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Fabrizio Arrieta: El principio del fin
El Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), San José, Costa Rica, en su Sala 1, de setiembre a noviembre 2012, ofrece la muestra “El principio del fin” del artista Fabrizio Arrieta; consta de pinturas en gran formato, objetos, instalaciones y video. Quiero abordarlo con esta conversación para indagar la naturaleza de su oficio y el impacto de hacer arte en estos tiempos cuando el disenso y la incertidumbre acrecientan las miradas y el interés.
Ingresar al museo me instiga a preguntar, a exponerme a lo expuesto: dialógica de un arte que cuestiona, que sacuden al pensamiento, conocimientos y raciocinio, donde las aguas del río de la interpretación del arte de pronto se agitan y, encabritadas, divagan quizás tras el significado del fin último que el artista promete iniciar, sin dejar de considerar cierta lectura escatológica que motiva el título de la muestra; pero encontré al artista, por ahí, en la sala, cuyas respuestas logran que las aguas apacigüen, transparenten y dejen ver la riqueza de sus fondos.
Fabrizio Arrieta, El Principio del Fin. Sala 1 del MADC. Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: La pintura representa tu marca, con la que te presentas a la sociedad, al mercado del arte, al museo, a la crítica, a la cultura; es portadora de tu carácter que intrinca diálogos en diversas vías: de la pintura con el espectador, de tu pintura con otras pinturas, de un espectador “A” con un espectador “B”. ¿Cómo defines tu carácter, cómo lograste asumirlo y presentarte a los demás?
Fabrizio Arrieta: Considero que parte importante del carácter de mi trabajo es la duda, sana y constante, una revisión diaria de sus métodos, alcances y funcionamientos y lo asumo de esa manera, siempre atento al cambio y a la posibilidad de sorprenderme, con desapego al pasado y una sana desconfianza del futuro…
Fabrizio Arrieta, El Principio del Fin. Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: La pintura es portadora de lo que crees del arte y lo que deseas que otros miren en ti, ¿qué piensas de esta percepción del arte?
FA: Pienso que es errónea, involuntariamente mis valores podrían transparentarse en mi trabajo pero afirmar que en mi pintura sintetizo lo que creo del arte y lo que deseo que otros miren de mi es darle una gran responsabilidad que no tiene ni pretendo que tenga… Lo que creo del arte va mucho mas allá, casi como el horizonte que se aleja al avanzar ..., mi trabajo es solo un intento de llegar allí..., es casi un acto de fe.
Público asistente a la muestra de Fabrizio Arrieta, El Principio del Fin. Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: ¿Cuál es el carácter de tu reflexión previa a disponerte a pintar? ¿Teorizas, trazas esbozos, mapeo conceptual?
FA: Intento borrar los limites. Hacer de mi vida y mi trabajo lo mismo.
Poder ir con naturalidad desde mis actividades diarias a mi labor profesional y viceversa y dedicar todo mi tiempo a que esta relación funcione en armonía… Permitirme que sucedan muchas cosas en un solo día, con la visión de que alimenten mi diario vivir, mis ideas y mis acciones personales y profesionales.
Instalaciones y video en la muestra de Fabrizio Arrieta. Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: La pintura posee una componente emocional, un signo que vincula, que me atrapa como observador y motiva a interiorizar para tomar conciencia de a qué me enfrento, que signos me instigan a apropiarme de su significado; me motiva, como espectador, a sumirme en la autoreferencialidad para indagar qué creo, hacia donde voy, cual es mi postura delante de estas expresiones. ¿Cómo defines esa componente emocional tuya, propia?
FA: Pienso que las manifestaciones artísticas son muy poderosas, me gusta creer en eso. Creo que pueden cambiar algo, a veces insignificante, a veces muy significativo. Y que el artista es el primero en correr ese “riesgo” por su cercanía con la obra. Por tanto es preciso adquirir cierta distancia, en un acto de desdoblamiento intentar ver el trabajo con los ojos del otro y librarse de él y a la vez de uno mismo. Este conflicto creo, al ser recurrente, termina por manifestarse y en cierta forma trasladarse al espectador quien intentara ver la obra con los ojos del artista para poder librarse de ella y de la situación en que ésta lo ha metido.
Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: El artista actual es un vinculador por excelencia. Aprovecha los signos para anudarlos y generar un discurso. Háblame de tu método creativo, ¿como nacen las ideas?, ¿qué buscas y encuentras?, ¿cómo te dispones a buscar?
