La Comunidad de Blogs

Metáfora de los Sonidos

28.08.2015 | 17:44

Visitar la muestra “Metáfora de los Sonidos” que exhibe actualmente los Museos del Banco Central de Costa Rica (MBCCR), en las salas del Museo del Oro Precolombino, activa en nosotros espectadores un real empoderamiento al constatar la enormidad del arte de nuestras culturas originarias. Pero por otro, instigan los cuestionamientos de ¿qué sería de una gran cultura como la que pobló estos territorios, sin la dimensión del arte musical, sin la capacidad de expresar con instrumentos, voces y musicalidad del entorno, sin los sonidos durante las ceremonias funerarias, los rituales asociados a los cultivos y a la recolección, a la propiciación durante la cacería, al rito de la fertilidad, la defensa, la guerra o las pugnas por el poder, además, como es lógico pensar, que sería de la comunicación entre los pueblos mediada con esos simbolismos e interpretaciones relativas a sus modos de interacción social, cultural y religiosa?

Fotografías de la muestra. Cortesía del MBCCR.

Fotografías de los instrumentos. Cortesía del MBCCR. 

Algo más que sonidos y materiales
Al apreciar los instrumentos expuestos, clasificados según el sonido que emiten, según los materiales con que fueron realizados, desde una ocarina configurada a partir de elementos de su imaginario y simbolismos –el animal, el humano, los mitos, el tambor, la flauta, a uno no le queda más que cuestionar la noción eurocéntrica de que aquellos pueblos ancestrales fueran solo cazadores y agricultores, en tanto el depurado manejo de tales materiales, sus técnicas de producción como la arcilla, la piedra, la madera, la orfebrería, los textiles, nos hablan de una cultura de mayor estatura la cual manejó un sistema de pensamiento de amplitud mundial.

Fotografías de los instrumentos. Cortesía del MBCCR.  

Activador emocional
Al leer los textos, apreciar la museografía y andar la exhibición, me acompañó mentalmente la evocación de un aforismo de Lao Tse del “Libro del Sendero”, el cual aprecia la “oquedad” que permite el material con que está hecha la flauta o la ocarina -en este caso la arcilla o la madera-, “es como el vacío distante entre el cielo y la tierra, es solo un hueco pero su contenido es inagotable”. Activa y emociona al pensar que con esos instrumentos de viento, y según el número de agujeros que posean podamos interpretar sonidos propios no solo de estas culturas autóctonas sino de más allá, de otros continentes, acompañados por la emisión sónica de las voces o de los cantores, o de la musicalidad que, como se dijo, podía aportar la misma naturaleza: las aguas al correr por las cauces y entre las piedras, el viento al frotar las copas de los árboles, las maderas al chocar y vibrar, la rugiente descarga eléctrica durante la tormenta, el tremor del sismo o del poderoso volcán, el fuego al quemar la leña, y hasta los mismos animales que poblaban aquellas selvas al entonar el enigma de esta “Metáfora de los sonidos”.

Fotografías de los instrumentos. Cortesía del MBCCR.  

Calidad de la muestra
Se trata de una exposición muy bien articulada –tal y como acostumbra los MBCCR-, por parte de la investigación arqueológica de las curadoras de esa especialidad Priscilla Molina y Mónica Aguilar, y de un equipo de músicos contemporáneos y etnólogos encabezado por el maestro José Luis Acevedo. Se ofrecen pantallas táctiles para detallar los conocimientos, usabilidad de la tecnología musical, todo para ampliar la noción del sonido esos singulares instrumentos, y hasta se da la oportunidad de escuchar la propia composición al interactuar con una computadora que emite esos sonidos sintetizados.

Fotografías de los instrumentos. Cortesía del MBCCR.  

Esta exposición de instrumentos que datan del año 500 a.C. al 1550 d.C. complementa la “Ruta de Museos” o “Paseo de Museos”, actividad que proponen temáticas afines exhibidas -además de los Museos del Banco Central de Costa Rica-, por el Museo Nacional de Costa Rica y el Museo del Jade y la Cultura Precolombina. Son una opción amigable y educativa delante del abigarrado paisaje globalizado del comercio que atiborra el centro capitalino. Vinculan al turismo visitante con una alternativa cultural, y sobre todo, ofrece al nacional la oportunidad de educarse al reconocer el valor artístico y creativo de los pueblos originarios, bagaje por el cual todos debemos enorgullecernos.


