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Rafael Araujo y la geometría descriptiva

21.05.2015 | 10:38

Buscando información sobre la proporción áurea para un logotipo en el que estaba trabajando, di por casualidad con un dibujo de una complejidad notable que retrataba, en un ámbito geométrico, el vuelo de una mariposa y enviaba a mi pequeño proyecto directo a la papelera de reciclaje. Indagando un poco más, encontré que esta pieza formaba parte de Cálculo, una serie de pinturas creada por un profesor venezolano de geometría descriptiva y dibujo analítico llamado Rafael Araujo y al que tuve la suerte de entrevistar.

 

Rafael Araujo y la geometría descriptiva
Morpho sequence. © Rafael Araujo

Rafael Araujo nació en Caracas en 1957, estudió arquitectura en la Universidad Simón Bolivar y fue miembro fundador de la Orquesta Nacional Juvenil de su país. Aunque siempre se sintió atraído por el arte, no sería hasta la adolescencia con el descubrimiento de la perspectiva y de la obra de M.C. Escher, con seguridad su mayor influencia, que se volcaría de lleno a la geometría descriptiva.

Rafael Araujo y la geometría descriptiva
Nautilus. © Rafael Araujo

Las piezas que componen Cálculo son creadas a partir de operaciones matemáticas, algo parecido, explica Araujo, “a asignar valores a las variables de una ecuación algebraica”. Sobre los procesos creativos cuenta que los números se “echan” el primer día y que, a partir de este punto, comienza “un juego rudo de reglas y escuadras, para llevar las plumas de tinta china por los caminos debidos”.

Rafael Araujo y la geometría descriptiva
Doble helice de haliconius. © Rafael Araujo

Un trabajo como Doble helice de haliconius, la pieza que me llevaría a entrevistarlo, representa, según Araujo: “un reto de diseño y composición complejo, del cual se puede salir muy mal parado si los números iniciales no fueron óptimos o porque puedes derramar tinta sobre el papel luego de 83 horas de trabajo”.

Rafael Araujo y la geometría descriptiva
Cono de 45°. © Rafael Araujo

Posiblemente, uno de los grandes aciertos de esta serie de dibujos reside en la capacidad de Rafael Araujo de manipular con destreza dos de los lenguajes más usados para interpretar el universo, el arte y las matemáticas, y de mezclar el pragmatismo de los números y la subjetividad del pincel en su justa medida para ofrecernos una imagen hermosa y diferente de la naturaleza.

Rafael Araujo y la geometría descriptiva
 © Rafael Araujo

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Verböten, un blog de arte

Cristóbal Páez

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Giovan Battista Rotella: Arte Filatélico

14.05.2015 | 09:09

Con los medios electrónicos para la comunicación actual en internet, correo electrónico, redes sociales: Facebook, Twitter, Instagram, Whatsapp, entre otros espacios para compartir información, pareciera que el tradicional correo postal estuviera destinado a desaparecer; sin embargo, no es así. También existen muchas personas en el mundo que mantienen la buena tradición de escribir a mano, de enviar sus cartas por correo, por lo que el consumo de valores filatélicos no es que adquiera fuerza, pero prevalece, más allá de la actividad por parte de los coleccionistas de sellos, que día a día ponen sus miradas en esa existencia la cual adquiere valor de cambio, al igual que las monedas y billetes. Y hablando de redes sociales, desde hace un par de años que sigo el trabajo del pintor y gráfico italiano Giovan Battista Rotella (1947), me interesa en tanto desarrolla un estilo muy suyo a tematizar sobre las estampillas o sellos postales. La historia del arte encuentra otro vehículo pictórico, el cual reinterpreta a los grandes maestros y diversos movimientos estilísticos, que han sido sujetos de ediciones filatélicas en diversos países del mundo.

