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Renato Manzoni: “Usar la luz”

13.09.2014 | 10:20

Una de las grandes posibilidades que ofrece el universo digital, es la capacidad de crear virtualidad: territorios virtuales que activan cada día más la imaginación humana aplicada a sus prácticas creativas, pero también coexisten en dicho enclave empresas virtuales, arte virtual, amistades virtuales, en tanto el uso de la tecnología nos empuja a ser “nómadas” buscando intersticios de realización o producción intelectual donde vivir con una mejor luz, “un rayito de sol que nos caliente mejor”. En esos terrenos de las redes sociales uno intrinca amistades que no conoce en persona, pero con quien cultivar y compartir, como es el caso de Renato Manzoni, arquitecto, diseñador visual e intelectual español a quien contacté gracias a la publicación de Museo del Árbol -revista virtual con miles de seguidores y colaboradores que se publica cada mes en internet.

Renato Manzoni. “Árbol Desierto”, dibujo técnico vectorial, 2013. Foto cortesía del artista.

Manzoni inaugura la muestra Paisejes Perdidos en Las Palmas de Gran Canaria, del 17 de setiembre al 7 de noviembre 2014, evento que me motivó a contactarlo y encontrar respuestas a las cientos de interrogantes que a diario nos detienen en el camino, intentando saber más.

LFQ: ¿Por qué “Paisajes Perdidos”?, ¿qué hemos perdido del paisaje en esta cultura urbana actual y que nos afecta su ausencia?
Renato Manzoni: Paisajes perdidos no es una afirmación ni una definición: son un estado, son una provocación.
Son “paisajes” y son “perdidos” en un sentido metafísico. No están perdidos; no son paisajes que existan físicamente, sino que están en la conciencia colectiva de todos nosotros, y están en mi subconsciente. Yo los siento como recuerdos semiborrados ¿de una vivencia? ¿de un sueño?
Pero paradógicamente, “están”, son reales porque los materializo; y existen en el momento que cada uno de nosotros los contempla y traen a nuestra memoria recuerdos de otros similares que un día admiramos. Por unos instantes los retenemos en nuestro interior. Más ¿que van a ser de ellos cuando, al momento siguiente, ya no les prestemos atención? ¿Perdidos?

Renato Manzoni. “Sabina” (primavera), dibujo técnico vectorial,  2013. Foto cortesía del artista  

LFQ: ¿Trata de un “paisaje de soledad” el que se advierte en las sociedades actuales ante la sumersión en el universo de lo digital y tecnológico, cuando se dispone del más amplio instrumental para comunicarnos es paradójico que nos sumimos en la incomunicación?
RM: La soledad no es una realidad tangible, es una experiencia, personal y/o colectiva.
Puede que la soledad que se advierte en nuestra sociedad sea consecuencia de un exacerbado individualismo mezclado con un excesiva facilidad comunicativa.
De cuanta más información disponemos, más desinformados estamos. A más recursos y medios de comunicación, mayor es nuestro sentimiento de incomunicación.
La realidad digital y los avances tecnológicos han colaborado sobremanera a ello, pero no son los únicos responsables; son la última consecuencia (hasta hoy) que empezó muy atrás.

Renato Manzoni. “Paseo bajo las amapolas”, dibujo técnico vectorial , 2014. Foto cortesía del artista 

LFQ: ¿Puede el arte activar nuestro pensamiento crítico ante las grandes remezones que afectan a la sociedad de inicios del Siglo XXI y tercer milenio? ¿Qué cuestiona Renato Manzoni con su arte?
RM: El Arte, como parte del Humanismo, cuando es la partícula proyectada del alma del artista, siempre ha incentivado y sigue alimentado la chispa crítica que, como humanos, nos diferencia. El pensamiento artístico nos da alas para ir mucho más allá de lo que el tecnicismo nos promete. Pero ambos son complementarios y necesarios al cincuenta por ciento.
Con mi arte no cuestiono nada de lo que me rodea. Sin embargo, a mi mismo me cuestiono muchas premisas, como persona, como artista y, posiblemente, tales tensiones íntimas son parte de mi lenguaje plástico y se manifiestan en mis creaciones.

LFQ: En su pintura, aunque el tema del árbol es central, ¿cuál es el sentido del entorno, lo que implica o rodea al árbol, las perspectivas, el espacio, las texturas, la visión del paisaje presente en sus creaciones?
RM: En esta fase de mi producción, efectivamente, el árbol adquiere protagonismo. Pero no siempre fue así.
Mi dedicación profesional ha sido amplia y variada: escultura, diseño, arquitectura, etc. Como arquitecto no me ha interesado especialmente solo el diseño, sino que me he comprometido con la ejecución completa hasta el final de los proyectos. Grandes promociones residenciales, de ocio, hoteleras y otras. Con gran éxito y reconocimiento. Pero íntimamente vivía una fuerte contradicción en mi interior: por un lado la satisfacción del trabajo bien hecho, y por otro la inquietud de sentirme en parte enemigo activo del entorno natural, del paisaje en beneficio del paisanaje, del desarrollismo en detrimento de la preservación.
Cuando unos años atrás toda esta actividad profesional terminó, retornó a mí cierta paz interior, y la armonía y la tranquilidad íntima reclamaban su puesto en mi existencia. Y mi proceso creativo también dio un vuelco.
Puedo afirmar que nunca me propuse conscientemente representar árboles ni pintar paisajes: el símbolo del árbol vino a mi y me embargó.