 

Fotografías de los instrumentos. Cortesía del MBCCR.  

0

diseñacr

Luis Fernando Quirós

Share

Fuente “Jairo”

21.08.2015 | 15:55

El objetivo central del proyecto de diseño de una fuente tipográfica titulada “Jairo”, se propone estimular la memoria colectiva para que evoque la paradigmática vida de Jairo Mora, el llamado “defensor de las tortugas”, joven ambientalista para quien hoy un grupo de estudiantes de la Escuela de Diseño de Comunicación Visual de la Universidad VÉRITAS, emprende la iniciativa de mantener viva la luz que ejemplificó con sus acciones para la protección de las tortugas de las costas caribeñas costarricenses.

José Daniel Rodríguez. “Tortugas” 2015. Foto cortesía del diseñador. 

Ingrid Navarro. Diseño tipográfico “Jairo”, 2015. Foto cortesía de la diseñadora. 

Sergio Salas. “Tortuguitas”, 2015. Foto cortesía del diseñador. 

Los motivantes
Jairo Mora murió a la edad de 26 años un 31 de mayo de 2013, era oriundo de la localidad de Gandoca, Manzanillo, en el Caribe Sur de Costa Rica. A la edad de 15 años abrazó la defensa ambientalista por la cual dio su vida -en especial y como se dijo-, por la supervivencia de esta especie que anida en dichas playas caribeñas, las cuales encuentran no solo depredadores naturales sino humanos, personas que roban sus nidos para comerciar con los huevos, pero que también las sacrifican para vender la carne en el mercado clandestino de la oferta gastronómica local.
Valiente y ejemplar, el joven custodiaba los desoves durante las madrugadas y, por estos esfuerzos, acabaron con su vida. El crimen fue mal librado por parte de los Tribunales de Justicia de la provincia de Limón; un juicio viciado liberó a tres de los siete asesinos, y a los demás solo se les sentenció por robos, violaciones, secuestros, pero no por la muerte de Mora. Llevado a otra instancia en los Tribunales de la provincia de Cartago, implica realizar un nuevo juicio; se tiene la esperanza que esta vez la ley sea pronta y cumplida, que su nombre permanezca en la conciencia de todos como un héroe ambiental.

Erica Centeno. “Jairo”, 2015. Foto cortesía de la diseñadora. 

Natalia Fung. Fuente “Jairo”, 2015. Foto cortesía de la diseñadora. 

Diseño tipográfico

El diseño como actividad creativa puede ser un estímulo notorio para mantener la conciencia sobre las vivencias de Jairo, y que aquel crimen impune que enlutó a los ambientalistas, amigos y familiares, pero sobre todo, que desgarró su memoria ejemplar, sea reivindicado y esclarecido.
El acto de dedicar unas horas del curso de Producción Gráfica a resolver el proyecto, discutir sobre los argumentos y activadores proyectuales, vivifican el recuerdo del modelo de actuación del joven ambientalista, allá en las costas caribeñas de Costa Rica.
Durante el proceso de búsqueda e investigación se realizaron lecturas, observaciones y análisis de los rasgos anatómicos de las tortugas y del entorno marino, para deducir un lenguaje aplicable a la fuente.
El conocimiento de la historia de la escritura, la evolución tenida por las fuentes tipográficas, la teoría de la percepción y el conocimiento de los estilos tipográficos contribuyó a resolver el proyecto, pero también estimuló a los diseñadores a pensar en una solución original entre los miles de alfabetos diseñados que pueblan los acervos del arte tipográfico de siempre; pero además aprender el conocimiento de la producción gráfica aplicable al diseño del libro, la revista, el periódico y otros productos de la enorme industria cuya actividad editorial pareciera hoy en día estar migrando hacia las redes e internet.
Resolver un proyecto de este calibre, requiere de insumos mayores, apoyados por el conocimiento tecnológico, como tener cada fuente vectorizada, posible de ser editadas en esos nuevos software especializados en diseño tipográfico.

