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MAYINCA 2014: Cartografías

15.10.2014 | 12:23

El curador de la segunda MAYINCA, Rolando Castellón, muestra d arte contemporáneo en el Museo Municipal de Cartago, la subtituló “Cartografías”, para celebrar la declaratoria de UNESCO, que en este año seleccionó a las esferas de piedra hechas por nuestros ancestros prehispánicos en el Valle del Diquís, Zona Sur de Costa Rica, como Patrimonio de la Humanidad. La muestra se inauguró el 12 de Octubre y estará abierta hasta el 21 de Diciembre del presente año. La primera MAYINCA (enlace catálogo on line) tuvo lugar en la Galería del Auditorio Roberto Sasso de la Universidad VÉRITAS por estas mismas fechas, también con la misma inspiración.

Rodrigo Muñoz, pinturas con lodo sobre mastate, 2014. Ávila Ricardo, “Petroglifos del Valle de Aquiares”, 2014. Pintura acrílica sobre tela. Fotos de LFQ.  

Al conmemorar el Día de Las Razas 2014 con la apertura de esta exposición, celebramos nuestra raza, la de los ocho pueblos originarios que hoy habitan la montaña, el valle, evocando el arte de sus ancestros materializado en piedra, cerámica, orfebrería y tejidos, entre otras manifestaciones de su ingenio.
Las esferas de piedra son como espíritus del bosque, hundidas entre las hojas, troncos, raíces y bejucos de los árboles, entre los ríos Sierpe y Térraba, Valle del Diquís, simbolizando la noción terrestre que conforman una cartografía cuyo ignoto significado aún nos aviva por descifrarlo.

Luis Carlos Bonilla Soto, “Continuidad Desapercibida”, 2014, fotografía digital. Alexander Chaves Gould, “Gesto Aborigen”, fotografía digital, 2014.  

Artistas invitados
Un importante grupo de veintitrés artistas conforman la muestra que está montada en la “Explanada del Mural” y las celdas –en tanto ese espacio expositivo fue la Comandancia de aquella ciudad, cuna de la cultura costarricense. Ellos son Otto Apuy, Minor Arias, Ricardo Ávila, Luis Carlos Bonilla Soto, Mirta Castro, Moyo Coyatzín, Dinorah Carballo, Carolina Córdoba, Yula Cambronero, Liesse Quesada, Alexander Chaves Gould, Alexander Chaves Villalobos, Edgar León, Ileana Moya, Rodrigo Muñóz, Adolfo Siliézar, Andréa Siliézar, José Sancho, Henry Vargas, Emilia Villegas, Luis Fernando Quirós, Rodolfo Uder y Jorge Zamorán.

Minor Arias, “Mascarada” arcilla. Mirta Castro “Petroglifos”, piedras de río. Foto LFQ. 

Abordajes y/o cartografías
Otto Apuy presenta “Madre Esfera” -ensaya la idea del origen terrestre-, que está por parir una de estas esferas interpretada desde su lenguaje cargado de simbolismos de la diversidad cultural que identifican la nación costarricense: la aborigen, la afro-caribeña, la china, la europea, ahora sumida en las celdas, encerradas si se quiere, noción que acrecienta la interrogante sobre su valor y con ello el artista nos cuestiona y activa a meditar.

Minor Arias, poeta y artista visual exhibe “Mascarada”, hecha en arcilla para rescatar la idea de que fuimos hechos del lodo. Un gesto de espasmo reprimido colapsa esa cabeza contra el pavimento de la explanada como si en sí misma experimentara el dolor del mundo. También presenta la recreación de una esfera la cual contiene la garra de un leopardo, contingencias en la vorágine donde aún habitan muchas de estas etnias indígenas actuales.

Ricardo Ávila, con la pintura “Petroglifos del Valle de Aquiares, 2014, uno de los petroglifos más importantes en torno a los vestigios arqueológicos encontrados en el Monumento Nacional Guayabo, Turrialba, reinterpreta, en su lenguaje naïf característico y técnica de trazos fragmentados, para tornar a su propuesta un mapa lúdico, gesto de desenfado que activa a su vez la reflexión acerca de los tesoros del arte originario.

Luis Carlos Bonilla Soto exhibe “Continuidad_Desapercibida”, 2014 que representa el cementerio de Tucal, provincia de Carchí, frontera entre Ecuador y Colombia, tierras de los indígenas Pastos. Son esculturas arbóreas que abordan la continuidad de la historia y como aprecia su autor “pese a los ocultamientos, desgarres, intentos de anulación e incorporación de distintos elementos a la configuración de las culturas, los rasgos y las maneras de hacer y concebir heredadas se reproducen, cual si fuesen hilos invisibles que amarran la unicidad y continuidad de esa historia compartida”.

Mirta Castro centra la idea de petroglifo al calar unas siluetas en un conjunto de piedras de río, acción evocativa del ayer, cuando nuestros pueblos originarios las grabaron para registrar sus percepciones de fenómenos como el fuego, el agua del río, el trueno, el terremoto, el huracán, sellando con esas estrías talladas en la piedra, su imaginario y comprensión del estar y ser parte de lo creado.

Ileana Moya “Paralelismos”, instalación, 2014. Anónimo, instalación, 2014.. Fotos LFQ. 

“Alma del Valle”, instalación 2014. Dinorah Carballo, Carolina Córdoba, Yula Cambronero y Liesse Quesada, “Cartografía: Dialéctica de las piedras”, 2014, instalación. Fotos LFQ. 

Moyo Coyatzín “ARTSéum Cartago”, instalación. Fotos LFQ. 