Renato Manzoni. “Serie Vegetal IV”, dibujo técnico vectorial, 2012. Foto cortesía del artista  

LFQ: Siento un fuerte extrañamiento, ¿es capaz la pérdida del paisaje de detonar en nuestra conciencia e implicar la memoria personal de esa manera?
RM: Reafirmo las palabras que escribe el Doctor y doblemente Académico D. Javier González de Durana en la presentación del catálogo de mi exposición: “El ser humano y la naturaleza no pueden ser concebidos como realidades separadas porque existe una estrecha correspondencia entre los estados de ánimo y los estados de la naturaleza. De acuerdo con esto y a la vista de las naturalezas vivas que ofrece Manzoni, se puede decir que sus actuales estados de ánimo -o, al menos, los que vivió mientras realizaba estos paisajes-, eran exultantes, intensos y muy libres o, dicho de otro modo, felices.”
La felicidad no tiene por que ser siempre exultante, explosiva o contagiosa; también es melancólica, romántica, reflexiva, calmosa, intimista, o reflejar estados de introspección o de absorbente contemplación, y ...todo queda reflejado en los cuadros.
Cuando leo las anteriores palabras del mi amigo Javier me reconozco en ellas y afirmo cuanto y qué bien conoce el arte y a sus autores a través de sus obras.

LFQ: ¿Cómo nacen esos simbolismos en su lenguaje o discurso pictórico? ¿De qué manera y cuando los encuentra? ¿Cómo los utiliza para “tocar el corazón” y empoderar al espectador?
RM: El proceso generativo de mis obras de arte siguen el mismo esquema que el de toda mi creación, sea un objeto cotidiano, sea un flyer o un edificio. Inicialmente los siento en mi interior. Los “veo” en mi cerebro ya terminados, en todos sus detalles. Ahora lo único que tengo que hacer es ir encajando las piezas y representarlas con dibujos o maquetas para que nazcan al mundo.
La idea nace en mi interior en cualquier momento, espontáneamente, sin esfuerzo. Este viene después al querer materializarla. Es cuando aparece el lenguaje pictórico o escultórico, el contenido simbolista, el cromatismo y el discurso ontológico que expresa los estados anímicos del momento. Pero todo de una manera involuntaria, instintiva, impremeditada.
Tengo formación académica técnica y artística, estudios humanistas y metapsíquicos: es inevitable que todo ello aflore en forma de símbolos y metalenguajes.

Renato Manzoni. “Serie Vegetal X”, dibujo técnico vectorial, 2014. Foto cortesía del artista  

LFQ: Háblenos de la técnica, se advierte el tratamiento del arte digital, ¿Implica lo digital en esa pérdida del paisaje?
RM: Los últimos diez años toda mi producción artística es digital. Consciente y voluntaria, aunque con una variante respecto a lo que se tiene por “arte digital”.
Es digital porque trabajo con la computadora pero sin utilizar software de dibujo artístico y retoque fotográfico: solo líneas vectoriales, curvas y luces.
Ello me aporta un lenguaje esquemático y de irrealidad que me distancia de la pintura figurativa; ese lenguaje mágico bidimensional (curiosa definición hablando de pintura, pero es que esta desde hace siglo que persigue la multidimensionalidad) que el arte del occidente europeo (y consecuentemente americano postcolombino) perdió desde el Renacimiento. Es una estética más propia de la planimetría del arte iconográfico.
Pretendo que estos paisajes no estén perdidos, sino reencontrados en la dimensión etérea de nuestros sentimientos.

LFQ: ¿Cuál fue la génesis de esta técnica en el proceso creativo? ¿Qué significado adquiere delante de las tendencias del arte contemporáneo? ¿Por qué se dejó seducir por esos recursos y el carácter de visualidad?
RM: Mis comienzos como artista fueron escultóricos y todo lo que con ello conlleva. Luego vinieron diversos compromisos laborales en proyectos que me obligaron a frecuentes y dilatados desplazamientos. Se me hizo necesario adecuarme al uso de técnicas que requiriesen recursos más simples. Vino pues la fotografía, el dibujo, el grabado, el collage, la iconografía..., aunque siempre con un substrato tridimensional y volumétrico.
En mi sempiterna labor de ensayo y búsqueda y fusión de lenguajes plásticos, fue inevitable plantearme el uso de otras herramientas, y como en mis trabajos en arquitectura la computadora era el centro del universo laboral ¿por qué no unir ambas realidades.
Si los dibujos artísticos -me dije- los ejecutara con el software de dibujo técnico, y con líneas formara multipolígonos irregulares encajados unos en otros, obtendré una realidad virtual alejada de la representación fotográfica pero próxima a nuestras realidades.
Y si cada uno de estos polígonos -seguí diciéndome- los relleno con luz al modo alquímico como lo fueron los vitrales de las catedrales góticas, resultará un puzzler cromático que, al verlos, nuestro cerebro ensamblará entre si y el hipocampo los identificará con recuerdos y realidades en él almacenadas.

LFQ: Tal vez para concluir con esta intensa entrevista con Renato Manzoni, quisiera comentar mi percepción donde veo la vida como un camino, y en cada experiencia encontramos un cruce por donde dirigir los pasos y poner la mirada escudriñadora, pero del cuál a veces tenemos que devolvernos, sin embargo, lo importante es lo que se colecta y se aprende de ese recorrido. ¿Cómo caracteriza su andar y el ser “colectores de miradas” en estos caminos del arte y de la vida?
RM: Mi manera de trabajar es muy tradicional, y sigo los métodos clásicos aunque con instrumentos revolucionarios.
El artista al colocarse frente a un lienzo o papel en blanco y, con un pincel o lapicero, esboza su idea general: volúmenes, composición, masas, etc. Luego, poco a poco, distribuye líneas, manchas de color, luces y sombras hasta el objetivo pretendido.
Yo hago lo mismo, o similar: frente a una pantalla en blanco y con un lápiz óptico sobre una tableta digital, comienzo exactamente igual: dibujando los contornos generales para seguir con los fragmentos y las particularidades. A continuación subdivido todo ello en polígonos de líneas rectas o curvas más o menos grandes o pequeños.
...y llega el momento de la coloración. Los recursos electrónicos no nos permiten “pintar” sino usar la luz. No es lo mismo y se trabaja muy diferentemente: esta crea la coloración por adición y las pinturas matéricas por sustracción.
Et, ¡voilá!, ahora solo falta que mi imaginación continúe trabajando de tanto en tanto y siga aportándome nuevas ideas durante muchos años más.