Giovan Battista Rotella: Arte FilatélicoGiovan Battista Rotella. Liminares de su pintura. Fotos cortesía del artista 

Con esta entrevista quise indagar más sobre su trabajo, preguntarle acerca de aspectos de su método de elaboración y del contenido que acuerpa su pintura, y esa particular manera de apropiarse del lenguaje postal, de la carta, del sobre, de las direcciones y anotaciones, aquello que es sellado, reescrito, remarcado con distintos signos propio de un vocabulario en el tránsito que va desde el momento que el depositario inserta la correspondencia en el cajón del correo, hasta que el cartero lo deposita en otro cajón, en el del destinatario. Las piezas de esta colección de pinturas son solo eso: lenguaje, y el paso del tiempo en un sujeto que se traslada a distancias inimaginables y distingue a la actividad postal por siglos, aunque hoy, mediado por la tecnología, se marca con simple “clik”.

”Entrega especial”. Óleo sobre tela, 80x100 cms. Fotos cortesía del artista 


¿Cómo y cuándo se dieron los inicios para esta forma de expresión suya?
Giovan Battista Rotella: Mi primer muestra personal fue en 1970. Siempre me realicé como un pintor figurativo.


¿Qué pintaba antes de inmiscuirse con el arte de los sellos postales? ¿Cuándo marcó el punto de quiebre para esta nueva etapa de su trabajo creativo?
El verdadero punto de inflexión lo experimenté a finales de los años noventa del siglo pasado, cuando me expresaba con un abordaje que iba desde una narrativa exterior, hasta el diario íntimo. Dicha narrativa profundizaba sobre la esencia de las cosas. Vinieron los bocetos, las telas y cartones apilados en el estudio; los ramos de flores, las cebollas, los limones, las arenas de la playa, los girasoles…

“Marilyn”, representación de estampilla sobre la pintura de Warhol y el Pop Americano. Fotos cortesía del artista. 

¿Investigó la existencia de otros pintores interesados en tan particular argumento?
Por cuanto se, no existen en el mundo otros pintores que utilicen la estampilla como la utilizo yo.
¿Dónde encontró el origen de pintar los sellos postales en la pintura?

Todo esto tiene que ver con mi infancia, mi padre era coleccionista de sellos postales; él me ponía tareas bien precisas, como despegar las estampillas de los sobres. Yo me detenía a mirar aquellas pequeñas estampitas a colores donde se representaban personajes históricos. De manera que todo este bagaje y experiencia actual se encadena a los recuerdos de mi propia infancia.

“Fragmentos”. Óleo. 40x30 cms. Fotos cortesía del artista. 

“Picassiana”. Óleo sobre tela. 100x80 cms. Fotos cortesía del artista. 

¿Cuando inició esta investigación?
Se inicia entre 2005 y 2006.


¿Cuál es el mensaje central de su discurso: será recuperar un arte que pierde espacio delante de internet y las redes sociales?
Mi discurso no es tanto recuperar un mundo que internet destruyó, y no podrá recuperarse jamás. Trato de contar lo sucedido en el último siglo, a lo largo de la historia de las estampillas y los sellos postales.

“Recuerdos infantiles”, Óleo sobre tela. 70x70 cms. Fotos cortesía del artista. 

 “Recortes” Óleo sobre tela. 50x70 cms. Fotos cortesía del artista. 

¿Desaparecerá esta tipología de valores de cambio? ¿Será que su obra es un homenaje a la actividad filatélica en todo el mundo?
Lo que si deseo es que mi obra permanezca como un documento histórico.


Las estampillas son un producto de la gran industria gráfica. Como gráfico y pintor, ¿había experimentado algún otro acercamiento a esa actividad creativa?
Soy un pintor que por libre escogencia se encuentra manipulando las estampillas convirtiéndolas en otra cosa diferente de su función original. Una operación que se mueve entre la vanguardia conceptual y la pintura tradicional.

“Devuelta al remitente” Óleo sobre tela. 100x120 cms. Fotos cortesía del artista. 


