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Hugo Santarsiero: Vuelta a la página

18.07.2014 | 09:39

Uno de los rasgos de la vida contemporánea cotidiana es buscar: personas, materiales, tecnologías, servicios, ocio, trabajo, cultura; internet se vuelve una herramienta indispensable para estar al día. Suficiente introducir el nombre de Hugo Máximo Santarsiero en un buscador, para recibir la enorme cantidad de enlaces acerca de sus libros de producción gráfica, producción editorial y sobre lo más novedoso de las tecnologías de impresión, en tanto él es autor de diecisiete libros. Se podría afirmar que este diseñador y editor argentino es sobre todo un enamorado de las tecnologías de impresión, alguien quien sabe y maestro en la materia Esa aura de conocimientos y vivencias me motivaron a tener un conversatorio con él, para saber de su experiencia y pensamiento que cala y desprende en su amena conversación.

Nuevos libros de Hugo Santarsiero en el mercado editorial. Foto cortesía del diseñador. 

Cuando experimento alguna aproximación a una persona creativa y trabajadora como Santarsiero, en el flujo de la conversación se vierte un fuerte oleaje de preguntas y respuestas que van y vienen, es cuando me interrogo ¿qué quiero aprender de él?, ¿cómo puedo aplicar en mi propia realización lo aprendido?, ¿cómo adquirió todo ese bagaje?, y ¿sí es suficiente con conocer dichas tecnologías y materiales sino creer en ello, para catapultarnos en una sociedad mediática donde el factor innovación es central al desarrollo y al éxito empresarial? Incluso, en ocasiones como ésta que me reuní con él, no hubieron preguntas, solo nos dimos una sincera mirada y fluyeron las ideas, como que él ya sabía lo que yo quería indagar, y leer en mis gestos mis deseos de catar la naturaleza de sus conocimientos.

Esencia del conversatorio
La primera y fundamental idea fue la necesidad de transformación y adaptación –personal, profesional, empresarial- ante los grandes cambios que la tecnología pone a disposición; reinventarse en esa perspectiva -para Santarsiero-, significa saber dar “vuelta a la página”. Hay muchas personas, -y él pone como ejemplo a un viejo profesor en su etapa de formación-, que no supieron hacerlo, se negaron al cambio, pero de la noche a la mañana naufragaron en el insondable océano de la globalización, caracterizado por la fiera competencia por demostrar quien sabe, por lo tanto, quién posee el poder.

Foto cortesía del diseñador. 

Dos coyunturas
Expresa que le han tocado vivir dos coyunturas con ese carácter de reto, la primera fue en 1967, cuando tenía 17 años (hoy tiene 65) y trabajaba produciendo impresos para la industria farmacéutica con las técnicas de la vieja imprenta de tipos móviles, al descubrir la impresión offset, fue algo impresionante –agrega-, al percatarme cómo una delgada y flexible lámina de aluminio pre-sensibilizada y por medio de luz podía grabarse imágenes y textos para trasladarlas a las almohadillas de la prensa, imprimía fielmente en el papel. Explica que hasta ese momento lo que se conocía era aquella antigua imprenta donde se levantaban textos sirviéndose de tipos móviles y lo que llamábamos en aquel entonces “Caja alta” y Caja baja”, además de los clichés, ya fueran en línea, o en tramas, insertos en la caja tipográfica, marco liminar de la impresión que marcó el desarrollo de la industria editorial por varios siglos.
Pero él no sintió ningún temor ante aquel avance, al contrario, fue un inmediato adherente, proponiéndose explotar la novedosa tecnología en la práctica de la profesión. Y aquí –a este punto del encuentro-, aprendí un nuevo valor, para Santarsiero no existe el “no”, siempre hay una alternativa material, tecnológica, proyectual, axiomática: si no se tiene en el medio donde se trabaja, se puede encontrar en otro lugar, y con los medios de comunicación y transporte para productos como los actuales, es como tenerlo todo en casa; en parte, de eso se trata el paradigma de lo global/local.
La otra gran remezón sucedió en 1995, cuando al visitar la feria de la industria gráfica en Alemania, a la cual va cada cuatro años, se percató por primera vez de la existencia de la impresión digital, la computadora –que ya había hecho su aparición en 1985, en la escena del desarrollo industrial-, y los software de diseño y producción le impactaron. Cómo aquel aparataje de prensas y rotativas en la impresión de un diario –como las que se conocen hoy en día pero cuyos costos son estratosféricos-, hoy se reducen a un equipo, que sigue siendo caro, pero que requiere de pocas personas y muchos menos metros cúbicos de equipos para obtener lo mismo. Relata de la existencia en la impresión de diarios por ploteo e inyección de tinta, que posibilita producir de uno al número que se necesite con procedimientos muy amigables donde no existen residuos contaminantes. Incluso, en materia de producción editorial comenta la existencia de un software especializado, al cual se ingresan datos tales como tamaño, características de formatos, dobleces, imposición de páginas, calidades de materiales y el software ofrece un detallado desglose de costos y presupuestos, tiempos de ejecución y posproducción. Esto, sin duda, recalca, fue otro gran momento para “dar vuelta a la página”.