Hablar de Moyo Coyatzín es hacer alusión al alma de la muestra, a su maestría como artista visual y como sensible museógrafo que nos sorprende en cada detalle, en cada trazo, en cada interpretación del espacio, la luz, la idea cartográfica tejida por sus propuestas que conviven con las de otros artistas. Su propuesta “ARTSéum Cartago” posee la gracia de la paradoja: un museo mismo en el reducido espacio de la celda del museo, y en ella instala sus vestigios y registros colectados en su andar, con el fuerte impulso de la mirada que rastrea cada centímetro cuadrado del territorio para celebrar lo encontrado: piedras, espinas, ramas, hojas, semillas, caparazones, pétalos, tierra, lodo, dibujos, escritos, con la idea central del origen, de la esfera, de la raza.

El grupo formado por Dinorah Carballo , Carolina Córdoba, Yula Cambronero y Liesse Quesada, exhiben una instalación titulada “Cartografía: Dialéctica de las piedras”. Abordan distintas situaciones de la cultura contemporánea, al observar el pasado como un mapa de trazos, quipus o modos ancestrales del lenguaje vernáculo de algunas regiones del continente Americano. Se trata de un poético acercamiento al contexto de la muestra, que nos propone reflexionar sobre el arte actual y sus distintos ángulos para ser mirado.

El fotógrafo Alexander Chaves Gould con “Gesto Aborigen” nos propone discernir sobre el antepasado y la fogosa idea de la máscara, en este caso utilizando una osamenta de una vaca y una cabra. Anuncia quizás el gesto de la muerte, de lo que se va pero queda, rastro para comprender la noción de la vida y la cultura contemporánea atizada por las contingencias e incertidumbres cotidianas.

El escultor Alexander Chaves Villalobos, exhibe “Bombas y Sujetos”, instalada además en una celda cerrada por barrotes y candados, lo cual genera una fuerte tensión que excita la experiencia existencial: lo que somos, como somos y en qué condición estamos en este mundo. Cavilación que implica la privación de libertad vívida en un tiempo neutro que detona, silencia o escabulle en el apretado intersticio de cuatro paredes.

 Alexander Chaves Villalobos, “Bombas y Sujetos”, instalación. Fotos LFQ.

Otto Apuy, “Madre Esfera”, 2014, instalación. Foto LFQ.

 José Sancho “Incubación”, Talla en piedra. Foto LFQ.

Edgar León creó un territorio marcado por los datos, los numerales cifrados en la noción del tiempo-espacio, poético y conmemorativo; al incluir una pieza artesanal del águila precolombina, sitúa en el sugestivo tema central de Mayinca Cartografías, así como el ejército de siluetas o simbologías humanas proyectadas desde su centro óptico irradiando unl universo de pensamientos.

Iliana Moya instala una pieza en la cual juega con la idea de la esfera, en fotografías y esferas físicas que provienen del fruto de un árbol, el cual ella colectó y ahora aprovecha la idea de especular propia del espejo, para reflejar no solo la figura sino también luces y sombras arrojadas sobre la superficie. Tres fotografías adosadas a los muros de la celda, con esos frutos de la naturaleza, generan una imagen instigadora por su abordaje a la condición física de la materia ante la inmaterialidad de la luz.

Rodrigo Muñoz elabora sus pinturas con lodo sobre mastate, una fibra utilizada por los artesanos indígenas con la corteza de un árbol, como materia prima de sus productos artesanales. Pinta signos intensos que recuerdan las protoescrituras y los signos ideogramáticos mayas, o los petroglifos tallados en piedra por nuestros pueblos originarios.

 Edgar León, “Territorio Expandido”, 2014, instalación. Foto LFQ.

Adolfo Siliézar, “ST”, 2014. instalación. Andrea Siliézar, “ST”, 2014. Foto LFQ

  Jorge Zamorán, “Casa”, 2014, madera y tierra. Emilia Villegas “ST”. Fotos LFQ.

 Rodolfo Uder, “Bejucos de Árbol y foto de Sala. Foto cortesía de Alexander Chaves Gould.

Adolfo Siliézar presenta una instalación bastante dramática con maderas carbonizadas o pintadas con tierra, y cuerdas. Generan la idea del final escatológico cuando la condición humana se degrada, carente de tácticas para la supervivencia de la raza; sin embargo, permanece la memoria, la poesía de lo que se fue o se hizo, quedan las huellas.

Andrea Siliézar presenta dos piezas intituladas, maderas provenientes de procesos constructivos autóctonos como el bajareque y el adobe hechos con lodo. Utiliza además una planta de maíz viva quizás para alivianar la fuerte tensión dramática de esos escenarios, que pueden significar memoria, pero también situaciones de desesperanza ante el desparpajo que provoca a crisis.

El escultor José Sancho presenta “Incubación”, una talla en piedra en la cual coexisten dos lecturas, la del rostro de la raza en la percepción frontal de la pieza, y de una maternidad en la lectura lateral muy, bien articuladas al conformar una sola pieza.

De Rodolfo Uder se exhiben unos bejucos colectados en la montaña, en las cuencas de los ríos allá en la zona de Guanacaste, abre la lectura del marco, cuadrado o rectángulo, en cuyo perímetro serpentean estos bejucos como esas fuerzas de la naturaleza en los liminares de los hombres de maíz, cuyos espíritus suben o bajan por el Axis Mundi representado por la ceiba pentandra en la cosmogonía ancestral de estos pueblos.

Henry Vargas presenta América Fragmentada, una instalación que aborda la idea de la excavación arqueológica, donde se descubre además de un metate de piedra precolombino, la mascota del Mundial de Fútbol Brasil 2014, lo que le imprime un tono jocoso pero punzante a la propuesta.

Emilia Villegas, en el espacio de ARTSéum Cartago, exhibe una pieza que nos sume en el imaginario del micro o macro cosmos, el que habitamos en los sueños e interioridad, o en esos trazos tan estilizados de los cuales deducimos a una aventajada grafista.