Giovan Battista Rotella
concibe el cuadro a partir del diseño mismo de la estampilla, sin embargo al recomponerlo eclipsa la reinterpretación a partir de ese estilo y técnica de la tradicional manera de pintar al óleo. Cabe explicar que el Conceptualismo se sirve de esos talentos y manejos de la técnica, en este caso al óleo, para dotar de pensamiento a la obra, que la pintura no sea una representación literal de la natural o de la ilusa creatividad del artista sino un objeto que se distingue por su carga conceptual. La pintura se reinventa y ya no es simple apariencia sino un nudo de conexiones y significados lo cual nos reta a la interpretación, instiga a percibir más allá de la mera apariencia y a tratar de visualizar los recovecos de su cimentación y construcción.

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Luis Fernando Quirós

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Moritz Feed Dog. El primer festival de cine documental de moda en España

13.05.2015 | 11:37

La moda tiene múltiples aproximaciones y capas de conocimiento. Aborda y aúna un sinfín de disciplinas a su alrededor y el cine no podía ser una excepción. Con el creciente auge de los fashion films y su innovadora forma de aproximarse a la industria de la moda, llega el Moritz Feed Dog. El primer Festival de cine documental de moda en España. 

Del 14 al 17 de Mayo se celebra en Barcelona la primera edición de este festival que cuenta con 10 documentales y 12 proyecciones. Entre ellas, algunas de las películas más esperadas de la temporada. 

Una forma de adentrarse en distintos ámbitos, estructuras y personajes del sector a través del género documental y de autor. Y, sobretodo, una reafirmación y entendimiento de la moda como fenómeno cultural y reflejo de nuestra sociedad. 

En este sentido, nos podemos acercar a la elaboración, en tan solo 8 semanas, de la primera colección de alta costura de Raf Simons al frente de Dior en Dior and I filmada por Frédéric Tcheng o entendemos un poco más la revolución y el fenómeno que supuso la modelo Twiggy en el Swinging London de los 60 en Twiggy: The Face of the 60’s de Philip Priestley. O conocemos más de cerca quién es Iris Apfel, uno de los personajes más carismáticos e inspiradores de la moda en Iris, de Albert Maysles. Solo por citar algunos nombres de la cuidada lista de títulos de este nuevo festival de imprescindible asistencia para todas esas personas fascinadas o simplemente curiosas por lo que es y lo que representa la moda. 

   

Para programación completa y más información: www.Moritz.FeedDog.org  

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Fashion

Laia Encinas

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Hugh Kretschmer y la manipulación fotográfica

08.05.2015 | 00:52

Mientras Hugh Kretschmer me contaba cómo su padre —un experto en instrumentación óptica-fotográfica que formó parte de las misiones Apollo— le había introducido a la fotografía, recordé la historia de Steve Ray Vaughan y de cómo, sentado con seis años en el amplificador de Jimi Hendrix, decidió ser guitarrista. A medida que avanzaba la entrevista e iba adentrándome en el mundo de Kretschmer terminé por aceptar que cuando el inicio de una carrera está marcada de esta forma, el resultado no puede ser otro que brillante. 

 

Boxer, Hugh Kretschmer.
Boxer. © Hugh Kretschmer. 

Hugh Kretschmer, el quinto de siete hermanos, aprendió las técnicas de revelado en el laboratorio que su padre había montado en un viejo búnker en el patio de su casa en Los Angeles (Estados Unidos). Su primera cámara, una Pentax de 35 mm regalo de su padre, lo acompañaría hasta terminar sus estudios en el Art Center College of Design of Los Angeles.

Materialism, © Hugh Kretschmer.
Materialism, © Hugh Kretschmer.

En los noventa se trasladó a la ciudad Nueva York donde comenzó a trabajar en la serie de imágenes que marcaría un antes y un después en su vida profesional: Gastronopolis.

Dark Cloud, © Hugh Kretschmer.
Dark Cloud, © Hugh Kretschmer. 

Kretschmer aseguró que Gastronopolis era su trabajo favorito no precisamente por su belleza sino por el sacrificio que requirió hacerlo realidad, durante meses había mandado bocetos a varias revistas pero de todas recibía la misma respuesta, querían ver el proyecto terminado.

Pause and the Revelation, Gastronopolis, © Hugh Kretschmer.
Pause and the Revelation, Gastronopolis, © Hugh Kretschmer.