Karina Ramos. “Jairo”, 2015. Foto cortesía de la diseñadora. 

Ana Alvarado. Fuente “Jauro”, 2015. Foto cortesía de la diseñadora. 

Innovar y activar la memoria
El producto de esta experiencia es un buen intento para comenzar a transitar en estos senderos de la creatividad, para ofrecer herramientas a los nuevos diseñadores al hacer ingreso a un panorama tan cambiante y de tanta competencia, donde día a día se nos sorprende con la amplia capacidad industrial, científica y tecnología instalada en el país.
Desde el punto de vista de diseño de fuentes, aunque se diseñan y producen constantemente, no marcan el punto de inflexión en la evolución del diseño y su aplicabilidad en la industria gráfica, el real avance lo emprende la tecnología, tanto que si un Johanes Gutemberg, Giambatista Bodoni, Claude Garamond u otros de los padres de la vieja imprenta retornaran a nuestros tiempos actuales, tendrían un colapso al sorprenderse de cuanto es capaz el ingenio humano al innovar en esta materia.

  

0

diseñacr

Luis Fernando Quirós

Share

Schmuck

09.08.2015 | 06:47

schmuk
SCHMUCK 2015: Gigi Mariani, Italia. Parallel Worlds. Anillo. Oro, plata, Niello. © Paolo Terzi   

"Las joyas son portadoras de emociones, junto a su estructura material contienen sentimientos que abarca mucho más que el simple espacio del metal y las gemas. La joya es entonces un lenguaje que se articula en un alfabeto propuesto por el joyero, con un significado solo visible desde la emoción, convirtiéndose en comunicación personal, en pequeños grandes objetos que hablan".

18 milímetros

18 milímetros es el diámetro que tiene habitualmente un anillo, o la longitud de unos pendientes. 18 milímetros es nuestro espacio habitual de trabajo donde debemos desplegar nuestra creatividad los joyeros, es nuestro hábitat.


Al reto de diseñar constantemente nuevas colecciones en tan exiguo espacio se une la dificultad de gestionar la calidad y los costes de los materiales utilizados, así como lo aparentemente prescindibles que son nuestras creaciones. A pesar de ello todos los años salen al mercado nuevas obras, la mayoría de ellas apenas tienen visibilidad, se sitúan en espacios muy endogámicos, reducidos al menudeo profesional, por eso me gustaría, a través de este blog, compartir mi pasión por estos objetos que continúan siendo para mucha gente, desconocidos, si exceptuamos las piezas de las firmas de Alta joyería ,tan abundantemente promocionadas por las revistas de moda, pero entre éstas y las joyas de comunión de la tienda de barrio existen otro tipo de joyas , las llamadas joyas de autor: objetos de arte funcional, portables y con un innegable contenido escultórico, donde el material no tiene por qué ser el protagonista principal.


SCHMUCK 2015: Kimiaki Kageyama, Japón. Stone of Kamo river 1. Sortija. Oro y fragmentos de urushi-e del siglo XVII. © Kimiaki Kageyama

Desde hace algunos años museos de todo el mundo han incrementando significativamente sus fondos de joyería de autor o joyería artística contemporánea: MomA, Rijksmuseum o Victoria and Albert Museum , entre otros, exponen interesantes trabajos que ponen en valor la obra de muchos orfebres que atrae también las miradas y las chequeras de los coleccionistas de arte.


SCHMUCK 2015: Mikiko Minewaki, Japón. Collar „Ladybird“. Plástico relleno. 35x 25 x 5 cm. © Handwerkskammer für München und Oberbayern   


Y como muestra os presento algunas piezas seleccionadas en el último premio Herbert-Hofmann, los Oscar de la joyería, uno de los más prestigiosos concursos internacionales que se conceden en el marco de la exposición "Internationale Handwerksmesse" en Múnich. En paralelo se celebra Schmuck: exposiciones, conferencias y talleres sobre la joya creativa y que cuenta también con la participación de muchas galerías, convirtiendo a la ciudad bávara, desde hace más de 50 años, en lugar de peregrinación para los joyeros y coleccionistas de joyas de autor de todo el mundo.