El joven artista Jorge Zamorán Fitoria exhibe “Casa”, un ensamble con maderas y tierra que aborda la idea del espacio enmarcado en una ilusión de morada interior, donde coexistir y vivenciar nuestras necesidades humanas pero que a veces se vuelven más que espejismos. La pieza se inserta en el ARTSéum Cartago de Moyo Coyatzín, un museo dentro de otro museo.

Henry Vargas B. "América Fragmentada" Instalación 2014. Foto LFQ.

Vistas del la explanada de la sala del mural intervenida por Moyo Coyatzín con frutas y verduras. Fotos LFQ.

Conversatorio inaugural
El evento estuvo precedido por un conversatorio organizado por la Fundación INTERARTES, titulado “Presencia Indígena en la Cultura Costarricense”. Inició con la disertación de la doctora Magda Zabala quien introdujo “Poetas Indígenas Contemporáneos”, mapeo de situaciones adversas que enfrentan estas manifestaciones creativas, que no son aisladas de nuestro país sino que también repercuten en los demás países centroamericanos.
El docente de la Universidad de Costa Rica Alí García, expuso sobre el uso de la lengua Bribrí, de una de las ocho étnias originarias que pueblan el territorio nacional. Henry Vargas y Daniel Soto de la Sede de Occidente de la UCR en San Ramón, presentaron el catálogo digital de la muestra “Remanente Precolombino. Arte + Diseño 2013, realizada en esa sede.
Además se presentaron dos actos de carácter cultural, el primero de Severiano Fernández, un narrador y cantor indígena, y el poeta Minor Arias, quienes interpretaron poesía, exaltación a las fortalezas de sus culturas, lo mismo hizo Moyo Coyatzín quien intervino con varias lecturas de poetas indígenas centroamericanos.

 Espectadores el día de inauguración. Fotos LFQ.

La muestra MAYINCA CARTOGRAFÍAS (enlace catálogo digital) carga de contenido a un espacio de evocación para conmemorar a través de las meditaciones entabladas por los artistas y sus obras, con sus diversidad de formas de pensar, hoy expuestas en cada celda, piedra, fruto, bejuco, madera, bloque de concreto. Virtud del museo como ente productor de cultura y de generar conocimientos delante de la crítica sobre lo globalizado, que pretende neutralizar la noción de singularidad de lo propio delante de las presiones neohegemónicas y mercantiles que irradia el poder central; aquí acuerpa otra tensión significativa la pieza de Edgar León, cuando fuimos y somos un número en los registros mercantiles, notorios en tanto y cuando sigamos comportándonos como consumidores.

 

  

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Luis Fernando Quirós

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CASTLEHEAD de Nelo Vinuesa

10.10.2014 | 10:36

La imagenes el resultado de una construcción espacio-temporal. El espacio suele estar definido por el formato: el rectángulo, el cuadrado, el tondo y, en otras ocasiones, éste somete la representación a la mimesis en paredes o cúpulas, apareciendo el mundo y diluyéndose la arquitectura. El tiempo queda detenido, aprisionado incluso, en los límites del espacio, pero también en la cronología de su época. La cultura visual, el arte en sus diversas variantes lingüísticas, constata el devenir concreto de estos registros, que actúan como marcas en la pared de la historia. El cuadro se construye asumiendo el peso completo de la representación. Esa imagen generada desde el vacío es el puntal de una mirada personal transformada en acontecimiento: se ofrece como narración de unas ideas y como deseo constatable de que esas ideas encuentren un público.

La imagen-fija delimita su complejidad con el paso del tiempo –constatable en el envejecimiento de las cosas y las caras– en el movimiento de las apariencias de sí, como las sombras en la caverna. De ahí que los límites devengan aristas: intermediarias entre un plano y otro, ajenas a las luces y las sombras que éstos reciben y reflejan, pero íntimamente ligadas a ellos, pues permiten la sutura y el pliegue, ejercen su función de bisagra. Las aristas son a la forma lo que las líneas al plano; economía de medios y funcionalidad máxima. El proyecto Wild Pulse de Nelo Vinuesa (Catarroja, Valencia, 1980) gana en complejidad al incluir el tiempo. Dicho así puede parecer una obviedad, puesto que se introduce el movimiento, y éste se genera por la sucesión continuada de escenas. Es un “movimiento aparente” que se ha asumido como ejemplo veraz de la realidad y que ha llegado a día de hoy reincidiendo sobre los mismos planteamientos técnicos, sólo que más sofisticados. Pero en este caso, espacio (escultura) y tiempo (videos) vienen a completar la pintura, imponiéndole ritmo y velocidad por un lado, y convirtiéndola en escultura tridimensional, en el otro.

El aparataje del artista evoluciona y muta de la superficie plana al movimiento generado por la animación y al espacio necesario para disponer lo escultórico, pero todo sirve al mismo fin. Las piezas que conforman Wild Pulse confeccionan un archipiélago de elementos que por separado mantienen sus individualidades, pero que al estar en cercanía unas de otras, ofrecen una versión más compleja y rica de sus propios planteamientos aislados, unidos por aquello que les separa. Desde sus comienzos, la obra (pictórica) de Nelo Vinuesa ha introducido con naturalidad materiales híbridos ajenos al estado natural de la pintura (por ejemplo plásticos y vinilos), pero cuyas propiedades enlazaban con el acrílico y con la necesidad de plantear el cuadro como tablero de juego y experimentación donde confluyeran todas las posibilidades al unísono. En esencia, predomina la creación de un universo complejo donde caben todas las inquietudes generadas por el artista, conviviendo juntas en la misma superficie. Al mismo tiempo, este universo resulta familiar por sus múltiples vías de reconocimiento con la pintura clásica y su preocupación máxima por la construcción del paisaje; con la síntesis formal de los juegos de ordenador primigenios y su estética de 8 bits; con la posibilidad constante de una salida de la pintura ante la encrucijada de su ensimismamiento.