FA: Estoy de acuerdo, el artista hoy día cumple una labor de vinculador, de intermediario, de traductor a veces, de generador, de provocador inclusive. Me gusta creer que el artista tiene la responsabilidad de vivir en su época y pensar y trabajar desde allí, desde el presente. Y cuando me ubico a en ese contexto solo intento ser receptivo, verme a mi mismo y a mi labor como algo en medio de un interminable proceso que involucra todo lo que sucede, es allí donde nacen las ideas, en esa disposición, esa apertura que me permite acoplar lo que llegue, sea algo que busque o algo que encuentre…, nunca hay una preparación previa…
Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: ¿Dónde encuentras tus referentes?
FA: Los encuentro en el camino, y en el camino también los pierdo…
LFQ: La disposición museográfica, sobre todo de la pintura, acrecienta una ubicación histórica del arte, nos empuja a decantar tu obra dentro de un tejido de relaciones hacia la pintura de maestros como Velázquez y Goya. ¿Te gusta ese tono de matices que te vincula con la historia?
FA: Me interesa, si. Específicamente con mi trabajo pictórico mas “tradicional”. Pintar hoy implica para mi ver atrás, considerando que la pintura como medio ha acompañado a la historia del arte desde sus inicios… Claro, mas como un intento de comprenderla y producirla hoy…
Y establecer esos vínculos, conceptuales, históricos y formales aunque parezca contradictorio me permiten pintar hoy… desde esa perspectiva, que no es la única ni mucho menos, habrán tantas formas de abordar la pintura como artistas que la practican… Es solo algo que ha captado mi atención en este momento.
Fabrizio Arrieta, El Principio del Fin. Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: ¿Cuál y cómo defines el detonante, el signo con que impactas al espectador?
FA: No podría definirlo. Claro que existen formas, estrategias de comunicación, entradas de acceso a los significados y sentidos que pueda generar una obra pero afirmar que hago utilización consciente de estos métodos implicaría ubicarme en una situación de poder, de control para con el espectador, con mi obra y conmigo mismo. Y no estoy interesado explícitamente en eso. Creo que hago mi trabajo y lo que después pasa ya no esta en mi poder...
Fabrizio Arrieta, El Principio del Fin. Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: ¿Dónde radica el significado de cubrir la pintura por manchas de negro que se propagan en el cuadro? ¿Por qué a veces son formas fundamentalmente geométricas como el rectángulo y la circunferencia y en otras una masa orgánica que pivotea entre las figuras y los personajes?
FA: No tengo claro el significado. No pretendo tenerlo claro, pues si lo supiera no tendría el mismo sentido para mi pintar, mi pintura dejaría de ser una investigación y comenzaría a ser una repetida publicación de un “descubrimiento” que pronto caducaría en el tiempo. En un sentido personal por supuesto.
Pienso que si algo puede manifestar en parte es esa inconformidad, ese conflicto, esa incertidumbre… se trata de una cuestión de posibilidades mas que de soluciones. Posibilidades de producción y de interpretación.
Fabrizio Arrieta, El Principio del Fin. Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: ¿Cómo estructuras el cuadro? ¿de dónde partes? ¿Posee algún significado explicable esa estructura que sostiene tus pinturas?
FA: Es un proceso muy aleatorio que involucra antes que nada tomar decisiones partiendo de imágenes y sus significados, siempre con la mentalidad de desembocar o girar en torno a la pintura y donde mi participación es solo una parte de ese proceso.
LFQ: Pienso que tu oficio de pintor es sorprendente, impactante, marcas un camino para la pintura actual. Pero sitúas en la muestra otras manifestaciones del arte contemporáneo como el video, las instalaciones ¿son para estar al día? ¿No crees que diluyen o restan fuerza a esa carga conceptual de tu pintura?
FA: Considerar otros medios alternativos a la pintura como intentos de “mantenerme al día” sería mirar con prejuicio a la pintura y restarle su capacidad para aportar sentidos desde la actualidad. También sería ingenuo de mi parte si considerara que el hecho de usar nuevas tecnologías por si solas me permitirían realizar una obra relevante en el presente.
Simplemente creo que todos los medios son coexistentes y que funcionan como lo que son. Y estos serán parte del contenido de la obra y estarán en función de él en el mejor caso.
Personalmente prefiero pensar en puentes entre los medios que utilizo, los grupos de obras, los temas que abordo y las soluciones formales, mas que en fronteras o límites. Eso amplía mi campo de trabajo y (me gusta creer) me permite una mayor libertad para abordar mis inquietudes desde cualquier lugar y de cualquier forma.