En el tiempo libre que le dejaban sus otros trabajos se dedicó a reclutar gente para que le ayudaran a terminar la serie. ”Lo más difícil fue encontrar el diseñador de vestuario correcto. Para eso, fui al Fashion Institute of Technology y colgué un aviso en los pasillos. A los que respondieron les pedí ideas y uno de ellos brilló con las suyas: Teresa Squire, hoy en día una famosa vestuarista de Broadway. Casi quince años más tarde sigo siendo su amigo y por supuesto de mi productor Aurelie Jezequel y todo por Gastronopolis”.

Tension, © Hugh Kretschmer.
Tension, © Hugh Kretschmer. 

El resto de la historia de Hugh Kretschmer es de sobra conocida para todo aquel que haya empuñado con ilusión un cámara, estas lineas son el boceto de una entrevista que marcó de alguna manera mi carrera y que hoy comparto en este blog.  

Vasectomy for Two, © Hugh Kretschmer.
Vasectomy for Two, © Hugh Kretschmer.  

The Presentation, © Hugh Kretschmer.
The Presentation, © Hugh Kretschmer.  

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Verböten, un blog de arte

Cristóbal Páez

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Un Museo dentro de otro Museo

17.04.2015 | 11:06

La nueva muestra “Museo de la Miniatura” en el Museo de Arte Costarricense (MAC) - del 9 de abril y hasta el 7 de junio 2015-, activa una importante mirada a las artes visuales del país a través de la pintura, la escultura, el grabado y las técnicas mixtas, que permitió a los artista expresar sus lenguajes y técnicas en mínimos formatos, de esa manera conformar la colección que –como expresa la directora del MAC Alma Fernández Tercero: “cabe en un baúl”, y ofrece además la posibilidad de itinerar por distintos espacios del país.


Logotipo Museo de la Miniatura, diseñado por Melissa Aguilar para el MAC.

El museo dentro de otro museo es la “metáfora visual” que motivó el diseño del logo de la muestra por parte de Melissa Aguilar -diseñadora de esa institución-, acuerpa un contraste de escala lo cual activa la idea de acción, crecimiento y gestación, por ello se deduce que el proyecto continuará desarrollándose en sí mismo.

El gestor de la idea
Fue una iniciativa de Rafa Fernández, ideada en 1983, cuando en esos años dirigía el Departamento de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura. Posteriormente el MAC –con Elizabeth Barquero en la dirección-, lo acogió realizándose dos convocatorias más para ampliar la selección de los artistas invitados, tal y como se exhibe en la actualidad.



Francisco Amighetti Ruiz (1907-1998) Reposo. Xilografía 12.3 x 8.5 cms. Y Juan Manuel Sánchez (1907-1990) Ardilla. Escultura en latón. 6.5 x 4 x 4 cms.

Algunos de los expositores
Recorrer esta propuesta guarda un significado muy singular, es observar los momentos más representativos del arte nacional, desde los maestros que dieron encaje al amplio desarrollo experimentado en el país, como Quico Quirós, Manuel de la Cruz González, Luis Dael, Dinorah Bolandi, Juan Manuel Sánchez, José Sancho, Rafa Fernández, Lola Fernández Paco Amighetti, Fernando Carballo, Margarita Quesada, Sulay Soto, Juan Luis Rodríguez, Otto Apuy, Marisel Jiménez, hasta las generaciones intermedias como Luis Chacón, Pedro Arrieta, Florencia Urbina, Leda Astorga, Roberto Lizano, José Miguel Rojas, Miguel Hernández, Loida Pretiz, Mario Maffioli, Rafael Ottón Solís, Victoria Cabezas, Guillermo Tovar, Claudio Fantini, Leda Astorga, Esteban Coto, Manuel Vargas, Carlos Poveda, entre otros.

Rafa Fernández (1935). Algo por Recordar. Óleo sobre tela. Y Margarita Quesada Schmit (1915-2001). Nazareno de Orosi. Acuarela. 16 x 12 cms.