El más reciente libro publicado por Santarsiero. Foto cortesía del diseñador. 

Convergencia 2014
Hugo Santarsiero es especialista en producción gráfica. Lo hemos seguido de unos años para acá en tanto es el principal referente para las materias afines que se imparten en la escuela de Diseño Publicitario de la Universidad VÉRITAS, donde durante este mes de julio es el principal invitado a impartir talleres y conferencias para estudiantes, docentes y diseñadores nacionales, durante la celebración del evento anual CONVERGENCIA 2014. Don Hugo es docente de la Universidad Católica y Universidad El Salvador de Buenos Aires, posee su propia y activa empresa editorial, es diseñador gráfico y le encanta salir fuera de Argentina a compartir lo que sabe. Explica que tiene una importante base de datos con direcciones de correos electrónicos de diseñadores, docentes y amigos con quienes comparte información de lo más nuevo en materia de producción gráfica y tecnologías de impresión. Como buen maestro, no se guarda nada para sí, en tanto él cree en el axioma que se predica: “quien tiene que dar y lo comparte, siempre tendrá abundancia”.

Hugo Santarsiero en la Universidad Véritas, Costa Rica. Foto cortesía del diseñador.

¿Qué es la producción gráfica y la producción editorial?
Como se deduce, la temática de la producción, en los procesos editoriales y de la industria gráfica, requiere tener una visión detallada del sistema y el proceso, para obtener un buen producto gráfico sea un libro, una revista, o un periódico, empaques y embalajes. El proceso controlado no termina con la impresión y acabados finales al producto, se vuelve indispensable pensar incluso en la manera cómo va a ser distribuido, exhibido, comercializado. O sea, tener un dominio de principio a fin.
En materia de producción gráfica es necesario estar al tanto de los materiales más novedosos y sus tecnologías, porque puede que un producto, dirigido a determinadas bandas de edad o segmentaciones de mercado requiera distinguirse por el factor innovación, central al desarrollo y a las competencias activas donde vence en dicha cadena del éxito quien sabe usar y servirse de las tecnologías.
En el caso de la producción editorial, para que tengamos un libro en nuestras manos, tuvo que existir primero un autor quien lo pensó, lo escribió. Tuvo que haber una editorial que lo adoptara como proyecto, pasar por un grupo de lectores quienes lo validaron y dieron el visto bueno para el manuscrito iniciara a escalar el sistema, el proceso. Tuvo que existir un equipo de revisión filológica, que observara las fortalezas del lenguaje del autor, lo hiciera legible y accesible para todas las personas. Tuvo que existir un diseñador quien visualizó aquellos contenidos y diera una identidad visual para que el nuevo libro se presentase ante el sector editorial, el mercado y un lector cada vez más crítico de lo que lee. Tuvo que haber un impresor, un encuadernador, y, finalmente, quien retomara el proyecto en términos económicos para producir riquezas, para la editorial, el autor, y la sociedad entera la cual asimila ese bagaje para su propio crecimiento cultural e intelectual.

Uno de los libros del autor. Foto cortesía del diseñador. 