A pesar de ser consciente de mi posición como “pintor” ante mí y los demás y de mi evidente predilección por la pintura estoy convencido del valor y del aporte del resto de obras para con esta exposición en específico, en un sentido de conjunto, de relaciones y asociaciones entre las obras, estableciendo un diálogo, ambiciosamente, que no solo involucra las obras y sus diversos medios sino también la sala, el montaje, el público, la institución, el papel del artista, la historia, la educación, el valor simbólico de la obra, el mercado y a la pintura y todo lo que esto representa...
Fabrizio Arrieta, El Principio del Fin. Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: A manera de conclusión a este acercamiento al pensamiento y obra de Fabrizio Arrieta, quisiera evocar el instante cuando me ubiqué delante de esa enorme pared de la Sala 1 del MADC, y encontré un asiento para reposar y decirme a mí mismo que ante la obra de este joven pintor no me quedaba más que sumirme en aquellas briosas aguas de la interpretación: las piezas no tienen por qué decirlo todo, ese es el desafío o acicate para intentar leerla y salir airoso de tener que nadar a veces a contra corriente, tratando de enlazar al observar las páginas de las revistas muy bien articuladas con su tejido de conceptos, así como los libros y pensamientos, que como aquellas figuras de modelos salidas de las vitrinas de la moda o el glamour de los escaparates, en escenas (de)construidas pintadas con fina técnica e instaladas con gracia y acierto en la gran sala, nos conectan con el proceso, con el camino abordado en el día día del artista quien invita a sentirlo como propio, a compartir su profunda introspección donde sedujo la componente poética de esas contingencias y azar del vivir actual, las mismas que me llevaron al museo con la premisa de intentar comprender la paradoja y “el principio del fin”.
Fabrizio Arrieta, El Principio del Fin. Fotografías cortesía del artista y del MADC.
Ávila, García, Gómez: respiros de la pintura
La Galería Nacional (Museo del Niño, San José, Costa Rica), para el mes de agosto 2012, ofrece tres “respiros” de muy diversa naturaleza de la pintura en Costa Rica. Ricardo Ávila exhibe “Ciudades 2012”, son acrílicos sobre tela en formatos grandes y medianos; Alejandro García expone “Crónicas Urbanas”, técnica encáustica en pequeños cuadros de excelente factura, y Álvaro Gómez pintó aguas vibrantes en acrílicos con medianos y grandes tamaños.
Ciudades 2012, de Ricardo Ávila
Ávila es un intérprete de las contingencias de la ciudad contemporánea. El carácter de su pintura va desde el justo trazo ortogonal al caos, de la estricta geometría ángulo-recto al imprevisible orgánico, todo para aludir la contradicción de estos tiempos. El artista reinventa el “entramado del desasosiego”, y, como si fuera arquitecto urbanista, recrea ese trazo con otro carácter de paisaje: “Ciudad Orgánica”, “Ciudad Circular”, “Ciudad Encuadrada”, “Ciudad Caos”; lenguaje y obras que suman a sus ya conocidas “Ciudades Satélites”, u otras imaginativas miradas puestas en la urbe ideal, las soñadas de Ïtalo Calvino en sus “Ciudades Invisibles”, o en aquella otra para cual ya no existe paliativo alguno.
Ricardo Ávila, Ciudad Encuadrada, 2012, acrílico sobre tela. Foto LFQ.
Ricardo Ávila, Ciudad Caos, 2012, acrílico sobre tela. Foto LFQ.
Ricardo Ávila, Ciudad Orgánica y Ciudad Circular, 2012, acrílico sobre tela. Foto LFQ.
El poeta y ensayista estadounidense Ricardo Pau-Llosa, en un texto crítico sobre “Lo Íntimo Universal: la pintura de Ricardo Ávila” expresa: Ricardo Ávila es, esencialmente, un fabulista, un narrador que funde y yuxtapone símbolos para revelar la magia inherente de la vida urbana contemporánea. En la médula de la aventura de Ávila yace la búsqueda por un terreno nuevo entre la “siquis” individual y la idea del Ser que nos une a todos. Varias cualidades separan el arte de Ávila de nuestras expectativas del arte outsider o auto-didacta.
