad no son ya estimulantes si se hace un balance de costo/beneficio. En ese sentido sale mucho mejor parada la actividad que realizo en este momento en el campo de la fotografía, pues en éste yo mismo controlo casi todo el proceso de producción, desde la toma hasta la impresión final.

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Luis Fernando Quirós

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Estudio Lacabeza: Economía del Diseño

20.05.2013 | 14:35

Debido a la crisis económica mundial, y sus efectos en el mercado de trabajo –en el caso específico del diseñador–, uno de los tópicos candentes en la actualidad es considerar todos los aspectos relativos a acrecentar las ganancias, el pago por los servicios, los modelos de costos y otros factores que influencian la variable económica. Con estas expectativas tengo un acercamiento con Lacabeza, estudio de diseño costarricense conformado por Priscilla Aguirre y Walter Calienno, participantes en las tres ediciones anteriores de la Bienal Iberoamericana de Madrid, y en la selección realizada por los organizadores para la muestra de Diseño Iberoamericano en el Museo Casa Brasil de la ciudad de Sao Paulo.

Diseño de banners para Universidad VÉRITAS. Fotografía cortesía de Estudiuo La Cabeza.

LFQ: Me interesa indagar con estos diseñadores ¿de qué manera afrontan los aspectos económicos del diseño?  ¿Cuál es su experiencia de hacer empresa?, y ¿cómo definen su relación con los clientes?
Priscilla Aguirre y Walter Calienno
: Delante de la necesidad de ganarnos la vida con el diseño es buscar mantener los gastos chicos, no tener demasiado gastos fijos que nos hagan difícil mantenernos.
No nos llama tanto la atención tener un super estudio, tenemos clientes que han estado con nosotros por muchos años, otros llegan por boca en boca. No salimos a buscar clientes, si nos llaman por primera vez tratamos de en esa reunión mostrar todo lo que les podemos ofrecer. Sobre el futuro nos interesa seguir ofreciendo servicios pero también seguir desarrollando nuestras propias marcas.

Diseño de cartel para Universidad VÉRITAS. Fotografía cortesía de Estudiuo La Cabeza.

LFQ: ¿Cómo observan el medio y campo de trabajo para el diseñador?
PA y WC:
Tenemos la dicha de últimamente trabajar únicamente proyectos que nos interesen, que nos gustan con clientes que creen en nosotros. Con los clientes nuevos que están acostumbrados a los precios que ponen los nuevos diseñadores (a veces muchísimo muy barato)  y el mercado de la publicidad , cuesta convencerlos de invertir en diseño.  Supongo que hay unos a los que no les interesará jamás invertir, pero otros que se arriesgan con empresas como la nuestra y les va muy bien.


LFQ: ¿Con qué productos intentan individualizar el servicio que ofertan?
PA y WC:
Dentro de ese panorama buscamos la manera de subsistir con lo que sabemos hacer bien: la ilustración en forma manual, la creación iconográfica a partir del collage, y la constante experimentación en el taller. Y cuando no sabemos hacer algo contratamos al mejor.

Campaña. Fotografía cortesía de Estudiuo La Cabeza.

LFQ: ¿Qué estrategias tienen para marcar la diferencia ante esos desafíos del mercado actual?
PA y WC:
Hacer lo que nos gusta, ésa es la mejor estrategia. La historia del Estudio Lacabeza –como hemos dicho-, es que los clientes nos vienen a buscar; cuando hemos tenido que buscarlos, la experiencia en particular ha sido tremenda.
Tenemos una visión diferente de la publicidad, las ideas que se generan son muy alternativas, de enfoques distintos como la naturaleza, la cultura, el arte. Son, si se quiere, mas porosas pues fuimos formados en escuelas de artes. Nuestros clientes son músicos, artistas, cineastas, pero también mutinacionales y empresas independientes. Muchos han venido acá a que les diseñemos su imagen de empresa.

Diseño de CDs. Fotografía cortesía de Estudiuo La Cabeza.

LFQ: ¿Poseen algún modelo fijo para el cálculo de costos?
PA y WC:
Últimamente empezamos a invertir en este tipo de libros y leer sobre como estudios pequeños, sobretodo en EUA manejan sus gastos y sobreviven en una economía como la que nos tocó. Les recomiendo Creative INC  y también me gusta escuchar podcasts en el sitio de Designsponge, donde entrevistan a muchos diseñadores de la nueva generación de arts and crafts.
Cada quien debe de hacer su propio presupuesto. Es fundamental tener claro a cuánto ascienden los gastos fijos del estudio: pago de luz, teléfono, internet, mensajería, considerar los costos de producción del diseño local, además se suma nuestro prestigio o imagen. Pero nos hemos planteado precios fijos para diseñar campañas, para el diseño de CDs, para carteles.
Se nos requiere investigar y aprender a tener precios correctos, pues diseño es una profesión nueva que la gente aún no le tiene el debido respeto a la hora de pagar.

Diseño espacio. Fotografía cortesía de Estudiuo La Cabeza.