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Luis Fernando Quirós

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Arquitectura y motivaciones: entrevista a Benjamín García Saxe

09.09.2014 | 20:06

Me interesa abordar al arquitecto Benjamín García Saxe para indagar de dónde provienen las fuerzas creativas con que él se sume en su estudio a diario, dispuesto a encontrar caracteres innovadores para sus proyectos. Con él inicié en enero de 2011 este blog “Diseñacr”, con un artículo sobre su casa de Playa Avellanas, Guanacaste; hoy, con esta entrevista, vuelvo a iniciar un nuevo enfoque que pretende dilucidar la naturaleza de esos activadores en el trabajo de diseño, arquitectura y arte, que extenderé a importantes maestros de la región.

Durante el mes de agosto recién pasado que se realizó la Feria de Arquitectura de la Universidad VÉRITAS 2014 en Costa Rica, García Saxe impartió junto con la arquitecta Laura Morelli, un taller para estudiantes -reseñado en un anterior post-, el cual centralizó la experiencia del construir e implicar la vivencia del espacio con la sensorialidad de nuevos y alternativos materiales. Es ahí que aproveché para entrevistarlo y tocar aspectos fundamentales en la formación actual de todo profesional en disciplinas creativas.

Taller impartido por el arquitecto Benjamín García Saxe a estudiantes de la Escuela de Arquitectura VÉRITAS. Foto tomada por los estudiantes del taller, por cortesía de la arquitecta Laura Morelli.

LFQ: ¿Dónde y cuándo encuentras las ideas para desarrollar tus proyectos?
Benjamín García Saxe: Vienen de tratar de encontrar la mejor manera de darle a otros una experiencia íntima y poderosa de vivir en este lugar. La creatividad le empleamos con el propósito de amar a otros y proporcionarles espacios profundos y pertinentes. Creo que las ideas salen de lo que yo personalmente veo que me brinda placer en la percepción del espacio. En realidad lo que trato es de darle a otros lo que para mi es bello y emocionante… muchas veces coincidimos con nuestros clientes en la manera de ver el mundo.

LFQ: ¿Cómo las cultivas?
BGS: Creo que lo que mas me ayuda a cultivar ideas es el estar atento y preparado a ver lo sutil y a veces ínfimo que nos brinda placer. Muchas veces no nos damos ni cuenta que una “tontera” no da tanta felicidad y confort. En lo personal me ayuda mucho poner atención a los detalles del mundo que nos rodea. Además las ideas se cultivan por medio de tratar de humildemente resolver algo que veo que esta mal y que se podría hacer mejor. En realidad hay una necesidad por evolucionar y repensar el “por qué” de las cosas para estar seguros si no hay una mejor manera de hacer lo que ya esta hecho.

LFQ: ¿Cuál es la principal motivación hoy en día para un joven y famoso profesional como tú?
BGS: Existe en plantearse constantemente el “por qué” estoy aquí y de qué puedo ser útil. Me he dado cuenta que entre mas me entrego con honestidad a los demás con mi trabajo mas encuentro una verdadera y duradera felicidad. Me encanta romper esquemas y enseñarles con obras y no palabras que si es posible vivir en un mejor mundo. Me encanta ir en contra del status quo y siempre tratar de motivar a otros a que un cambio siempre es posible.


 
Taller impartido por el arquitecto Benjamín García Saxe. Foto tomada por los estudiantes del taller, por cortesía de la arquitecta Laura Morelli. 

LFQ: ¿Se busca o se encuentra, la motivación viene por añadidura?, ¿cómo surge en el trabajo cotidiano, o en momentos de relax pero activos?
BGS: La motivación en mi caso viene de saber que de algo sirve nuestra obra y que hay otros humanos que se benefician de nuestro trabajo. Los mayores momentos de motivación son cuando vemos familias enteras beneficiadas por nuestra labor, cuando vemos estudiantes repensando su rol como futuro arquitecto y cuando sentimos que somos parte de un cambio positivo para el país.

LFQ: ¿Logras distinguir cuál es la naturaleza de las expresiones de la arquitectura contemporánea?
BGS: En mi opinión existe una arquitectura llena de ego que se expresa en obras que dominan y se imponen agresivamente sobre la ciudad y el paisaje. Al mismo tiempo existen obras sensibles, discretas y humildes que en mi opinión son aun mas rebeldes y probablemente serán las mas recordables por la historia.

LFQ: ¿Qué posicionamiento –de pensamiento o ideas-, implican en el proceso?
BGS: Creo que lo mas fácil es enfocarse en distinguir qué nos parece erróneo o qué podría estar mejor para así poder resolverlo o mejorarlo. Es muy difícil crear algo sin tener una postura sobre su utilidad en este mundo.

Taller impartido por el arquitecto Benjamín García Saxe. Foto tomada por los estudiantes del taller, por cortesía de la arquitecta Laura Morelli. 

LFQ: ¿Cómo cargas a cada proyecto de esas posturas que incrementan el interés en el usuario?
BGS: Tratamos en nuestra arquitectura de crear momentos de “eureka” o realización. Por ejemplo una instalación en la Bienal de Venecia del 2014 que ejecutamos usando bolsas de plástico y agua, hacia parecer un candelabro de vidrio carísimo mientras la verdad es que fue hecho con casi nada de recursos. Le tomaba un minuto al usuario darse cuenta de que lo que veía no era vidrio y no era caro. Era en ese momento que se daba cuenta que con poco se puede hacer mucho.