La serie de seis vídeos es un retrato poliédrico de la ciudad de Londres, la gran metrópoli ajena a muchas influencias y ella misma generadora de todas las imaginables. La ciudad es una protagonista que interpreta varios papeles principales: la mezcla racial y su carácter cosmopolita (Portraits); la dificultad de mantenerse a flote física y anímicamente en una ciudad tan demandante (Fall); los conflictos y revueltas sociales (Isle of Haunts); la omnipresencia del paisaje, de los jardines y bosques dentro de la ciudad o en sus límites (Lotus, Winternight) y la mirada perdida pero activa ante todo lo que ocurre, en ese espléndido Panorama.

Por otro lado, la instalación Treassure Island consigue trasladar al ámbito tridimensional ese propio universo realizado por capas opacas y traslúcidas en los vídeos y las pinturas, predominando una voluntad de juego y de tablero donde desarrollarlo. Realizar la maqueta de un mundo es aprehenderlo y constatar la complejidad de su diseño: conocer el funcionamiento de todo lo que nos rodea para convertir la inconmensurabilidad en simple y llana funcionalidad.

Álvaro de los Ángeles

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Tactelgraphics Studio

Tactelgraphics

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Antonio Pérez “Ñiko”: el lápiz de la imaginación

09.10.2014 | 16:22

Hoy quiero sumirme bajo la sombra benéfica de un buen árbol: el maestro y diseñador gráfico Antonio Pérez González “Ñiko”, de nacionalidad mexicana, en tanto dicen que “quien a un buen árbol se arrima, con su sombra se protege”; e intentar conceptualizar qué significa el taller para el diseñador, sea gráfico, de productos, arquitecto, artista. El taller es un espacio donde están los activadores para desarrollar un proyecto. Ahí nos sumimos a pensar teniendo como medios los materiales, las herramientas, el entorno y su significado, además de la necesidad de resolver un determinado tema.

Antonio Pérez Ñiko. "Nos amamos tanto". 1977. Foto cortesía del diseñador.

El taller es sinónimo de desafío cotidiano, de estimular habilidades a través de la ejercitación y el manejo de técnicas; una vez superados los escollos de la rutina se entra en el dominio de lo expresivo y lo conceptual, donde asoman los contenidos que se convierten en sí mismos en activadores emocionales que acrecientan nuestras competencias y al comunicarlos empoderan al receptor de dichos mensajes. Si el diseñador como individuo creativo no persigue ese estado, vano sería llegar cada día a ese espacio, y sin duda encontraría una buena silla -que es cierto nos hace descansar, pero desde esa posición marginal se verá como otros nos adelantan.

Antonio Pérez Ñiko. "El hombre y el mar en el cine". 1979. Foto cortesía del diseñador. 

LFQ: ¿Cuáles disciplinas del diseño cultiva Pérez Ñiko: la ilustración, la cartelística, la creación de fuentes tipográficas, el diseño de marcas, la publicidad, el empaque?
Antonio Pérez González, Ñiko: He trabajado muchos aspectos y especialidades del diseño gráfico, pero en lo que me he destacado, porque es mi vida, es el cartel. Tengo alrededor de 600 en los más de cincuenta años de trabajo.

LFQ: Descríbanos un breve repaso por su formación y experiencia profesional.
Ñiko: En la pregunta anterior menciono el tiempo en estas lides. Estudié y me licencié en Historia del Arte en la Universidad de La Habana. Llegué a México hace 26 años y he realizado infinidad de experiencias, proyectos, concluidos y solo quedados en las ganas de hacer. Muchos, pero muchos. Mi actividad mental es imparable. Me encanta imaginar y llevarlo a su realización.

Antonio Pérez Ñiko. "Los Marielitos". 1977. Foto cortesía del diseñador. 

LFQ: ¿Por qué titula su blog “Soy Tímido?
Ñiko: Este es un cartel para una película italiana de humor de 1978. Fue un ejercicio que me gustó y posteriormente lo tomé como imagen personal. Pues creo ser un tanto tímido, en algunos aspectos de la vida, pero finalmente enfrento todo y lo hago, por eso digo... pero me defiendo.
Así, la imagen del cartel es mi tarjeta personal de presentación. Incluso mi correo electrónico, los dos.

LFQ: ¿Cuál es su experiencia en el taller, con su entorno de trabajo, qué encuentra?
Ñiko: Mi taller es todo, la calle, el lugar donde vivo, lleno de árboles y el ruidoso, pero apacible río. La gente, los animales, las piedras del camino. Mis alumnos. Mi bella pareja. El sol y en contraste la humedad y la lluvia característica de donde habito. Digo esto porque todo debe servir para ser creador. Finalmente es disfrutar todo lo que la vida te brinda y aplicarlo en tu trabajo.

Antonio Pérez Ñiko. "Una profunda mirada al mundo de hoy". 1977. Foto cortesía del diseñador. 

LFQ: ¿Qué le motiva a experimentar, a investigar, a abordar un proyecto?
Ñiko: Soy exigente y cuidadoso, pero “curioso”, muy curioso y no dejo nada a la ignorancia. Cada trabajo esta permeado de toda la experiencia y de la información que me facilita las ideas. Escribo lo que voy a hacer. Todo pasa por el análisis y el cuidado de la reflexión. Soy y me siento espontáneo. También, le hago caso a lo que mi experiencia visual me determina. Me sugiere. Creo en eso.

LFQ: Una vez advertida la motivación –cuando uno dice “estoy encendido”, ¿de qué manera se mantiene la fuerza de esa energía creativa?
Ñiko: La energía creativa esta perenne en uno. No se va y aparece cuando la necesita. Debemos alimentarla con todo lo que se es capaz de asimilar. Me encanta escribir. Para poder diseñar con palabras otro sentido de hacer. No soy ni pretendo que me llamen escritor, pero lo hago porque sí. Y soy feliz con esto.