SCHMUCK 2015: Paul Derrez, Holanda. Broches „Dot“. Acero y acrílico. 12 x 10 centçimetros. © Handwerkskammer für München und Oberbayern 

0

18 Milímetros

Jorge Rojas

Share

Roberto Guerrero: “Vergüenza ajena”

06.08.2015 | 17:55

El Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, presenta entre julio y setiembre de 2015, en la Sala 1 y curada por María José Chavarría, la muestra de videos, fotografías e instalaciones de Roberto Guerrero, quién, en “honor a su apellido”, se comporta como un “guerrero” de “armas tomar”, pero revestido de coloridas escarchas, lentejuelas y asumiendo el discurso gay. 

Fotografías cortesía del artista.

Me acerco a Guerrero para indagar cuestiones centrales de su forma de arte; entre otras, preguntarle ¿Por qué “Vergüenza ajena”? y, ¿por quién o por qué sentirla?

El afectado es el espectador ante la confrontación de verdades que siempre le son incómodas , o son incómodas a la sociedad. El tema viene de la teoría “queer” y/o estudios gay-lésbicos, de la vergüenza gay. Incorpora un análisis de ideas que provienen de la sociología, la filosofía, las teorías de género. 

El tema de la identidad gay, ya estaba planteaba en las portadas de revistas, pero lo tocaba de manera muy intuitiva, hasta que encontré este espacio de pensamiento que replantea el significado de autoafirmarse, influenciado por Michel Foucault y Judith Butler quienes estudian la idea de un espacio normativo para la convivencia en sociedad, como integrante de una cultura en la cual uno como individuo debe acatar reglas. A veces nos sentimos afuera; algunos teóricos conceptualizan una manera de generar control al afuera de la norma, a partir de una vergüenza, por ejemplo, que te mantiene inmerso o al margen. Dicho espacio de pensamiento permite repensar para afirmar nuestra propia identidad. La vergüenza en ese sentido es una imposición del poder, es ajena.

Fotografías cortesía del artista. 

¿Qué buscas con tu forma arte? ¿A qué se debe ese deseo de “tpunzarnos” con tus propuestas? ¿Es el observador o visitante al museo quien debe sentirla al anclar en cada una de tus propuestas?
A partir del arte. uno puede reivindicarse, tiene que ver con el exorcizar los fantasmas de la violencia. Como cuando uno mismo se castiga o la sociedad lo castiga enterrándole cuchillos en la espalda. De la reivindicación surge la respuesta a la pregunta ¿Por qué sos tan loca?; ya que tiene que ver con la segunda parte de la exposición: con salir a la luz y con intentar subvertir a esas estructuras generadoras de la norma, mediante obras que evidencian la parodia y la ironía, y que por tanto, se anclan mejor en la conciencia del espectador.

Fotografías cortesía del artista.  

Hablemos un poco acerca del proceso. ¿Cómo construyes esos imaginarios y simbolismos?

Yo pienso que al proceso creativo lo define lo asociativo, uno puede tener una idea que va cruzando o interrelacionando con otros pensamientos y referencias para construir nuevos sentidos. Sin embargo esa idea siempre necesita de un detonador, de un escaparate que la catapulte y la engatille. Por ejemplo, la obra “Ecce Homo” (el mural Pop-Up de pared), surgió a partir una pieza de Alberto Durero: “El éxtasis de María Magdalena”. Ese personaje bíblico (reconocido como una cortesana pecadora), como referente, me permitió rodear la imagen central de ángeles y estrellas, como las imágenes provenientes del mundo del espectáculo cargado de brillos y signos de culto. Más allá de esto, el juego de lenguaje de Ecce Homo plantea que un significado que remite a ser castigado y sufrido, se presenta como una figura que mas bien podría venir a juzgar. 