LFQ: ¿Cómo defines el lenguaje del cual te sirves para comunicarte con los usuarios y espectadores?
BGS: Tratamos de enseñar nuestras ideas de manera muy literal. Enmarcamos un paisaje precioso que a veces al pasar diariamente no vemos. Hacemos que materiales ordinarios se vean extra-ordinarios. Jugamos mucho con la percepción de las personas sobre cuanto cuestan las cosas y su apreciación del sentido de la belleza.

LFQ: ¿Cómo incubas una idea a desarrollar, de qué manera las maduras y realizas?
BGS: Para nosotros una idea debe ser comprobada y probada en un proceso de trabajo literal y explicativo. Trabajamos horas viendo si nuestra idea es posible de traer al mundo de manera literal con materiales y espacios. Las ideas maduran y cambian en el proceso en el que vamos descubriendo como pasamos de las palabras a la realidad de los materiales. 

Taller impartido por el arquitecto Benjamín García Saxe. Foto tomada por los estudiantes del taller, por cortesía de la arquitecta Laura Morelli. 

LFQ: ¿Cómo te preparas emocionalmente para crear en arquitectura? ¿Existe un clima emocional ideal? ¿Cuándo estás preparado para realizarte? ¿En qué momento sabes que dicho proceso concluye?
BGS: Cada proyecto que hacemos es una montaña rusa emocional. En lo personal veo a cada proyecto como una oportunidad y no duermo hasta no sentir que hemos llegado a ser honestos con nosotros mismos y el cliente. 

LFQ: ¿Cuánto influye el medio: la ciudad, el barrio, nuestras habitaciones o entorno en la creación de sus obras?
BGS: El medio definitivamente influye de manera intuitiva y silenciosa. En lo personal trato de ver el mundo que me rodea con los ojos mas frescos posibles para así ver como lo puedo cambiar para bien. Me ayuda mucho el viajar por el mundo y darme constantemente momentos de reflexión sobre otras culturas. El viajar me abre la tolerancia y la creatividad.

LFQ: ¿Cuáles son los grandes temas a tratar por la arquitectura de estos tiempos?
BGS: En mi opinión tienen que ver con la relación de lo construido con el mundo natural, el uso de la energía y la búsqueda de la belleza.

Taller impartido por el arquitecto Benjamín García Saxe. Foto tomada por los estudiantes del taller, por cortesía de la arquitecta Laura Morelli. 

LFQ: ¿Cuál es el proyecto que más caracteres creativos o funcionales lograron activarte?
BGS: Tuve la oportunidad de pasar una temporada en Japón y la arquitectura de muchas edificaciones antiguas/milenarias me cautivo en gran manera por su simpleza y su enorme profundidad.

LFQ: ¿Quedas satisfecho con los logros de un proyecto, o permanece en estado de búsqueda?
BGS: Tomo cada proyecto como una gran oportunidad de mejorar, evolucionar y entender mejor como las ideas se transforman en realidad. La sensación que siempre me queda es mas de que algo se aprendió que puede ayudar a mejorar en el futuro.

LFQ: ¿Cuánto pesa el pensamiento propio en la realización de un proyecto?
BGS: En realidad yo tengo una manera de ver la belleza y como esta se manifiesta en el mundo físico. Muchas veces estas realizaciones son comparadas por nuestros clientes y por ende se forma un pensamiento colectivo de ideas en las que coincidimos. Si es importante haberse hecho la pregona desde un principio y no solamente tomar el mundo como es.

Taller impartido por el arquitecto Benjamín García Saxe. Foto tomada por los estudiantes del taller, por cortesía de la arquitecta Laura Morelli. 

LFQ: ¿Escucha a otros profesionales durante el proceso, o solo escuchas a tu propia voz interior?
BGS: Escucho mucho a las personas de mi equipo ya que ellos tienen una forma diferente de ver las cosas que pueden influenciar de manera positiva un proyecto. En mi caso yo veo que hay mas riqueza en la diversidad de opiniones y no en el arquitecto solo que trabaja aislado.

LFQ: ¿Quiénes son tus referentes?
BGS: Me gusta mucho los escritos del arquitecto John Hejduk y las palabras y aprendizajes que me ha dado el arquitecto Richard Rogers. 

LFQ: ¿Cómo explica la palabra proceso? ¿Qué implica en tu profesión?
BGS: Yo creo que la arquitectura se va descubriendo poco a poco al ir afrontándose con la realidad de los materiales. Veo que en nuestra oficina trabajamos las ideas de manera muy literal hasta sentir que la respuesta y la idea son realmente honestas entre sí. Muchas veces las ideas evolucionan durante el proceso de descubrir que queremos hacer.

Taller impartido por el arquitecto Benjamín García Saxe. Foto tomada por los estudiantes del taller, por cortesía de la arquitecta Laura Morelli. 

LFQ: ¿Qué tácticas posees para empoderar al usuario?
BGS: Muchas veces tratamos de ensenarle el mundo natural al que habita nuestros espacios. En vez de generar espacios herméticos y removidos de su sitio, mas bien tratamos de crear lugares que integren el sitio y que muestren constantemente adonde se encuentra uno posicionado, adonde viene el viento, adonde esta el sol, adonde esta el vecino.
 
LFQ: ¿Cómo y cuándo eres consciente del resultado o frutos de esas estrategias?
BGS: Cuando los clientes/amigos nos indican la experiencia que tienen en los lugares que diseñamos.

LFQ: En la experiencia y actuación dentro de un gran estudio como el de la firma Roger inglesa, ¿Cómo logras para realizarte, para imprimir tu visión de la profesión?
BGS: En un estudio tan grande lo mas importante es no imponer las ideas propias sino mas bien dejar que las mejores ideas siempre prevalezcan independientemente de adonde y de quien vengan. El éxito en mi propia oficina de “Benjamin Garcia Saxe Architecture” me ha abierto las puertas para llegar a ser el Asociado de Richard Rogers en Londres. Creo que el liderazgo esta en la capacidad de poder sacar lo mejor de los demás y saber que uno no lo sabe todo. Un buen diseño siempre es el resultado de una forma armoniosa de trabajar en equipo y encontrar siempre la mejor solución juntos a un problema.