Antonio Pérez Ñiko. "Lo que el viento se llevó". 2005. Foto cortesía del diseñador. 

LFQ: Recordando el título de aquel importante libro sobre la metodología de diseño, de Bruno Munari, publicado por GG Diseño de Barcelona: ¿Cómo nacen las ideas en diseño?, ¿se provocan o existe la inspiración?
Ñiko: Por supuesto, que es una falacia el decir de la tal inspiración. ¿Cómo imaginarla? Una hadita alrededor tuyo posándose cada vez que te llega la hora de hacer algo. Creo en el trabajo, la investigación, la confrontación, la aplicación de la práctica y también de la teoría (aunque esta te deja asombrado cuando aparece la realidad gráfica).

Antonio Pérez Ñiko. "En un lugar de La Mancvha". Foto cortesía del diseñador. 

LFQ: ¿Cuánto peso tiene la intuición –la voz interior-, en el trabajo creativo?
Ñiko: Le dejo un espacio muy importante. Por lo general hago muchas propuestas, pero hay algo que me dice al oído, muy quedo: ¡éste, no aquel o los otros! Y a ese lo llevo a la realidad práctica.

LFQ: Porque observo en sus carteles la gracia en el uso de las tipografías, ¿qué ofrece al diseñador gráfico la práctica creativa del lettering, o la ejercitación constante en el trazo caligráfico?
Ñiko: En tiempos de Cuba, tenía muchas dificultadas con la tipografía. Una porque carecíamos de muchas familias o tipos diversos. Y esto me limitaba o tal vez, por falta de experimentar o explorar más. Ahora me gusta dedicarle un buen tiempo a las soluciones que te genera la letra. Que valga decir es importante y no secundaria o de complemento de la imagen. Un cartel se llena de una buena solución tipográfica o se apena por la falta de cuidado o desinterés.

Antonio Pérez Ñiko. "Encuentro de Cerámica Interamericano". 1977. Foto cortesía del diseñador. 

LFQ: Hoy en día delante las enormes posibilidades que ofrece la tecnología y existencia incluso de software para el diseño de nuevas fuentes tipográficas ¿es necesaria esta práctica creativa del trazo a mano?
Ñiko: Bueno soy romántico, pero práctico. Ya lo que te brinda la computadora es infinito. Pero, lo más valioso es el tiempo que te ahorra. Que puedes utilizar para seguir haciendo, cada vez más. En lo que dibujas a mano, en trazos, puedes adelantar al tiempo. Que éste vaya detrás de ti no tu, detrás de él.

LFQ: ¿Qué rasgo implica en el diseño de un cartel, por ejemplo?
Ñiko: No se si lo que me preguntas es lo que hago para diseñar un cartel, pero si es esto, parto de platear el tema y revisarlo. Buscar información, la mayor cantidad. Reviso a mi intelecto y le hago preguntas. Las anoto. Trato de vincular el sentido del texto con las ideas que resultan de las imágenes. Hago bocetos burdos a lápiz (creo y me encanta este instrumento del olvido). Busco imágenes de grabados y las intervengo, las limpio y las mezclo, creando una imaginería diferente. Después el proceso digital que lo hago con mi asistente (soy de esos pocos seres que, aunque tengo y utilizo) no quiero aprender la parte práctica de programas y demás. Quiero sentirlo a la distancia y que lo primario sea la parte del cerebro que me ayuda a pensar.

LFQ: Una de las temáticas de las ilustraciones que he observado en sus carteles refieren a los sentidos perceptivos, y en especial al oído y a la vista. ¿Cómo estimularán el diseño el total de los sentidos?
Ñiko: Todo esta en el trabajo que hago. Oigo música, cocino, observo cada detalle que me hace sentir alborotado y contento de estar en esta profesión y en esta mi vida de siempre, pero más de ahora.

Antonio Pérez Ñiko. "Bicentenario de Juárez" 2006. Foto cortesía del diseñador. 

LFQ: ¿Cómo se cultivan las destrezas? ¿Ayuda la exploración y experimentación con técnicas?
Ñiko: Tengo 57 años de profesión. Tal vez, sea un algo para afrontar lo que me pidan o lo que, por cuenta propia, enfrento. Puedo resolver los problemas con agrado sin dejarle que dominen. Los venzo con tranquilidad y emocionado de lo que aparece o sale de mi trabajo.

LFQ: ¿Cómo se aborda la conceptualización, el lenguaje, lo que se dice y a veces no es aparente, pero que tiene una voz y comunica?
Ñiko: La persistencia e indagar todo lo concerniente a lo que puedes y debes hacer. Pensar que tienes que proponer de manera imaginativa tu resultado. El tiempo te determina un lenguaje que tu lo haces platicar con los demás. Sugerir es lo fundamental. Evadir lo evidente como recurso fácil es la constante. Todos tenemos que pensar. El que quieres que entienda y el que comunica. Llamar la atención es un recurso que permite pensar.

Antonio Pérez Ñiko. "Deforestación". 2003. Foto cortesía del diseñador. 

LFQ: ¿Cómo se adquiere el lenguaje, el estilo personal o la manera cómo se dicen los contenidos a través de la gráfica (la poética del lenguaje)?
Ñiko: Confieso que nunca me importó lo del estilo, pero que con el trabajo y el transcurrir de los años, algo había que se mantenía como constante y de diferencia. Sigo sin prestar mucha atención a esto. Pero, se que esta y me identifica en lo formal. Lo que más le presto atención es al contenido. Y sí, pretendo mantener la poesía y el humor como factores indispensables de mi trabajo. Incluso, para mi celebración-exposición de ¨1/4 de siglo en México¨ tomé como tema a Pablo Neruda y su ¨Libro de las preguntas¨. Me di gusto poniéndome a prueba.