Dominadores o dominados
En esta perspectiva persisten esos juegos antagónicos de hegemonía que han vivenciado la evolución cultural y el desarrollo humano. Ante las grandes remezones, y sobre todo del paso al universo digital, no se sabe a ciencia cierta cuáles de estos productos van a saber o no dar vuelta a la página, sin embargo, quienes saben leer los signos del tiempo, lo sospechan. Don Hugo Santarsiero no tiene reservas para sentenciar el futuro, no muy lejano, donde los diarios en papel desaparezcan. Acota que hoy en día, el celular inteligente sustituye al periódico: las personas –sobre todo las edades juveniles-, leen los grandes encabezados y se percatan del acontecer por las redes sociales. Si se interesa en determinado tema, ahí mismo encuentra un enlace que lo lleve al periódico en línea, donde puede hundirse en la información, leer la noticia, e incluso si desea atender los comentarios de terceros acerca de la discusión generada por el tema, puede que encuentre los enlaces a “x” o “y” blogs. Pero también, si no quiere leer o por que mientras ojea el celular o la tablex requiere mayor atención a su trabajo, ya existe tecnología con la cual escuchar lecturas sincronizadas.
Estamos, agrega, en tiempos de las impresoras 3D digitales, de los hologramas, de la hidroimpresión con tecnología de fibras de carbono, los texturizados y barnices sectorizados, la gigantografía, y hasta la nanoimpresión. Entonces, si no asumimos la actitud de reinvención, quedamos superados como ocurrió a los copistas de libros a mano, antes de la época pregutemberghiana, que con la llegada de los tipos móviles de la primera imprenta -en los albores del Renacimiento-, quedaron desplazados.

Tecnología instalada en el país
En uno de los talleres que recibimos los docentes de la Universidad VÉRITAS, en esta semana de Convergencia 2014, acompañados por el especialista argentino, visitamos PowerPrint, una industria nacional totalmente equipada con lo más novedoso en tecnología de punta, y que se apunta –valga la cacofonía- a la innovación y competitividad a nivel regional en este importante campo económico.

Hugo Santarsiero. Foto cortesía del diseñador.

A manera de cierre
En este interesante conversatorio, me corrijo en tanto al inicio dije que no hubieron preguntas, pero las hubo, una sola, que no hice, fue suficiente sentarnos a conversar para que él comprendiera a qué llegué, cuál era el punto medular de mi interés delante de las grandes interrogantes que nos arrastran ante la fuerte marea, y que a diario nos empujan contra las escolleras marinas para dejarnos desguarnecidos, sin saber qué hacer, preguntándonos ¿cómo darle nuevas riendas a la empresa? El doctor Franklin Hernández-Castro, de la escuela de Ingeniería en Diseño Industrial del Instituto Tecnológico de Costa Rica, en otro conversatorio como este, ante la incógnita de ¿cómo reinventar el negocio?, expresó: “Kenichi Ohmae, uno de los gurús actuales en estrategias empresariales, dice que la única manera de sobrevivencia en el siglo XXI, es matando tu propio negocio”. Se afirma que la única solución vislumbrada es hacerlo del lado de la tecnología: si yo producía impresos, libros, revistas, periódicos, brochures, etiquetas, entonces es necesario conquistar espacios de producción y venta de lectores digitales de libros y revistas, productos innovadores en tanto se sirven de materiales y tecnologías de punta, como las atendidas en el libro Producción Gráfica: La Evaluación, el más reciente de Hugo Máximo Santarsiero. Su respuesta al mar picado de interrogantes siempre fue la misma: “dar vuelta a la página”.

  

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Luis Fernando Quirós

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Abigail Reyes: PRELIBRI

14.07.2014 | 11:28

Una palabra está compuesta por signos que tienden del hilo de los significados, intersticios del lenguaje por donde se cuelan o absorben esos sentidos y contenidos de los vocablos, son porosos entre sí, sintagmas verbales que la artista salvadoreña Abigail Reyes hila, cose, borda en la intimidad o estado profundo de su ser, para no contaminar con lo pueril rutinario lo que ella encuentra con su forma de arte: poesía, detenimiento, vacío, espacio de realización o contradicción donde cualquier otro gesto que reverbere disturba esos hilos o PRELIBRI, exhibición en Sala 1.1, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo -MADC-, Julio-Agosto 2014, curada por María José Chavarría.