Taller impartido por el arquitecto Benjamín García Saxe. Foto tomada por los estudiantes del taller, por cortesía de la arquitecta Laura Morelli. 

LFQ: ¿Qué implica la adopción de la tecnología en un determinado proyecto?
BGS: Nosotros vemos en la tecnología la oportunidad de hacer mas eficientes nuestras propuestas. La tecnología para nosotros no es la razón de la forma y la belleza del espacio. Yo he visto edificaciones con la mayor calificación de sostenibilidad que son horrendos. La tecnología esta al servicio del ser humano y no debería ser en mi opinión la razón de la forma de la arquitectura. 

LFQ: ¿En cuál proyecto en particular logras imprimir tu lenguaje, tu visión y en lo que tu crees?
BGS: Hace poco terminamos un proyecto llamado Casa Flotanta el cual es una casa construida en un precipicio. Logramos levitar la casa para que la vegetación, el agua y los animales fluyeran por debajo. Esta solución generó una intervención muy suave en el paisaje natural y una especialidad hermosa de vivir en copas de arboles con vista al mar. La tecnología luego se incorporo al diseño para generar electricidad y otras medidas.

LFQ: Si tuvieras que volverlo a construir, ¿Qué cambiarías o terminaría como tal?
BGS: No lo cambiaria ya que esta tan fresco en la mente que no he logrado asimilarlo aun.

Además de los estudiantes participantes en el taller aparecen Benjamín y el arquitecto Juan Carlos Sanabria, Director de la Escuela de Arquitectura VÉRITAS. Foto de Andrés García Lachner.

LFQ: ¿Qué significa para ti la experiencia del construir?
BGS: El construir es el acto de llevar de las palabras a la realidad. Es en este acto que existe hoy en día la mayor disociación entre lo que se quiere y lo que realmente hacemos. En mi opinión hay una riqueza en el acto de “hacer” que no se encuentra en las palabras ni el dibujo. Es ahí donde puede haber una verdadera innovación del espacio.

LFQ: ¿En qué te ha tocado la crisis que afecta al mundo y que también afecta a la construcción y arquitectura?
BGS: Lo que nos ha sucedido es que varios de nuestros clientes nos han dicho que durante el “boom” les fue muy bien pero que ahora que paso esta recesión se dieron cuenta de lo que no quisieran volver a hacer. Vemos clientes mas conscientes con el ambiente y con los recursos; tal vez tienen menos presupuesto pero son mas abiertos a la creatividad y a hacer las cosas bien hechas. A veces de las dificultades salen cosas bellísimas. 

LFQ: ¿Tienes alguna estrategia para mejorar la calidad o vivencia en el entorno urbano?
BGS: Pareciera obvio y casi tonto pero no hay nada mas bello que vivir en una ciudad en donde el peatón y la bicicleta prevalecen. Se hace mas ejercicio, hay menos contaminación y ruido. Otra solución casi que de sentido común es enverdecer las ciudades aun mas. No hay nada mas lindo que una ciudad llena de árboles y vida silvestre. Esto ya existe en algunas ciudades del mundo y es muy factible replicarlo en el trópico.

LFQ: Para concluir con este acercamiento con Benjamín García Saxe, y rememorar aquella verdad expresada por él de que con poco se puede hacer mucho, me gustaría que antepusiéramos un pensamiento o una mirada en la ciudad, en este caso nuestra capital de Costa Rica, ¿te desvela una ciudad como San José y el deterioro que la acecha? ¿Cómo te gustaría mirarla?, o ¿has puesto algún pensamiento en ella?
BGS: Me emociona pensar en el potencial de cambio que tiene una ciudad como San José. Vemos que ya hay un movimiento fuerte de cambio cultural con mas emoción, actividades y participación ciudadana. Me encantaría ver ese mismo dinamismo en el aspecto físico de la ciudad con calles mas verdes, menos carros, mas peatones y en general una mejor calidad de vida.
  

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Luis Fernando Quirós

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Centroamérica en la Bienal del Cartel, México, 2014

04.09.2014 | 09:33

En tiempos de incertidumbres por la aguda situación entre Ucrania y Rusia, las salvajes manifestaciones de terror de ISIS en Irak y Siria, el avance de ébola en África y otras tensiones mundiales, ante esos detonantes las buenas noticias hay que compartirlas y esperanzarnos pues también se debe proteger la paz y a pesar de todo la vida es un camino a emprender cada día. El diseño no está nada aislado de esas situaciones que se ensañan contra la humanidad, su cultura e historia; la política, la salud, la economía, la educación y la cultura también son temáticas para bienales internacionales como las del cartel, donde son centrales la comunicación, la innovación en lenguajes y técnicas que acrecientan la creatividad de los diseñadores.

José Alberto Hernández de Costa Rica, y Lonnie Ruiz de Nicaragua, son destacados diseñadores centroamericanos que exhibirán sus propuestas seleccionadas por el jurado de la Décima Tercer Bienal Internacional del Cartel, México 2014, que se exhibirá en el Museo Franz Mayer de la capital mexicana a partir del 27 octubre próximo, día de premiación, y realización del posterior Congreso de Diseño Gráfico.

Asiduo participante en bienales
José Alberto Hernández participó en la anterior 12va Bienal del Cartel, y estuvo en las anteriores ediciones de la Bienal Iberoamericana de Diseño de Madrid, y para la de 2014 no será la excepción, cuando se apreciará su amplia producción de carteles para el Centro Cultural de España -CCE-, en San José.
Para la 13 Edición de La Bienal del Cartel de México aplicó con tres propuestas de las cuales fue seleccionada “Concierto de Canto y Piano”, serie realizada para el ciclo de conciertos del CCE denominado “De música y músicos”, espacio que difunde la música de cámara tanto de repertorio internacional como de compositores costarricenses por medio de proyectos de ensambles y propuestas musicales independientes. El cartel seleccionado celebra el concierto con Ernesto Rodríguez (tenor), Stacy Chamblin (mezzosoprano) y Manuel Matarrita (piano).