Primero, Ávila va más allá del comentario cuando representa eventos, bien sean singulares e históricos o anecdóticos y típicos de un lugar. Ávila transforma eventos en mecanismos estilísticos que le sirven en otras obras. Por ejemplo, terremotos y erupciones volcánicas inspiraron edificios y árboles que parecen doblarse como caramelos. A su vez, esto le facilitó traspasar los traumas que ofrece el mundo natural para explorar el sentido de ansiedad e incertidumbre económica y política que prevalece en esta época. Además, este lenguaje visual evoca las vórtices y alquimias que rigen el inconsciente, cerrando así el círculo del fabulista entre el horizonte social y el dominio personal.
“Crónicas Urbanas” de Alejandro García
Artista de origen mexicano que con su muestra en Galería Nacional ofrece otro carácter de “intimismo” pintado a la técnica de encáustica –cera de abeja, pigmentos y calor-, con la cual carga a su pintura de una fuerte visión del andar cotidiano, con trazos quizás toscos interroga lo que somos y hacemos en ese tránsito por el mundo buscando abrir caminos para la expresión. García –como si fuese palimpsesto-, cava entre las estratificaciones de una urbe para sacar a flote esos signos tramando un discurso nada complaciente, pero revestido de suma poesía, de la poesía del sitio, de la poesía del muro, de aquella esquina donde alguien trazó un gesto desenfadado, y marcó con ello su estadía en este tiempo y espacio.
Alejandro García, Barca, 2012, encáustica. Foto cortesía del artista.
Alejandro García, Casa Animal, 2012, encáustica. Foto cortesía del artista.
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Animal y La Pajarera, 2012,encáustica. Foto cortesía del artista.
Se lee en un texto de su autoría que esas “Crónicas Urbanas“ son -“una invitación a pasear en el imaginario del día a día, sin llevar un orden estrictamente cronológico, historias reconocibles y otras no tanto, preocupaciones de índole social o rigurosamente pictóricas, haciendo presente mi fervor por los ambientes citadinos…
Alejandro García en su perenne colecta de esos “rastros citadinos” aprendió el lenguaje y el significado de fluir por la porosidad de los bordes urbanos y ahí dispone las visualidad de esos signos al caliente, como los encaustos con que hoy nos sorprende en la Galería Nacional.
Álvaro Gómez: la sonoridad del agua
La pintura del creador costarricense Álvaro Gómez ha venido experimentando notables remezones a la estructura de su expresividad: experimentó las fuerzas tectónicas de los estratos terrestres, las tierras y las arenas, en una pintura matérica por excelencia, donde se advertía el fuerte contrapunto de las transparencias logradas por las arcillas, los aceites y el papel. Luego nos mostró otro carácter de narrativa simbólica cuando hizo gravitar la rosa, como devolviendo lo mirado hacia un interior sumido en el desconcierto. Hoy en día su pintura se vuelve vibrante, sinestésica, provocativa, con imágenes “audibles” de poesía sensible a la vista pero también a la piel.
Álvaro Gómez, Sonidos del agua, 2012, acrílicos sobre tela. Foto LFQ.
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Álvaro Gómez, Sonidos del agua, 2012, acrílicos sobre tela. Foto LFQ.
El observador -ante sus cuadros-, se siente sumido en el flujo de una deriva purificadora que revienta con las fuerzas del oleaje en muchos vórtices ante nuestra mirada complacida, y engulle hacia los adentros del color, los ritmos y, como se dijo, de reverberaciones sónicas, en tanto entrañan un alma conmovida por tanto azar exterior -en la ciudad que no está presente en sus cuadros, pero es un personaje en tensión con otros espacios del museo, con otras temáticas expuestas en otras salas-, abordada en esa trama de estímulos sensoperceptivos que como vectores se cruzan en todas las direcciones para excitar nuestra imaginación y desencadenar emociones.
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Álvaro Gómez, Sonidos del agua, 2012, acrílicos sobre tela. Foto LFQ.
Creo que al trabajar con ese indómito signo de lo natural abordamos conceptualmente su antagonista: la ciudad, la que llevamos a espaldas, el atrás de todos o al menos de las grandes mayorías de habitantes. Ya lo dijo el sensible poeta Costantino Cavafis: “no encontrareis otra tierra ni otra mar, la ciudad la llevas dentro de ti”; o, quizás como lo dijera Platón: “la ciudad existe, en la medida de que todos nos necesitamos”.