Vista de la Sala1.1 con Prelibri de Abigail Reyes. Fot6o LFQ.

Entre bordes de espumas
Al ingresar a la sala, y detenerme por un instante tratando de encontrar la quietud necesaria para sentir el pulso de lo expuesto, y como suele suceder, casi de inmediato, al sentir el fuerte oleaje de las interrogantes que avanzan y se devuelven chocando entre sí y se deshacen en un blancor de tejidos y bordados espumosos -evoco la imagen del “final más final” en “Thomas el Oscuro” de Maurice Blanchot-, me pregunto ¿qué motiva la búsqueda, la investigación que Abigail Reyes emprende en el arte contemporáneo? Y, ¿qué encuentra? ¿Cómo lo caracteriza y prepara para compartirlo con un visitante al museo deseoso de catar esos númenes? ¿Cuál es la naturaleza de su abordaje a tales esencias visuales? ¿Cómo describe el artefacto artístico donde encaja esos contenidos? ¿Cómo carga de significados a esos signos que componen la poética de su obra? ¿Qué implica el verbo, lo que activa la construcción conceptual de su muestra?

Prelibri. Tela e hilo, bordado a mano, 2013. Foto LFQ.

Las respuestas están ahí, todo nace de la reflexión y análisis quizás hasta autobiográfico donde el centro es la evocación: rememorar sus vivencias del pasado, su hogar, el bordar y tejer de su abuela, el fuerte signo de la aguja para arreglar las telas rotas por las inclemencias de la vida; quizás por eso en uno de sus textos aborda un incisivo párrafo de Louise Bourgeois: “Siempre he sentido fascinación por la aguja, por el poder mágico de la aguja. La aguja se utiliza para reparar el daño. Es una reivindicación del perdón”.

Prelibri. Papel carbón mecanografiado, 2013.  Foto LFQ.

PRELIBRI
Al leer el título de la propuesta, de inmediato pienso en Bruno Munari en su libro ¿Cómo nacen los objetos?, cuando presentó un compendio de experiencias donde se generan constructos gráficos a partir de la idea de dar vuelta a la página, sin que exista escritura, y si ese existiera, sean solo signos cargados de una idea que se desarrolla de principio a fin, pero como dije sin mediar la lengua escrita.

Papel de archivo 100% algodón cortado con láser, 2013. Foto cortesía del MADC.

En otro plano temático, con el auge de la alta tecnología de impresión, la imprenta quedó sumida en la memoria borrosa de un tiempo, lo mismo sucedió con la fotomecánica en aquellos procesos pre-prensa de la industria gráfica, y lo que fue la cámara analógica para la fotografía. ¿Será a esa remezón a la que se refiere con la pieza donde unos tipos móviles de metal componen la frase “Ningún dolor se olvida”, proponiendo el discurso del extrañamiento, la interiorización, ante dichas transformaciones que el universo digital imprime a la cultura y a esta sociedad tan cambiante como la que nos tocó vivir a los contemporáneos? Y, ¿cuál es el significado de verter aquellos caracteres tipográficos de corte láser en una cajita, como para deconstruir la escritura, subvirtiéndo la misma experiencia del lenguaje -central a la comunicación humana-, para punzarnos a nosotros los espectadores y sumirnos en la reflexión? Ese mismo día, antes de visitar el museo para apreciar la exposición había estado con unos amigos que experimentaron el paso de la vieja imprenta de tipos móviles –como los que exhibe Abigail en Prelibri formando una frase-, a la del litho-offset, y ahora ante lo digital quedaron conmocionados sin saber qué hacer, preguntándose ¿cómo reinventar su negocio para continuar ganándose la vida con esta industria, tal y como lo hicieron durante toda su vida?

Prelibri. Tela e hilo. Foto cortesía del MADC. 