Con esa obra, inicio lo que llamo “Arqueo-loca-logía”, una manera de criticar al poder y explicar, a la vez, referentes en los que veo a las construcciones de mi propia subjetividad. Dado que tiene que ver conmigo, en la obra incluyo la imagen de mi niñez y otros simbolismos que no me abandonan desde mis inicios, como los soldaditos.

Fotografías cortesía del artista.  

Me pareció sugestiva tu pieza de los almohadones que se salen del closet. Sin embargo, pienso que el vehículo de comunicación, (los almohadas) e imprimir las frases sobre esos objetos no es tan efectiva, pues a como quedaron en la instalación se superponen unos a otros y los mensajes, que son los que nos seducen y hasta intimidan, se esconden. ¿De dónde provienen tales mensajes? ¿cómo hiciste esa recolección o compilación? ¿Cómo explicas o quién es el sujeto central de la propuesta?

Mi idea inicial siempre ha sido que los espectadores puedan interactuar con las almohadas, que las tomen, las lean y las reposicionen. Quizás por la premura de tener lista la muestra un día antes de la inauguración (para el ART City Tour -al cual llegaron unas tres mil personas-), no se logró lo que yo buscaba (la interacción); sin embargo, en este momento, quien visite el museo puede leer cada almohada. También he pensado que voy a reelaborar la idea para otra muestra. Tomaré y presentaré fotos de cada almohada, ya que constituyen un importante instrumento durante las cavilaciones del reposo, de la conciencia durante el sueño. La idea central es reflexionar sobre la ambigüedad entre la palabra y el cuerpo, cuando el lenguaje y el deseo del cuerpo colisionan. 

Los textos fueron extraídas de un foro anónimo en internet, en el cual varones han escrito sus fantasías sexuales y sus experiencias de encuentro. Me apropié de esos textos para evidenciar que existen sujetos que ponen en evidencia como, a veces, falla la matriz cultural del lenguaje que se denomina heterosexualidad. La obra pretende que pongamos la mirada sobre un cierto aspecto de la diversidad. Me interesó mucho la relación entre sujetos que verbalizan vehemente su adherencia a la matriz heterosexual, pero que al mismo tiempo revelan que sus deseos los contradicen.

Fotografías cortesía del artista.  

Evidentemente Roberto Guerrero es el sujeto central de esos dramas expuestos donde hay mucho morbo, trasgresión, pero también hay pasión, hay dolor (evocaciones, recuerdos), hay fuego. ¿Hasta dónde pretendes llegar?

De repente ver esa obra junta me hace pensar hacia donde voy, ya yo no estoy cerrado en ese juego, ya soy el sujeto o el “Ecce Homo”. Existe un tránsito que aun no resuelvo, me gusta hablar de mis temas a partir de otros, la violencia hacia el sujeto producto de esas normas culturales y sociales y hasta políticas.

¿Cuál es el significado de llevarnos al Roberto niño; a llevarnos a la lúdica pero sin abandonar la poética?

El juego es una realidad ejemplar, es una actividad o mecanismo cultural con el cual aprendemos para potenciar el poder: a hacer hombre, a ser niños, a ser artistas, futbolistas, trabajador de la industria, incluso para ser “guerrero”. Utilizo el juego como recurso evidente al asumir los grandes patrones: los futbolistas escarchados en el video, el juego como acción discursiva. Me motiva jugar con los discursos, con la ironía, la parodia, intentar generar placer lúdico durante la reflexión y adquisición consciente de un rol.

Fotografías cortesía del artista.  

¿Cómo te ubicas respecto a esta tendencia del arte contemporáneo, y alternativa de abrir tu intimidad y mostrarte tal y como eres ante esta sociedad que a veces se vuelve homofóbica, bipolar y hasta malintencionada?

Los discursos homofóbicos no se pueden destruir. Lo único que se puede hacer es asumir una actitud de resistencia, yo soy un guerrero y lo intento. Por un lado, aprovecho esa beta que se le permite a lo íntimo y personal. Por otro, valorar la necesidad de trabajar con el concepto y el sentido, eso sí, sin menoscabo de la forma. A veces me gustaría ser más minimalista.