LFQ: ¿De qué manera se puede enriquecer el lenguaje?, ¿qué significa enriquecer el lenguaje? ¿Es lo mismo que el término innovación?
Ñiko: Creo que es muy complicado innovar. Y me pregunto - para qué, si todavía podemos decir, de muchas maneras diferentes y con lo mismo. El lenguaje no es uno. Son muchos e interminables en su información y comunicación. Incluso, cada uno de nosotros puede proponer muchas variantes al decir y darle significados diversos. Lo valioso es aprehender de todo lo que te rodea y elevarlo al rango de casi culto, para ti. Hasta lo más insignificante esta lleno de connotaciones. Y así nos haremos entes diferenciados.

Antonio Pérez Ñiko. "Homenaje a Félix Beltrán". Foto cortesía del diseñador. 

LFQ: Quizás, al llegar casi al final de este encuentro con el famoso Antonio Pérez Ñiko, no podemos pasar desapercibidos los talleres que imparte en su entorno; tal vez, incluso, recordar el importante movimiento del cual fue fundador junto con el gran maestro Félix Beltrán, de la cartelística cubana de los años setentas y que identifica no solo a Cuba si no a toda Latinoamérica. ¿Cuál es el principal mensaje que dirige a sus estudiantes de los talleres de diseño que imparte?
Ñiko: Generalmente convoco a la modestia, a la observación, al intercambio de experiencias. Que sepan escuchar y opinar. El opinar y defender lo que hacen y tienen, es indispensable para que sean mejores profesionales y personas. Respetar y aprender de los que llevan trabajando y practicándose en el mundo del diseño por tiempo. Sentir el vivir con intensidad. No dejar que te pase por el lado, sino atraparla y abrazarla para que te acompañe con placer. Ser diseñador gráfico es la actividad más hermosa que puedan disfrutar. Lo haces porque crees en ti y en todos los que lo hacen.

Antonio Pérez Ñiko. "La SDopa". Foto cortesía del diseñador. 

LFQ: Y como cierre a esta entrevista al maestro Pérez Ñiko, volviendo a la metáfora del árbol, quisiera preguntarle: si intentara visualizarse como un árbol, ¿cómo se vería?
Ñiko: Con muchas ramas, largas y suaves, tal vez que enamorarán al que las observa. Sus hojas llenas de muchos colores. Y su tronco como una trama de tipografías variadas, desde las referidas como palo seco, pero en su caso llenas de brotes. Incluyendo letras decoradas y delicadas. Sus raíces como manos que portan el lápiz de la imaginación.
 

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Luis Fernando Quirós

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JULES JULIEN. Vectorizando sueños.

08.10.2014 | 14:40

Una pistola-ardilla, cadáveres exquisitos como si de una fashion-victim se tratase, sueños bajo forma de jeroglíficos...Ya sea sutil o grotesco, con su obra, Jules Julien, cuestiona la realidad del mundo que le rodea. Combinando figuras y objetos familiares, presenta un mundo donde el símbolo se funde con la historia y donde lo extraño se esconde tras de la uniformidad de sus imágenes, meticulosamente vectorizadas. Jules Julien nos permite evadirnos en su mundo subterráneo donde los superhéroes serían Eros y Thanatos y las mayores quimeras lucirían tan atractivas como venenosas.

Después de estudiar artes aplicadas en Toulouse, Jules Julian trabajó como director de arte independiente en París para agencias del nivel de DB y Publicis. Su primera exposición individual como artista, “Cadavres Exquis”, la realizó en la Galería de Arte Diesel Art de Tokio en Japón. Desde entonces, hemos podido ver su obra en numerosas exposiciones individuales y colectivas en ciudades como París, Metz, Londres, San Diego, Zurich, Valencia ... y en revistas especializadas como Nico, NY Art magazine, Artco Monthly…

+info: www.julesjulien.com

1) ¿Te acuerdas de cuando empezaste a dibujar?
Se remonta a mi infancia. Mi madre pintaba, y yo solía pasar el tiempo en su estudio.
En el colegio se convirtió realmente en un hobby, en el recreo, en casa ... darme cuenta de mi propio progreso me animó a seguir y me hizo crecer ...
Me debatía entre la música y el dibujo, pero cuando al final del instituto me hablaron de los estudios de artes aplicadas supo lo que quería hacer. Realmente no había mucha distinción entre el arte y las artes aplicadas, pero lo que vi fue 21 horas de dibujo y la formación profesional el resto de la semana. 21 horas de dibujo, eso me hizo soñar ...

2) ¿Cuáles fueron sus temas preferidos? ¿Tienen algo que ver con lo que haces ahora?
Recuerdo que mis padres estaban preocupados porque dibujaba calaveras y esqueletos. Pero yo no me limitaba a eso, que yo recuerde hacía retratos, desnudos, drapeadas, formas abstractas de las que se hacen mecánicamente cuando estas al teléfono, sino todo tipo de monstruos, eso me gustaba mucho...

3) ¿Podías imaginarte viviendo del dibujo?
Desde mis quince años, una vez comenzado el curso de estudios en artes aplicadas, sí completamente. Lo que no sabía es qué dirección decidiría tomar, me gustaba todo y encontré mi camino. Así que he llegado a vivir de ello.

4) Para un artista, el espacio donde se muestra es muy importante, ¿me equivoco?
Está claro que cuando un artista tiene la oportunidad de exponer en un espacio potente es una ventaja. Empezando solo por el diseño de la exposición. Ya no comienza con una página en blanco, dispone del sitio, y por mi parte lo lógico será dialogar con ese espacio que influye inevitablemente en el concepto de la obra. Es como un encuentro, descubriendo al otro aprendemos más acerca de nosotros mismos. Pero también creo que cada pieza o serie deben tener una autonomía propia, capaz de vivir de forma independiente al lugar. Quizás no será lo mismo, pero la capacidad de exhibir de nuevo un trabajo es frecuente, y también funciona. En cualquier caso, yo agradezco tener la oportunidad de desarrollar un trabajo en relación con un lugar, rompe con la soledad del artista lo obliga a bajarse de su pedestal, una especie de humildad forzada que lo ilumina desde un nuevo ángulo.