José Alberto Hernández, cartel “Canto y Piano”, 2014. Impresión digital. Foto cortesía del diseñador. 

El cartel –expresa José Alberto-, (y los diseños que trabajé para este ciclo) buscaba darle una forma más lúdica y/o experimental a la manera en que por lo general se abordan carteles de “música clásica”, así para esta ocasión utilicé un lenguaje cercano al “comic” que implica el diálogo entre la voz y el piano.
Me gustaría creer que el espectador primero es captado por la ilustración y luego guiado por su propia curiosidad a completar el mensaje en los textos mínimos que le permitan terminar de descifrar la imagen.
Respecto al lenguaje, Hernández señala que él trata de no definirse específicamente dentro de un estilo, en su lugar lo que intenta es buscar alternativas según cada caso en particular. Me interesa –agrega-, la versatilidad, tener abierta esa posibilidad de cambiar, de probar técnicas y lenguajes, y revisar posteriormente si funciona o no; algunas veces esa revisión, descarte o selección la hago de manera individual y otras en conjunto con el cliente. Lo que sí puedo reconocer (cuando de carteles se trata), es una tendencia a potenciar el uso de pocos elementos, pero si es del caso lo podría variar.

José Alberto Hernández, otras propuestas de carteles de esta serie, 2014. Impresión digital. Fotos cortesía del diseñador.

A la pregunta ¿cuánto pesa la investigación y experimentación en técnicas para su trabajo?, él responde que pesa bastante, porque necesitas investigar para mantenerte actualizado y poder ampliar así tu experiencia al conocer de otros procesos o maneras de pensar y trabajar. Sobre la experimentación José Alberto cree que es parte del trajín actual del diseñador profesional, mantener una dinámica abierta de exploración y cambio, de prueba y error, aprendiendo a leer caminos desde aciertos y desaciertos.
Por lo general –explica-, confío en los procesos, en aquellos que te permiten ir desarrollando poco a poco una idea, la conceptualización surge al conocer y relacionar las necesidades específicas de un evento, de un cliente, de un producto y su público meta.
En el caso particular del Centro Cultural de España –concluye-, mi interés siempre ha estado ligado a la innovación y las estéticas contemporáneas o de lenguajes no tradicionales; esto me lleva a crear gran empatía a la hora de conceptualizar gráficamente mis actividades, ya que al igual que yo están abiertos y anuentes a nuevas exploraciones.

El lúdico portafolio de Lonnie Ruiz
Ruiz comenzó a forjar dicho portafolio desde que estudió en la Facultad de Diseño de la Universidad Politécnica de Nicaragua. Además recibió talleres con diseñadores e ilustradores que impactaron su crecimiento profesional y formación, entre ellos Isidro Ferrer, Felipe Taborda, Alejandro Magallanes y el maestro cubano Antonio Pérez Ñiko, de quien quizás aprendió la gracia y experimentación con caracteres tipográficos trazados a mano, y la poética construcción de sus personajes ilustrados. Agrega que trabaja junto a su padre en ARCO Producciones, desde el año 2001, y es docente en la Universidad Americana en Managua.

Lonnie Ruiz, cartel “Libros Infantiles y Juveniles”, 2014. Impresión digital. Foto cortesía del diseñador.

Desde su perspectiva creativa, Ruiz busca el objetivo de integrar adecuadamente el diseño y la ilustración. Mi relación con esta última disciplina -expresa-, empezó al ilustrar libros para niños, luego me percaté de la oportunidad de usarla como recurso en otras piezas de diseño. En Nicaragua, la década de los años 80 y los tiempos de la revolución fueron sin duda la época dorada del cartel, ya fuese político o social (que en su momento fue casi lo mismo), pero desde entonces, hay menos diseñadores cultivándolo, o por lo menos no tienen ya el mismo poder informativo y visual que antes. Estoy interesado en que mi trabajo y el de otros colegas que también están haciendo carteles, recupere ese valor como pieza de diseño y que se fomente su estudio y elaboración en las escuelas de estas disciplinas creativas.

Respecto al lenguaje, Lonnie Ruiz agrega que dicha retórica de mi trabajo depende mucho del contenido y el tipo de cliente. Busco adaptarme lo más que puedo en cuanto a discurso y técnica, aunque en los últimos proyectos desarrollados trato de utilizar un lenguaje gráfico muy similar (todavía no sé si es mi estilo), pero estoy claro de que no todo lo podré resolver de la misma manera.

Lonnie Ruiz, Décima Tercer Bienal Internacional del Cartel, México 2014, Diseño gráfico e Ilustración, Foto cortesía del diseñador. 

Al referirse al método creativo, acota que se informa lo más que puede sobre el tema a trabajar. Siento –expresa-, la necesidad de conocer bien el mensaje del cliente para no afectar su comprensión con mi “estilo” o las ideas personales. Esto además me permite conocer mejor al cliente y su público. En el caso de la Fundación ¡Libros para Niños!, con la que he colaborado en la realización de estos carteles con los cuales estaré en la bienal de México, estoy comprometido con la filosofía e interés de acercar a los niños y niñas de Centroamérica a los libros y a la lectura.

Concluye: En el cartel del “Día del Libro Infantil y Juvenil”, me sirvió la experiencia personal de haber crecido entre libros, leyendo y escuchando las historias de Andersen, e involucrarme siempre en la producción de libros ilustrados. No me fue difícil entender la connotación autobiográfica de Andersen en el “patito feo”, y representar la visión que siempre tuve de ese personaje.