Se espera una futura convocatoria para sumar a los artistas quienes emergieron en la década de los noventas y dos mil, e incluso, sería interesante apreciar algunos de los lenguajes, quizás más ásperos de esta parte de la segunda década del siglo XXI con el arte joven contemporáneo.

Florencia Urbina (1964). La Negri-Tica. Collage 2005. 17 x 13 cms. Y José Miguel Rojas (1959). Caballero con la mano en el pecho. Collage sobre cartón 1987. 16 x 12 cms.

Algunas anotaciones de la visita
Intentar un abordaje puntual de cada pieza y cada artista del Museo de la Miniatura resulta una labor compleja, en tanto es muy extensa, e incide -en mi caso personal-, congraciarme con los discursos mas cercanos a mi sensibilidad, pero deseo comentar algunos: Quico Quirós, con “Paisaje” demuestra su incidencia en el paisaje costarricense con un óleo de radiante luminosidad por sus intensos juegos de luces, sombras y los trazos generadores de profundidad. La xilografía de Francisco Amighetti “Reposo”, representa a un personaje que lee el periódico, aunque no posee fecha nos dice que ayer, tanto como hoy, las noticias inquietan el reposo. En la pieza de Rafa Fernández -aunque no posee fecha-, se advierte el carácter de su pintura y dibujo en estas décadas después de su enfermedad, lo cual acrecentó la fuerza de las incógnitas y la lectura de la psicología de los personajes. Me detuvo la acuarela de Margarita Quesada, “Nazareno de Orosi”, la pintora paraiseña cuyo característico estilo conquista los espacios en los cuales en vida no logró anclar.


Luis Chacón (1953). Circuit city 2005. Acrílico sobre tela. 17 x 13 cms.

Rafael Ottón Solís (1946) Tsunami 2005. Acrílico sobre tela. 17 x 13 cms.

En el capítulo de la escultura, destaco la “Ardilla” de Juan Manuel Sánchez, con el latón concibe la jocosidad de esa criatura inquieta que sube y baja por los ramajes, una pieza emblemática dentro de la animalística en la escultura costarricense. En una situación similar por su profunda sensibilidad, se aprecia el “Gato” de Marisel Jiménez, exquisito logro y fuerza evocadora del sujeto. No pasa nada desapercibida “¡Descansa Margarita!” de Leda Astorga, graciosa y crítica a su vez subvirtiendo la noción de la escultura tradicional.

Rafael Ottón Solís (1946) Tsunami 2005. Acrílico sobre tela. 17 x 13 cms.

Mario Maffioli (1960) Liquen. Cuarzo molido, argamasa y resina sobre cavas 2005. 17 x 13 cms. Y José Pablo Solís (1971). En color. Acrílico sobre tela 2005. 17 x 13 cms.

Disfruto la pieza de Luis Chacón “Circuit City” ataviada de signos y texturas del acontecer urbano actual. ”Liquen” de Mario Maffioli, cuarzo molido, argamasa resina, nos ancla en el discurso de materialidad en la pintura. Rafael Ottón Solís “Tsunami”, carga concreta, resonante de las contingencias del hoy. “En Color” de José Pablo Solís, con la técnica del barrido es una tela muy actual y cautivadora. Finalmente “Recogiendo la lluvia” de Loida Pretis, acrílico sobre madera con relieves, sugiere la vida actual, donde a veces sobre la mesa, solo se recogen unas cuantas gotas de lluvia.


 Marisel Jiménez (1947) Gato 1993. Talla en madera y lápiz. 24 x 18 x13 cms. 

La visita al Museo de la Miniatura nos enseña, entre otras ¿qué sería del arte sino fuese fuente de crecimiento cultural y de educación? El potencial del objeto artístico marca el paso del tiempo, no importa el tamaño, la escala, el material, en él advertimos las tendencias y expresiones de más de treinta años de constante evolución, pero sobre todo contribuye a dar una respuesta a cada interrogante planteada por los artistas sobre el momento ante el cual les toca vivir conmovidos por la incertidumbre del existir.
 

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Luis Fernando Quirós

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