LFQ: Vuelvo a insistir, ¿cómo hacer la diferencia?
PA y WC:
Siempre consideramos nuestras fortalezas, haber realizado estudios de arte, tener todo el bagaje de las técnicas, y la experimentación, fundamental en el momento de generar las ideas. Y ofrecerle al cliente una visión mas macro de las posibilidades del diseño en su marca.

LFQ: ¿El desafío de tener que manejar la economía del estudio, debilita, en su caso, el trabajo creativo?
PA y WC:
Volvemos a nuestra ventajas de tener clientes bastante fijos, que nos resuelven esos incómodos aspectos de la economía. Pero nos tomó mucho tiempo y trabajo tenerlos y hay que aprender constantemente a cuidarlos, a atenderlos, pues nos brindan la tranquilidad para poder manejarnos, en principio, pues sí resulta incómodo mientras uno intenta tener concentración en el proyecto, tener que llamar para ver si ya está listo el cheque, o ir a pagar facturas; todo eso debilita la intensidad de la elaboración intelectual y creativa del diseñador.

LFQ: Bueno, ustedes lo han logrado, ya tienen muchos años demostrando ser un estudio serio y cuyos proyectos calan en el ámbito local del diseño. ¿Cómo lo hacen?
PA y WC: 
Quizás cuando uno pierde el miedo de ir y hablar con los clientes, cuando se entra en el negocio como empresario, se pueden apreciar mejor qué cosas resolver juntos. Ver las necesidades, incluso proponer alianzas en determinado caso.
Se dice que uno debe ponerse tres sombreros: el del artista, quien visibiliza, piensa e imagina. El sombrero del editor: quien acomoda todo lo realizado para que trascienda y logre comunicar eficientemente. Y el tercero es el sombrero del manager, quien posee capacidades de negociación.
Por que el artista es mal negociador. Pero ese miedo se va perdiendo en la medida de estar en reuniones e integrarse al mundo de la oferta y la demanda.
Todo es un camino, la experiencia acorta los caminos.

Diseño editorial. Fotografía cortesía de Estudiuo La Cabeza.

LFQ: Ahora que hablan de caminos, en particular considero que a veces es necesario devolverse o andar vías que sabemos no nos conducen a la meta, pero lo que colectado nos sirve para llegar. ¿Han pensado en devolverse hacia algún recodo o bifurcación del camino?
PA y WC:
Hemos hecho algunos productos, por ejemplo hicimos bolsos y carteras para mujeres, a nivel creativo funcionó, pero no a nivel negocio. En ocasiones pensamos en esa alternativa: volver para atrás y emprenderlos mejor la idea, con la experiencia alcanzada.
La relación que teníamos con Papaya Music, fue estupenda, tuvimos una época inhouse, luego de la separación fue difícil, ahora la relación se da pero cada uno en su terreno y es mucho más armoniosa. Hicimos campañas, festivales, diseños de CDs; hacíamos veinticinco diseño de discos al año, ahora se hacen solo dos o tres. La era digital influencia la producción y cambia las necesidades.

Diseño editorial. Fotografía cortesía de Estudiuo La Cabeza.

LFQ: Delante de todo ese panorama de exigencias y competencias del vivir hoy en esta civilización contemporánea, ¿qué retos y estrategias se plantean?
PA y WC:
Dejar que las cosas fluyan, si en un futuro no hubiese trabajo de diseño, vendrán nuevos motivantes y cosas que nos guste hacer. Los clientes con quienes trabajamos nos permiten realización, dan libertad para poder crear. En cuanto a proyectos futuros, nos encantaría hacer diseño para el turismo, y vender por internet, lograr algunos clientes en el exterior.

LFQ: Hoy en día se habla de que el cliente desea inmiscuirse en el proyecto contratado al diseñador, por lo que éste debe tener capacidad de negociación. ¿Qué significado tiene ese reto en el caso de Estudio La Cabeza?
PA y WC:
Aprender que a veces hay que hacer cosas feas, pero en nuestro caso particular, por fortuna cada vez son menos.

LFQ: ¿Qué son cosa feas para Priscilla Aguirre y Walter Calienno?
PA y WC:
Son cosas que nosotros ni siquiera plantearíamos diseñar, pero porque al de arriba de la empresa se le ocurrió que de repente eso era lo que había que hacer para ganar plata ya. Tiene una idea preconcebida de lo que genera plata, y el piensa equivocadamente que el buen diseño no es la solución INMEDIATA. Porque el  buen diseño es sutil y paciente, va creando una marca de la que la gente se va enamorando, poco a poco, pero el lazo dura por mucho tiempo.

Encabezado. Fotografía cortesía de Estudiuo La Cabeza.

LFQ: Para finalizar con este acercamiento al Estudio Lacabeza, pienso que vendrán otros acercamientos con diseñadoras y diseñadores que viven de esta profesión, que saben hacer empresa, se enfrentan a esos desafíos con talento y experticia, para que nos transmitan sus experiencias y nos motiven a seguir en el camino. Priscilla y Walter son siempre caminantes, colectores, catadores de esos númenes que encuentran al lado de la vía, y hoy nos hablan de la riqueza de esos frutos.
 

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Luis Fernando Quirós

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