El retorno de los oleajes
Ahí mismo, en esa detención que suscita enfrentarse a los signos que cuelgan del hilo de los significados, vuelvo a preguntarme acerca de la manera de explicar –por parte de la artista centroamericana-, el proceso de creación: ¿Cómo inicia, dónde encuentra las ideas y referentes, cómo las teje para edificar su concepto? ¿De qué manera plantea la necesidad de activar los sentidos perceptivos del espectador, para que emerja empoderado al visitar la muestra? Las respuestas, repito, están ahí, están en la manera de realizar aquella pieza formada por hojas de papel cuadriculado donde el hilo bordea dicha retícula generando sensibles aproximaciones a la geometría; están en la gracia de instalar las piezas o “pre-libris”, para tocarnos en lo más profundo de cada quien; están en la pureza de la técnica de realización; están en el pensamiento que permanece adherido a cada trazo del hilo, en cada pliegue de esas palabras por los cuales se escapa furtiva la memoria, la suya, la mía, la de todos.

Prelibri. Tipos de imprenta, hilo, caja, 2013. Foto cortesía del MADC. 

También me parece necesario señalar la importancia que tiene, en una obra tan centrada en el sujeto ante la existencia, la investigación autoreferencial, aquella que conduce el proceso previo a la conceptualización de esta propuesta tan de carácter intimista y autobiográfica: “Recuerdo a mis abuelas cosiendo a mano todo, todo el tiempo. 
Recuerdo sus trenzas de hilos de muchos colores. 
Recuerdo el silencio y concentración a la hora de bordar o coser, como si de ello dependiera la vida, como si entre quién ejecuta la acción con la aguja y el objeto acribillado a puntadas, existiera una compleja relación por crearlo o repararlo; cierto apego, cierta resistencia a verlo desaparecer. Y es que cuando las pérdidas son muchas, el ser humano se aferra al objeto como representación de aquello que no está” –vuelvo a citar el texto con el cual Aigail presenta su muestra.

Prelibri. Papel cuadriculado e hilo, 2013. Foto LFQ. 

El retiro de las aguas en el día final
Al ingresar a la sala y acercarme a lo expuesto tratando de dilucidar los anclajes con que Abigail Reyes produce su obra, rondaron estas y otras preguntas que pretenden respuestas, que marcaron el acercamiento a su forma de pensar, con el cual cala una manifestación nada tibia, nada leve, y donde creo que dicho sentido de “silenciosa quietud” se vuelve instigador, en tanto la acción del corte láser o esos agujazos con que marca la tela o el papel, cala e imprime, se nos devuelven a nosotros los espectadores quienes no salimos nada ilesos: en tanto permanezcan heridas sin suturar en nuestras pieles o carnosidades, pero también en las del alma, se comprueba que “aquello que duele, jamás se olvida”.

 

  

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Luis Fernando Quirós

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Tome Asiento: poética del sentarse

12.07.2014 | 10:27

Klaus Steinmetz Contemporary abrió el pasado 10 de Julio 2014, Tome asiento: una muestra de sillas, con la participación de diseñadores, artistas, arquitectos y grupos creativos, entre ellos: JUAN ROBLES, CLOUD 9, MONTSERRAT MESALLES, DIEGO VAN DER LAAT, NALAKALU, AIMEE JOARISTI, JANINE SCHNEIDER, MARCO MORA, FABIAN VILLAMICHEL, MAD LIVING, ANDRES CAÑAS, JOSE PABLO ALVARADO, MARGREET WIELEMAKER, CATHERINE ROMAN, PAMELA HERNANDEZ, FEDERICO CHAVES, RODOLFO MORALES y ANGEL LARA. Esta apertura me parece fundamental en la medida que nos permite visibilizar la producción creativa de nuestros diseñadores locales, valorar sus productos, y constatar el estado actual del diseño en Costa Rica.

Aimee Joaristi. Sillas de Alambre. Instalación con fotografías, sillitas de alambre y texto escrito a mano. Foto LFQ. 

Participantes y propuestas
La diseñadora de interiorismo Aimee Joaristi presenta un conjunto fotográfico en vitrina donde enmarca, además de dos sillitas con los cierres metálicos del corcho, unas imágenes donde el alambre se vuelve gesto y visiones exacerbadas por el acicate: el “champán”, la celebración, el jolgorio. Nos habla del acto imaginativo de aprovechar un material y una idea expuestas con esmero y buen gusto.