5) ¿Cuáles son tus próximos proyectos? ¿Podrías anticiparnos algo?

Mi proceso de creación es muy largo, una exposición por año más los encargos de diseño me genera mucho trabajo. Haga lo que haga, y aunque no es evidente para el resultado final, me documentado mucho, leo todo lo que puede estar en relación con el concepto que tengo en mente. En cuanto a futuros proyectos, principalmente estoy con la próxima exposición individual que tengo de la que ya me estoy empezando a documentar aquí y allá. Además de esto, he creado recientemente una serie de porcelanas, una vajilla a la cual le he puesto por nombre "Collection Blanche" editada por TH Manufacture para los que he realizado cuatro diseños exclusivos, más uno que es un cover de una pieza de una exposición pasada. Se lanzó oficialmente en noviembre. En cuanto a futuros proyectos, principalmente estoy con la próxima exposición individual que tengo de la que ya me estoy empezando a documentar aquí y allá. Además de esto, he creado recientemente una serie de piezas de porcelana, una vajilla a la cual le he puesto por nombre "Collection Blanche" editada por TH Manufacture para los que he realizado cuatro diseños exclusivos, más uno que es un cover de una pieza una exposición pasada. Se lanzó oficialmente en noviembre. Acabo de terminar la portada para un single de How To Dress Well con Truly Yours et Adidas. En breve empiezo una colaboración con otro proyecto musical y otro con Laura Welsh y Jonny Stimson.

6) ¿Qué diferencias dirías que hay entre tu trabajo como artista y tu trabajo como diseñador?
Están bastante alejados el uno del otro. El entorno es totalmente diferente. En el diseño o la ilustración, es el cliente que asume los riesgos con su encargo, eso lo tengo muy claro y si algún mensaje tiene que salir del proyecto, es el cliente quién se lo atribuirá, aunque sea yo quién lo lleve a cabo, es su producto, no el mío. Así que el proceso se inicia mediante el descubrimiento y la comprensión de la petición de mi cliente. No nace de mi.
Cuando creo obra propia, es decir como artista, me introvierto, es una parte de mi lo que saco a relucir. es infinitamente más personal.

7) ¿Nos puedes anticipar algo de tu próxima exposición en Espai Tactel?
La exposición se llamará “Blue Series: a romantic cluedo”. enfrento mis propios recuerdos a los del visitante. Imágenes propias que presento de forma parcial, disociando los lugares, las personas, los objetos, las historias ...
El narcisismo de una urraca atraída por el brillo del espejo - El desvanecimiento del iris lidificándose con la muerte - una orgía de caramelos y estrellas, hasta la saciedad ... es un flashback estrellado, una historia caleidoscópica.

8) ¿Quieres añadir algo?
Estoy feliz de haber sido invitado por Ismael y Juanma a unirme a su elenco de artistas en Espai Tactel. Pocas galerías no se siente intimidadas por piezas realizadas digitalmente. Su actitud y su proyecto está lleno de frescura.
Para mi es un encuentro tanto humano como artístico, y eso se me parece.


 

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Gloriana Valverde: Uniforme SELE/CR

06.10.2014 | 10:40

Para el mundo del diseño y en especial al afrontar el proyecto de un nuevo producto, resulta imprescindible observar la naturaleza de los activadores que, en casos como éste, son muy de carácter emocional, afectivo, e implica valores como la empatía por la nacionalidad, por lo cual estar bien enchufados a la realidad de un acontecimiento, puede inyectar fuerza al éxito. La destacada participación de la Selección de Costa Rica en el pasado Mundial de Fútbol Brasil 2014, cohesionó la iniciativa de la diseñadora Gloriana Valverde, al plantearse el diseño de un nuevo uniforme para esta selección, con la idea fundamental de celebrar su desempeño, y lo hizo desde las raíces mismas de nuestra cultura, abordando el arte de los pueblos originarios prehispánicos, para posesionar un factor de identidad y reconocimiento, al ser lucido por el equipo representativo del deporte costarricense. 

Gloriana Valverde. Estudios estructurales de retícula para la camiseta de local, y el proceso de diseño del águila, hilo conductos aplicado a las camisetas y otros elementos comunicacionales. Foto cortesía de la diseñadora. 

Pericia metodológica
En la investigación previa, y caso curioso, la diseñadora captó un importante grado de subestima hacia las poblaciones indígenas actuales -sobre todo en las segmentación poblacional juvenil, considerable del país-, razón por la cual se propuso revertir la tendencia relacionando el posicionamiento alcanzado por la Sele al prodigioso tesoro del arte precolombino, el cual goza de un alto reconocimiento mundial. Por supuesto que esa tarea no fue nada fácil, requirió rigurosidad, documentar, advertir las situaciones de menosprecio hacia la población indígena, e implicó exhaustivos análisis de los resultados arrojados por encuestas u observaciones de campo para la comprobación de las hipótesis planteadas. Por otro lado, las propuestas debieron cumplir con las reglamentaciones de la FIFA en cuanto a consideraciones técnicas, ergonomía, heráldica o utilización de simbolismos propios del ente federado, además del uso de materiales en la confección de uniformes deportivos.


Gloriana Valverde. Escultura de piedra que inspira el diseño de la camiseta de local. Foto cortesía de la diseñadora. 

El proyecto de esta diseñadora –que le posibilitó optar por el grado de Licenciatura ante la Escuela de Diseño Publicitario de la Universidad VÉRITAS-, se propuso el diseño de varios uniformes: en situación de local, visitante, entrenamiento y, como se estila, el uniforme diferenciado para el portero. También, se confirma la fuerza sustentada en dicha investigación, al proponer estrategias mercadotécnicas que pretenden posicionar la nueva propuesta con el “mundo de marca”, capaz de empoderar a los seguidores de la escuadra costarricense, la cual ascendió hasta cuartos de final, entre los grandes del deporte mundial.