¿Qué nos queda?
Lo expuesto por estos dos diseñadores regionales, eleva la estima propia de esta práctica creativa, y el valor del diseño al contribuir con el empoderamiento del usuario de sus múltiples productos, sean de comunicación visual y/o funcionales, de moda, industriales, interactivos, gráficos, editoriales. Existe un espíritu creativo y pensamiento crítico que nos debe dejar algo por su sentido tropológico, estímulo a otras brechas desde donde combatir las contingencias de la violencia, la pobreza, las amenazas a la salud, al ambiente, y hacer algo por detener las migraciones de los niños centroamericanos que tropiezan incluso antes de pisar los bordes y espejismos centristas, entre otros detonantes de esta actualidad ya entrada en el siglo XXI; quizás ofrecer un paliativo cultural, político si se quiere, con los aportes de esta nueva camada de profesionales en diseño que redimensionen el momento histórico en el cual nos toca imprimir una huella certera en el camino.

 

 

 

 


  

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Luis Fernando Quirós

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Novela Gráfica El Hallazgo Diseño y Producción

29.08.2014 | 15:19

Las novelas gráficas, no abundan como antes, por lo menos para individuos de mi generación que crecimos leyendo historietas de héroes, siguiendo tiras cómicas en periódicos y revistas; es más, me parecía que muchos de estos productos gráficos habían desaparecido delante del auge de la industria de la animación en cine, televisión y videojuegos. Sin embargo, hace unos días me sorprendió la presentación de la novela gráfica titulada El Hallazgo, creada por Franco Céspedes (Padre) y Franco Céspedes (Hijo), quienes produjeron el relato gráfico acerca de Nuestra Señora de los Ángeles, patrona de Costa Rica, que cada año convoca a una impresionante peregrinación desde cualquier punto del país hacia la ciudad de Cartago, donde es venerada.
Los Céspedes emprendieron el proyecto con la idea de “perpetuar” en un libro el relato, conocido por la población, pero no con la gracia y detalle que lo recrean estos autores, y por lo cual fue aprobada su publicación por parte de la Editorial Costa Rica, presentado en el Museo Municipal de Cartago en vísperas de la fiesta nacional del 2 de Agosto, celebración del día de Nuestra Señora.
Ilustración e historietas requirieron a los autores amplia experimentación de recursos gráficos, e investigación para hacer creíble el guión y su visualización gráfica, para que el lector reconozca una parte de la historia de la ciudad, que tiene como hilo conductor la “La Negrita” –así le llaman los devotos a la imagen-, además de las tensiones de dominación, choques sociales y acontecimientos culturales que forjaron el carácter de la primera ciudad fundada desde tiempos de la colonia española.
Estas razones me motivaron a acercarme a Franco (Hijo) e indagar el cómo se generó esta experiencia que culminó con la publicación de la primera novela gráfica de la Editorial Costa Rica, y qué experiencias marcaron el desarrollo del proyecto.

Cubierta de la novela gráfica El Hallazgo, de Franco Céspedes (Padre) y Franco Céspedes (Hijo) Editorial Costa Rica, 2014. Foto cortesía de los autores.

LFQ: ¿Cuáles antecedentes les impulsó a generar la idea de ilustrar El Hallazgo?
Franco Céspedes:
Varios Factores, principalmente mi papá (Franco Céspedes Sr) que venía madurando la idea años atrás, especialmente luego de participar en la Romería, donde se sorprendió por la cantidad de personas de todas las edades y condiciones que asistían a la peregrinación. Luego por la escaza información que existía alrededor del hallazgo, vio la necesidad de crear un documento ilustrado que se pudiera convertir en un referente de la literatura costarricense.

LFQ: ¿En qué se caracterizó el trámite para la aprobación por parte de la Editorial Costa Rica? ¿Cómo fue recibida la idea y cuál fue el proceso que siguió hasta se presentado aquel 30 de julio 2014 en el Museo Municipal de Cartago?
FC:
Fue realmente muy expedito. La verdad no esperábamos que tuviera una aprobación tan pronta y aunque se tomó varios meses, igual pensábamos que podría tardar más, en especial por tratarse de una novela gráfica, ya que la Editorial Costa Rica nunca antes había publicado una obra de estas características. Igualmente no quiere decir que no tuvo correcciones, por supuesto que tuvimos que corregir varios detalles en texto y algunos a nivel gráfico, pero no fue tan dramático. Lo hicimos sin ningún problema y fue en beneficio de la calidad de la obra.

Novela gráfica El Hallazgo, de Franco Céspedes (Padre) y Franco Céspedes (Hijo) Editorial Costa Rica, 2014. Foto cortesía de los autores. 

LFQ: ¿Qué les motivó a crear esta novela gráfica?
FC:
El hecho de que no existiera nada parecido en el país, especialmente en una creencia y tradición tan arraigada que mueve a tantas personas (prácticamente a medio país). Eso nos hizo creer en que el proyecto podría tener éxito e instalarse como un referente de nuestra cultura.

LFQ: ¿Qué implica producir desde el punto de vista del diseño un libro de este género hoy en día?
FC:
El proceso se ha agilizado en casi un 80% desde que la tecnología se ha venido desarrollando. El uso de tabletas para dibujo y programas especializados para ilustración hacen que la tarea sea menos agotadora, aún así, no es trabajo de un día para otro, más bien el hecho de tener tantas herramientas tan útiles lo lleva a uno como artista a intentar realizar mejores obras y con más calidad de detalles, pero sin duda es menos intenso que con los métodos manuales de años atrás. Ahora cualquier persona desde su computador puede experimentar con estos programas y herramientas.

Novela gráfica El Hallazgo, de Franco Céspedes (Padre) y Franco Céspedes (Hijo) Editorial Costa Rica, 2014. Foto cortesía de los autores.  