La mecedora “Armonía” de Nalakalú, presentada por un grupo de ebanistas y diseñadores encabezados por Víctor Julio Araya, es una pieza que centra la atención del evento por sus acabados, amigabilidad de tratamientos y materiales, ergonomía, en cuyos elementos comunicantes existe, además de armonía, una reverberación propia de la cromática de la madera y los tintes naturales. Es una tipología del mueble que emplaza a aquel producto artesanal que se ofrecía como única opción al turismo, con un diseño que exalta la belleza del material y la innovación del producto cultural y vernáculo.

NALAKALÚ. Mecedora Armonía. Diversas maderas. Foto LFQ. 

Montserrat Mesalles. Tuborete. Tubería industrial. Foto LFQ. 

“Tuborete” de Montserrat Mesalles denota la visión imaginativa de la diseñadora para reinventar objetos, en este caso ductos industriales con los cuales mentaliza la función de sentarse sobre la metáfora: un tubo que emerge de la pared, propio de lo arqueológico industrial, cargando de una segunda vida creativa a estos objetos encontrados.

Pamela Hernández, de Re-Proyectos, exhibe “Sin título”, ejemplo vivo de cómo transformar la basura o desperdicios que a veces observamos tirados en los rincones del trazado urbano como un signo contradictorio del desarrollo tecnológico, y que ella reinventa con función, uso, creatividad transformada en muebles.

Pamela Hernández. Sin Título. Estructuras de antiguas computadoras, metales y telas. Foto LFQ. 

El diseñador interiorista Marco Mora expone una pieza de recuerdo: “Mi primer TV”; evoca el sillón de los cincuentas y sesentas del siglo pasado y la llegada de la televisión al país, cuando se disponía en la sala de estar en tanto era un aparato –en esos años-, símbolo de estatura social. Es una pieza que provoca extrañamiento, muy bien interpretado con esas diagonales en el tapiz y el color rojo/negro, juego instigador, beligerante, también travieso, pero sobre todo de buen gusto.

Marco Mora. Mi primer TV. Asiento intervenido con nueva tapicería. Foto LFQ. Y, Margreet Wielemarker. Mamá Grande. Asiento encontrado e intervenido. Foto LFQ. 

 “Mamá Grande” de Margreet Wielemaker demuestra que aquellos objetos a veces abandonados en las calles de la ciudad pueden transformarse al disponerlos en otros espacios e interioridad, cuando son intervenidos con gracia y cargados con la evocación, en este caso, de la ternura materna o de la abuela, como si estuviéramos sentados en sus regazos, que brindan seguridad y atino ante los grandes asechos cotidianos a esta sociedad contemporánea.

Federico Chaves, La Maquinita, presenta “S-01/S-02”, con una estructura de tubo de hierro galvanizado y el uso de niples y uniones tan propios de la fontanería, genera una alternativa delante de la enorme tipología mobiliaria presente en el mercado que se insertan en nuestras habitaciones con poco interés y sin provocar algún punto de reflexión.

Mario Arias –MAD Living, Banca Birriz. Piezas de durmientes del ferrocarril. Foto LFQ. 

La “Banca Birriz” de Mario Arias de MAD Living, observa el gusto por el contraste de los materiales, en este caso utiliza unos tablones de esos bruñidos y desgastados por el tiempo –aclara que provienen de los durmientes del ferrocarril al Atlántico, construido en 1989-, y el vaciado en molde de un acabado similar al mármol martelinado.

“Santa y Sagrado” juega con el sentido de religiosidad de la imaginería popular. María José Marín y Belén González de “Sofía Interiorismo”, brindan un rasgo de desenfado de lo que acostumbramos a apreciar en el mueble, en este caso con íconos que subvierten al producto mismo y lo elevan al espacio de lo artístico.

María José Marín y Belén González. Santa y Sagrada. Sillas antiguas intervenidas. Foto LFQ. 

Aborígen de Rodolfo Morales, es ya un ícono del mueble vernáculo, por el material con que lo obtiene en este caso chonta de pejibaye –Bactriz gassipaes- y su forma evocativa de lanzas y flechas utilizadas por nuestros pueblos originarios en la casería y defensa. La pieza original, de enorme impacto formal y técnico, totalmente en madera de pejibaye, obtuvo el Gran Premio de la Bienal del Mueble en 2010, organizada por la escuela de Diseño de Productos de VÉRITAS.