Gloriana Valverde. Ilustración del uniforme de local. Foto cortesía de la diseñadora. 

En la búsqueda de los insumos gráficos la diseñadora observó y analizó cientos de piezas de arte de las colecciones y fondos del Museo Nacional de Costa Rica, el Museo del Jade Precolombino, el Museo del Oro de los Museos del Banco Central de Costa Rica, y el Museo de Arte Costarricense -que en estos meses ofreció una muestra de ilustraciones de la cerámica precolombina creadas por el destacado artista mexicano-costarricense Francisco Zúñiga. De ahí derivó elementos estructurales y estilístico reinterpretados en clave contemporánea, resultando el importante binomio cultura-deporte, simbolismo gráfico que arraiga, reinventa y regenera el respeto hacia esos pueblos vernáculos y, por ende, revive el orgullo por la nacionalidad y que representa el nuevo diseño de los uniformes para la “Sele”, como es llamada por nosotros los ticos.

Gloriana Valverde. Números y nombre de uno de los seleccionados en la fuente tipográfica Siwó aplicado a la camiseta de local. Foto cortesía de la diseñadora. 

Diseño tipográfico
Ante la necesidad de un complemento fundamental, la diseñadora no podía dejar de lado la creación de la fuente tipográfica, diseñada exlusivamente para utilizarse en números y el nombre o apellido del jugador, que se porta en cada camiseta. Fue uno de los aspectos más rigurosos del proyecto en tanto median elementos comunicativos, viso-perceptivos y tecnológicos, vigentes en la nueva fuente que fue vectorizada y publicada en uno de los “software” especializados para el diseño tipográfico.

Gloriana Valverde. Proceso de diseño de la fuente tipográfica Siwó . Foto cortesía de la diseñadora. 

Este recurso, requirió pormenorizar diversidad de valores que inciden en los matices de la fuente, superados en el pre-diseño de al menos dos propuestas anteriores a la adopción final de “Siwó” -tal y como ella denominó el proyecto-, vocablo de la lengua de una de las ocho etnias autóctonas que pueblan los territorios indígenas actuales, los Bibrís, etnia que puebla la zona geográfica de Baja Talamanca, Caribe Sur en el confín costarricense limítrofe con la República de Panamá; otro rasgo más que demuestra la fortaleza del proyecto cuando números y letras son también portadores del lenguaje vernáculo, derivada, en este caso, de una pieza tallada en piedra de jadeíta, custodiada en el nuevo Museo del Jade del Instituto Nacional de Seguros.

Gloriana Valverde. Diseño del uniforme de visita, más de carácter deportivo en tanto el local posee una connotación ceremonial de agasajo y orgullo nacional. Foto cortesía de la diseñadora. 

Vuelvo a recalcar que tanto la retícula estructural de las camisetas, que en ocasiones se extiende a la pantaloneta y las medias del uniforme, como otros valores graficados y aplicados iniciaron con el riguroso estudio de las esculturas en lítica, cerámica y oro precolombino, como es el caso de la estilización del águila de oro -cuyas piezas originales se están expuestas al público, como se dijo, en el Museo del Oro de los MBCCR en Plaza de la Cultura, zona central de nuestra capital San José-, y es el hilo conductor del diseño para el nuevo uniforme.

Gloriana Valverde. Diseño del uniforme de visita. Foto cortesía de la diseñadora. 

Factor económico del proyecto
Los componentes estratégicos para la comercialización diseñados en el capítulo de “mundo de marca”, parten de una ilustración que aborda los lenguajes gráficos del arte en cuestión, componen la forma de un corazón, con un trazo sensible más de carácter manual, aludiendo a la pasión y orgullo experimentado hoy en día por la Sele, y estimula a nuevos adeptos para que engrosen este reconocimiento hacia nuestros legionarios deportivos.

Importante destacar que un porcentaje de la venta de las camisetas diseñadas para varón y fémina, así como otros componentes de marca, va a se donado a organizaciones sociales que trabajan en pro del mejoramiento de las poblaciones indígenas del país, que tienen que ver con vivienda, vías de acceso seguras, salud, educación y defensa de su cultura autóctona tan asediadas por la transculturización, el ninguneo y la desigualdad, entre otros males.

Gloriana Valverde. Diseño del uniforme de portero. Foto cortesía de la diseñadora. 

Gloriana Valverde. Diseño del “mundo de marca”. Foto cortesía de la diseñadora. 

Este aspecto económico del diseño pareciera pasar desapercibido, pero es importantísimo considerar, en tanto que el anterior uniforme utilizado por la Selección Nacional en Brasil 2014, aunque en un inicio fue bastante criticado por redes sociales y prensa nacional, vendió la totalidad producida en cerca de un millón de ejemplares, obligando a la Federación Costarricense de Fútbol a exigir a la empresa contratada para su confección a una segunda edición, que elevó lógicamente el precio en el mercado y la aparición de otros diseños alusivos no originales, además de ocasionar un abordaje comercial desordenado, que este estudio de la diseñadora Gloriana Valverde pretende superar a través de sus observaciones, análisis basados en las encuestas realizadas durante el abordaje liminar del proyecto y durante la realización del tan mencionado mundial de fútbol, entrevistas y otros recursos, que, conducidos con profesionalidad en esta etapa proyectual, lo convierten en una práctica referente y acrecientan el rol de las escuelas universitarias que forman a diseñadores para la innovación del diseño local.

Gloriana Valverde. Elementos de reforzamiento del “mundo de marca”. Foto cortesía de la diseñadora.

  

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Luis Fernando Quirós

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