¿Por qué los racimos de bananos en la gran fotografía de la “Santa Cena” lo cual abre el discurso hacia otros territorios, por ejemplo, lo político?

Los poderes, la autoridad de la Iglesia, del militarismo y del Estado son responsables de generar esos espacios normativos de los que hablamos al inicio. En la fotografía “La negociación” (Estos chanchos también comen guineo), se presentan figuras del poder que reprimen lo mismo que ellos hacen o quieren hacer. Los personajes negocian entre ellos y con su propia sexualidad; pero los espectadores también lo hacen; ya que asocian los simbolismos en la imagen y generan el sentido del discurso: los chanchos (el poder corrupto y, a la vez, las nalgas), los bananos verdes o guineos (los penes), y la cena (la festividad, la comelona, la holgura, lo orgiástico).

Fotografías cortesía del artista.  

La intensidad discursiva de esta muestra en la Sala 1 del MADC afecta a todos por igual delante de las preferencias sexuales, nos implican. Andar esos espacios donde cuelga el símbolo de un enorme falo construido por rosarios, brillos y luces, que proyecta sobre el pavimento de la sala un video “gelatinoso” donde se observan individuos que tratan de alcanzarlo: tema central de la muestra, él, ella, yo, aquel, aquella, ante lo cual uno no sabe qué decir o qué actuar para no salir agredido; en tanto su autor es un “guerrero” que imprime el gesto actual de la incertidumbre y las contingencias del cotidiano existir.

  

0

diseñacr

Luis Fernando Quirós

Share

Christopher Cozier: ENREDOS

06.08.2015 | 09:20

En el universo del arte contemporáneo encontramos abordajes a una amplia diversidad de discursos muy propios del acontecer, los cuales nos anclan y activan a intentar (des)enredar significados, tal es el caso de la muestra de Christopher Cozier en TEORéTica Arte + Pensamiento, curada por Miguel A. López -15 de julio al 26 de setiembre 2015-, propuesta que discurre sobre esos grandes asuntos centrales en la actualidad que atañen a la política, la economía, los estudios crítico sociales, y que en tanto mueven al orbe también interesan al arte.

Christopher Cozier: ENREDOS Foto cortesía de Teorética

Un determinado parangón
Para comprender el tema de las pugnas hegemónicas en los mercados, y en especial el de los hidrocarburos, me motiva a recordar nuestra propia historia nacional, en particular un discurso del tres veces Presidente de la República de Costa Rica José Figueres Ferrer, quien en una de sus intervenciones televisadas, explicó a la población el origen del fenómeno que afectaba la economía y la política local, tan golpeada en los años setentas y ochentas del siglo anterior. Criticaba a los estadounidenses quienes al concluir la Segunda Guerra Mundial y en pleno desarrollo del conflicto Este-Oeste recordado como la Guerra Fría, cambiaron la fabricación de armamento militar para producir autos de uso civil, pero aquella enorme industria automovilística necesitaba vender sus frutos, entonces los estrategas nos enseñaron a experimentar un modelo de vida como el suyo, donde todos podíamos tener auto, pasear con la familia, dejar de andar en autobús; nos los vendieron a bajo costo -en esos años el precio del barril de petróleo era bajo, por tanto los combustibles también. Pero tardó en que alcanzara éxito la exportación de la industria automovilística norteamericana e intrincaran nuevos agentes políticos en el ajedrez mundial, que mostraron los garfios del poder entronizado a costa de todos nosotros: subieron los precios del petróleo y por ende los combustibles, aceites, refracciones, literalmente todos quedamos guindando como marionetas, bajo la influencia de sus tácticas hegemónicas.