Rodolfo Morales. Aborígen. Silla con madera de pejibaye. Foto LFQ. 

La “u+n chair/chaise” de Janine Schneider, JSARQ, es una propuesta doble, en tanto por un lado es una “chaise lounge” y por otro asiento. Está construida en planos seriados de madera contrachapada espaciados para hacer circular el aire y restarle pesantez al mueble, carácter que la vuelve una propuesta ágil, dual y de apariencia muy actual.

“Unípodé -Un perchero para el cuerpo-, de Diego van der Laat -“sanjosérevés”-, advierte el carácter contemporáneo del mueble que genera la tensión de la dualidad, de ser perchero y a su vez apoyo para el cuerpo. Hoy en día, sobre todo en edades juveniles, durante fiestas y reuniones, experimentan una posición de pié pero apoyados en algo. La propuesta es marcada por la sobriedad minimalista.

José Pablo Alvarado. Kékóldi. Asiento. Y, Fabián Villamichel, Renato Sáenz, Alaín Coto, y Javier Claré. Silla Prototipo. Madera en planos seriados. Foto LFQ. 

“Silla Prototipo” de Fabián Villamichel -Modus operandi-, Renato Sáenz, Alaín Coto, y Javier Claré, trata de una exploración formal con planos seriados de corte lasser para brindar una sentada cómoda y ergonómica; es una idea clásica de la silla renovada para adoptar el lenguaje actual, gracias al uso de la tecnología que lo define.

Lo interesante y que rescato de esta pieza “Kékóldi” de José Pablo Alvarado –All Be Design-, pero que he visto ya en varias exhibiciones anteriores, es el uso de materiales y procesos artesanías de los indígenas autóctonos que elaboran la palma y los tejidos con fibras naturales.

“Metamorfósis” de Juan Robles, de Juan Robles Arquitectos, es un acercamiento a la deconstrucción que intrinca con las superficies adyacentes, generadoras de cierta ilusión poliédrica. Ese gesto inconcluso la vuelve incisiva y hasta nos desestabiliza su activo equilibrio.

En el espacio de Klaus Steinmetz Contemporary, se presenta la propuesta, también minimalista de Catherine Román, quien exhibe un mueble en madera y tubo metálico de fuerte tensión ortogonal, elegante y sobrio.

Janine Schneider. U+n chair / chaise. Secciones de playwood. Foto LFQ. Y, Diego van der Laat. UNÍPODÉ, un perchero para el cuerpo. Foto LFQ. 

Juan Robles. Metamorfósis. Varios materiales con acabado en pintura de carrocería. Vistas parciales de la sala expositiva, Y, Catherine Román. Silla. Madera y metal. Foto LFQ. 

Motivos para pensar en la muestra
Aunque hace ya casi treinta y cinco años que el diseño industrial interesa a la industria y cultura nacional, pareciera que la profesión cuya área de producción de mobiliario es fundamental, aún no alcanza la tan esperada presencia. La muestra -la señalo como importante-, en tanto amplía la cobertura de esta reconocida galería en la zona de Escazú, pero en el fondo no observo en lo expuesto el manejo de materiales y tecnología actual en la fabricación de la silla; dichos materiales y tecnologías son sorprendentes, pero pareciera que, por lo menos acá en Costa Rica, solo se conoce la madera. Uno se pregunta si es que ese es precisamente el carácter que define al diseño local: piezas únicas, reutilización de materiales, u objetos de esos que quedaron en desuso y son reinventados bajo esta práctica creativa, que tiene mucho de arte contemporáneo, pero poco del diseño de productos innovadores y de punta.

Otro de los aspectos medulares del exhibir diseño, y que me parece necesario observar, es la exposición una vez más de modelos con ese carácter de prototipos ya exhibidos en otras ferias u eventos anteriores. Cuando los diseñadores no demuestran aportar nuevas ideas, investigación constante y consistente que alimente la producción, uno piensa en un estado del diseño estancado. Implica recordar el principio de innovación y calidad por el cual debe velar siempre el diseñador, como actor de cambio con responsabilidad de transformar creativamente el entorno y por ende la cultura. Abrir al diseño el espacio expositivo es plausible y oportuno para conquistar de manera positiva la conciencia de los potenciales consumidores del producto, activados por la huella cultural que significa exhibir en esta importante galería.