Repercusiones y contrastantes
Cuando la buena pintura pareciera estar ausente en el horizonte local –la que a mí me gusta que no es simple pintar sino hacer arte-, las muestras exhibidas en la Galería Nacional durante el mes de agosto me devuelven un respiro. Me gusta la insistencia de Ávila con sus miradas a la ciudad, a su trazado y problemáticas en tono jocoso pero inquiriente; me encantan los disensos de Alejandro García quien se distancia del modelo acomodadizo y a veces complaciente de la pintura que encontramos por ahí; me devuelve nuevos ánimos la sagacidad que imprime Álvaro Gómez a sus telas.
Quisiera para concluir motivar una visita a este espacio vivencial del museo para cargarse de bríos y continuar este andar por el trazo errático del no saber hacia donde vamos, no solo en el arte que es uno de los principales detonantes del vivir actual, es el estertor de una cultura en crisis, pero mientras tanto disfrutemos de sus respiros, vibraciones, y un baño de esas aguas tan briosas.
El desembarco de las gamelas
Uno de esos raros días en los que como un viajero con tiempo, paseamos las calles de nuestra ciudad con los ojos del que arriba por primera vez a puerto.
Un portal, antesala de una cochera pavimentada con hormigón impreso hexagonal. Al fondo una puerta entreabierta invita a conocer el espacio que Mercedes Urquijo ha abierto bajo su tienda-anticuario en la Calle Bárbara de Braganza 4 de Madrid. Un antiguo garaje, o quizá una bodega. Un híbrido entre tienda, galería y lugar de encuentro. Un espacio donde el ladrillo se pintó de blanco para inundarlo de luz, y donde las gamelas de Jacobo Gavira han desembarcado.
Las gamelas son utilizadas como embarcación auxiliar en los puertos sobre todo de la ría de Vigo, y las más conocidas son las de A Guarda y Coruxo. Están construidas en su totalidad con madera de pino, con el fondo armado por tablas transversales que se hacen firmes sobre tres varaderos que van de proa a popa, uno por el centro y los otros por el lado de cada costado. Estos están hechos de tablas enteras de proa a popa montadas en calime. La popa es cuadrada, con una estampa más o menos caída y ligeramente más alta que los costados. Antes aparejaba la vela al tercio o mística y hoy ya emplea remos o motor. Su éxito radica en su facilidad de varada (un rodillo de madera y unas tablas son suficientes para subirla por la playa) y su poco calado que facilita su navegación en las zonas rocosas cerca de la costa.
Foto de Vicente Piorno
Así las observaba el artista en el puerto de Canido, ofreciéndole la paleta de colores con la que construir estos personajes que nos observan sin prisa pero de frente, sin artificio. Las miradas de estas mujeres, cuyos nombres grababan los marineros a golpe de ola, nos mantienen secuestrados desde el comienzo, varados en este singular espacio. Bailan unas con otras en el teatro que forman los cuadros con los muebles y objetos que pueblan las salas.
Cinco mujeres nos vigilan sobre unas sillas de comedor de teka, según diseño de Niels O. Moeller, que ganaron el premio de la Danish Furniture Manufacturers Association Foundation Fair, en 1975.
El dibujo de un encuentro amoroso múltiple, una orgía con los cuerpos trenzándose sobre unas maravillosas mesas largas catalanas de trabajo de finales del s. XIX.
Una mujer retratada con su historia y sus fantasmas, conversa con unos apliques barrocos italianos de principios del XVIII con el esqueleto de hierro forjado, un estucado generoso y revestidos de pan de oro logrando unas imposibles volutas.
Lejos de las sombras arrojadas por la urdimbre de las galerías, emerge un espacio periférico cargado de emoción y de verdad. En la cabeza de este paseante, quedan unidos los óleos con las sillas, el dibujo con el mueble, la mirada de las sirenas con el color de un espacio en la frontera.
Ha querido este comienzo de Febrero que coincida esta exposición con la apertura de la casa de Duarte Pinto Coelho en el Palacio Pinohermoso de Madrid. El arquitecto, decorador de interiores y coleccionista portugués, construyó un fascinante mundo en su propia vivienda, donde Truman Capote, Maria Callas o Henry Kissinger vieron las horas pasar. Abierta como preámbulo de la subasta que realizará Christie´s en Londres en Julio de este año. Y digo yo, que la convivencia mágica entre un órgano del XVI, un pasamanos de metacrilato y latón, unas terracotas malagueñas del XIX, unas porcelanas chinas y una bañera tallada en alabastro se merecería un indulto, y que al separar los lotes y venderlos, será como derribar un edificio protegido, como dejar para siempre herido el patrimonio de la ciudad de Madrid.