Christopher Cozier: ENREDOS Fotos cortesía de Teorética 

Mecanismos de dominación
La propuesta de Cozier juega con esos artilugios de la distribución y venta de hidrocarburos, sus personajes en “Gas men 2014” y “Globe, 2015” -cual “cowboys” en una “coreografía masculina” –como la denomina el curador y que nos evoca aquellas estrellas que hicieron grande al cine norteamericano-, se sirve del ícono de la pistola de verter combustible como si fueran armas para intrincar en el ardid de detentar el poder, además de mangueras como lazos para atraparnos, en tanto somos los dominados dentro de esos juegos de tensiones del mercantilismo. Configura verdaderos monstruos con cuerpo y extremidades dibujadas por escrituras a mano, a manera de poesía visual, cuyos puntos terminales son objetos de esa jerga del mercantilismo la cual nos tiene atrapados dentro de las redes, internet y otros mecanismos enmarañados desde el Distrito de Comercio Mundial de Nueva York, con sus flujos de numerales que marcan el ritmo donde cada día ganamos o nos hundimos.

Christopher Cozier: ENREDOS Fotos cortesía de Teorética 

Críticos escenarios
La propuesta de Christopher Cozier en Teorética, exhibe video, fotografía y un conjunto de dibujos donde reptan esos monstruos, asimilan el “enredo” de vivencias cotidianas en nuestros países, otro discurso de poder que implica la crítica social sobre estas realidades locales, como los desplazamientos migratorios en el continente para llegar al Norte, o como “la bestia” que atraviesa el territorio mexicano cargada de hombres, mujeres y niños centroamericanos, encabritando sus sueños de alcanzar el modelo de vida de aquel país. Algunos dibujos sugieren amarras de los ambientes portuarios, las cuales se deshilachan y saltan aquellos hombrecillos de negro con pistolas de máquina de hidrocarburos, retándose mutuamente. Con gestos fuertes y contundentes de buen grafista Cozier dibuja dichos escenarios renegridos en tanto asemejan los hollines producidos por la bencina, infractor que incrementa el efecto invernadero. Entonces, el impacto de la muestra pesa más en la conciencia del espectador al detonar otro discurso, no solo el económico y político, implica lo ambiental, ante un planeta Tierra que fenece, donde no nos tocará más que comportarnos como topos o aquellos bichos “neokafkianos”, al roer dentro de la gran madriguera o fractura producida por la ingeniería petrolera, con su enjambre de ductos y tripero que antes estuviera repleta del codiciado oro negro.

Christopher Cozier: ENREDOS Fotos cortesía de Teorética 

La muestra del artista caribeño originario de Puerto España, Trinidad y Tobago, es en suma intensa, activa a explorar ricas y variadas lecturas de sus enigmas y cuestionamientos, tan propio del arte de nuestros días en tanto sus puntos de inflexión conectan a otras interpretaciones, porque el asunto de los combustibles tanto como las estrategias de dominación de siempre, son responsables de la calidad de vida urbana en esta ciudad actual tan hacinada, contaminada, deteriorada, donde los autos no se mueven porque ya no caben en su entramado, y tanta tensión entorpece las conductas y emocionalidad del habitante; desesperanzados, solo nos queda sortearnos bajo los lazos de los “cowboys” de Cozier que de repente encañonan con las pistolas que vierten el fluido de la discordia.
  

0

diseñacr

Luis Fernando Quirós

Share
Distribuir contenido
Experimenta_planet es una red colaborativa de empresas que apuestan por compartir estrategias y generar valor añadido para sus proyectos y sus experiencias. Una red formada por firmas de reconocido prestigio que consideran el diseño y la calidad como valores irrenunciables de su actividad y la colaboración cómo la mejor respuesta a las presiones del mercado.

Nuestros Blogs

Diseño, investigación e innovación para la Sostenibilid
Verböten, un blog de arte
Experimenta, cultura del proyecto e innovación creativa
Fashion
18 Milímetros

Experimenta tv

See video
Bisdixit, el proyecto gráfico de Experimenta 67/68
05.03.2015
See video
Lavernia & Cienfuegos
26.11.2014
See video
¡En la cocina con Lavernia & Cienfuegos y Experimenta!
09.09.2014

Lo más visto

La escuela de arquitectura y diseño March publica el anuario 2013-2014
05.08.2015
Fritz Hansen reinterpreta la silla Serie 7 de Arne Jacobsen
03.09.2015
Join the Pipe o cómo sobrevivir al plástico
02.09.2015