 

  

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Luis Fernando Quirós

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"PRELUDIO" PACO Y MANOLO

09.07.2014 | 04:44

Preludio, de Paco y Manolo
Con la colaboración de Nauzet Mayor

Espai Tactel
C / Denia, 25. Valencia
Inauguración: viernes 27 de junio
Hasta el 8 de agosto

“Lo único que merece la pena vivir en la vida es la posibilidad de experimentar de vez en cuando un momento perfecto. Y tal vez incluso más que eso, tener la capacidad de recordar esos momentos en su totalidad, contemplarlos como joyas” (Paul Bowles, ‘La casa de la araña’).

Todo el trabajo de los artistas Paco y Manolo ha girado en torno a los mismos temas: “la fugacidad de los momentos vividos, la intensidad del encuentro y la oscuridad de la pérdida”, explica Ismael Chappaz, co-director de Espai Tactel. “Esta oscuridad”, continúa diciendo, “desde el punto de vista de su propia existencia, fue el motivo principal de su anterior exposición en Espai Tactel, de Valencia, y Addaya, en Mallorca, ‘Memento Mori’, donde la sensación de ‘nos queda menos tiempo del que hemos vivido’ dio lugar a un trabajo mucho más oscuro y amargo”.

En ‘Preludio’, Paco y Manolo trabajan los dos aspectos. Por un lado, señala Chappaz, “juegan con las imágenes que nos enseñan la felicidad del momento vivido y las mezclan con reflejos y distorsiones para así convertirlas en espejismos. Finalmente, una serie de imágenes, a la manera de los larvae convivalis, les animan a aumentar esa sensación de felicidad, dando lugar a la fugacidad de la existencia”.

Según los artistas, “la vida es el preludio de ese momento en el que la pérdida (del amor, de la
juventud, de la belleza) es el mayor de los males a los que nos hemos de enfrentar”.

La comisaria Marisol Salanova alude a Borges, cuando decía que la muerte es una vida vivida y la vida es una muerte que viene. “Paco y Manolo nos presentan escenas de juventud, goce y belleza como preludio al desvanecimiento en un ejercicio de hermenéutica del cuerpo donde los estereotipos no tienen cabida”.

“Las vulnerabilidades del cuerpo”, prosigue Salanova, “y la identidad son un tema recurrente en la obra de esta pareja de fotógrafos catalanes conocidos sobre todo por los retratos que han realizado a lo largo de más de quince años. Si ya habían explorado la sensación de que el tiempo se nos escapa y es el cuerpo quien constantemente nos lo señala durante una primera muestra en Espai Tactel titulada ‘Memento Mori’, ahora vuelcan su talento en una segunda individual, donde podemos disfrutar de sus fotografías y una puntual colaboración escultórica con el artista canario residente en Mallorca Nauzet Mayor”.

+info:
www.espaitactel.com

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Tactelgraphics Studio

Tactelgraphics

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JUANMA BY EL CUCO SS15 | 080 Barcelona Fashion

07.07.2014 | 11:27

Juanma Granero (Barcelona, 1978) es el nombre del diseñador catalán detrás de JUANMA BY EL CUCO. Éste año la firma ha estado presente por primera vez en la 080 Barcelona Fashion con sus propuestas para Primavera-Verano15.

DICOTOMIA es el nombre de una colección que despunta por su patronaje. Un juego constante entre rigor y forma, entre pulcritud sobria y texturas.

Entre sus propuestas, un marcado hilo conductor: la luminosidad del blanco y la asimetría. Los contrastes de la mano de estampados sutiles y bloques de color en azul Klein, mostaza y el siempre presente negro. Firmes y contundentes.

Cómplices en su geometría, estas piezas encajan perfectamente y construyen un equilibrio sofisticado que da voz a una mujer fuerte, segura e independiente.
 

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Laia Encinas

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