LFQ: ¿Cómo afrontaron la creación del guión?
FC:
Mi papá tenía la idea original y había pensado las historias añadidas a la historia principal. Un buen día logré sacar un tiempo y sentarme con él una semana entera para poder realizar el guión, ahí le di mi opinión y aportes con lo que se fue armando el guión final. La verdad disfrutamos mucho este proceso, porque si bien nos gusta el tema de crear guiones, lo cierto es que nunca lo habíamos intentado pues siempre hemos transmitido ideas con imágenes. Sin embargo creímos en nuestra capacidad para escribir y nos aventuramos.

LFQ: ¿De qué manera se crearon los personajes? ¿Qué aspectos psicológicos y emocionales consideraron en el momento de crear dichos personajes y para generar interés al relato?
FC:
La tradición oral alrededor del hallazgo nos daba una historia muy corta y muy simple. Realmente necesitábamos más material para darle contenido a la novela y que no se nos terminara en las primeras tres páginas. Cada personaje que creamos, representa una característica social, es decir se representa al pueblo, sus creencias, al sector político y por supuesto al religioso. Pero a la vez cada historia de los personajes secundarios, se entrelazan al final con la historia principal, con lo que reforzamos los aspectos sociales y culturales que generó la aparición de la Negrita.

Novela gráfica El Hallazgo, de Franco Céspedes (Padre) y Franco Céspedes (Hijo) Editorial Costa Rica, 2014. Foto cortesía de los autores.  

LFQ: ¿Qué carácter de investigación en aspectos gráficos y estilísticos les requirió?
FC:
Pues buscar bastante de donde se podía. Realmente existen pocos recursos donde buscar. De hecho nos referenciamos hasta en el álbum de Figueroa, sin embargo los dibujos no son tan ricos en detalles como para darse una idea de la época. La verdad es que pudimos encontrar películas y visualizaciones de otros artistas sobre la época y ahí pudimos ir adaptándolos a nuestros personajes y a nuestro estilo. Aun así no buscamos ser tan estrictos pues no se trata de un documento histórico sino de una adaptación libre.

LFQ: ¿De qué manera definieron la tipologías arquitectónicas y la diferenciación entre las casas y capilla españolas y los ranchos de los indígenas?
FC:
De esto encontramos algunos escritos que describían este tipo de construcciones. Fue de mucha ayuda el libro sobre la historia de la iglesia Católica en Costa Rica del padre Miguel Picado, libro que mi papá ilustró hace algunos años. Esto, además de fotografías antiguas que nos dieron ciertas pistas.

Novela gráfica El Hallazgo, de Franco Céspedes (Padre) y Franco Céspedes (Hijo) Editorial Costa Rica, 2014. Foto cortesía de los autores.  

LFQ: ¿Cómo definieron el vestuario?
FC:
Haciendo varios bocetos basándonos en las referencias que mencioné. Estos bocetos los discutimos y llegamos a los diseños definitivos. Siempre fue un trabajo en conjunto.
El estilo gráfico acude en muchas formas a los lenguajes no verbales, cuando hablan las distancias, los gestos o gesticulaciones de los personajes, ¿de qué manera los definieron y cuál fue la intención de utilizarlos?
Cada personaje tiene su personalidad definida y esto lo debíamos reflejar en las ilustraciones. A diferencia de una narrativa donde tienen que describir con palabras la locación y la situación, nosotros debemos ser muy claros en los dibujos para poder comunicar todos estos detalles y que el lector no se pierda en la historia y las acciones. Realmente hacer una historieta va de la mano con la cinematografía. Podemos decir que es una especie de story board muy detallado.

Novela gráfica El Hallazgo, de Franco Céspedes (Padre) y Franco Céspedes (Hijo) Editorial Costa Rica, 2014. Foto cortesía de los autores.  

LFQ: ¿Trazaron alguna estructura para el relato y qué la caracteriza?
FC:
Quisimos que fuera muy sencilla y directa, pensando en un público que quizás nunca ha leído o ha leído muy pocas novelas gráficas. Por este motivo definimos algunos detalles a la hora de planear el guión y el diseño de las páginas para que cumpliera este objetivo.

LFQ: ¿Qué aspectos estructurales del diseño de cada página (retícula) consideraron?
FC:
Que no tuviera un exceso de viñetas (cuadros) y que fuera una estructura de comic europeo clásico. Es decir que no tuvieran viñetas que rompieran con líneas diagonales o diseños que dificultaran la lectura de las personas que no acostumbran a leer este tipo de libros.

Novela gráfica El Hallazgo, de Franco Céspedes (Padre) y Franco Céspedes (Hijo) Editorial Costa Rica, 2014. Foto cortesía de los autores.  

LFQ: ¿Qué referentes consideraron en cuanto a novela ilustrada?
FC:
Es un tanto complicado mencionar algún artista en específico cuando hemos visto tantos y tan buenos. Considero que nos encantan las obras del japonés Hayao Miyazaki , tanto a mi papá y a mí y quizás por eso “El Hallazgo” tiene este aspecto de película de animación. Nos gustan los paisajes detallados y los personajes simples, detalles que consideramos ideales para que nuestra obra sea clara y atractiva.

Novela gráfica El Hallazgo, de Franco Céspedes (Padre) y Franco Céspedes (Hijo) Editorial Costa Rica, 2014. Foto cortesía de los autores.  

LFQ: Mi crítica al diseño de las ilustraciones es que aunque los recursos gráficos son suficientes, en cuanto a ilustración mediada con la tecnología, todas se parecen, carece de alguna experimentación para generar mayor interés. ¿Cómo explican esta carencia?
FC:
Quizás por esa intención de que fuera sencilla y clara. Nos encantan algunas obras europeas donde se mezclan y experimentan técnicas tanto manuales como digitales. De hecho nos parece alucinante la obra de Andrew Robinson llamada “el Quinto Beatle” donde nos lleva por una serie de técnicas y experimentaciones gráficas que la hacen una obra de arte. Sin embargo no quisimos experimentar mucho precisamente pensando en comunicar bien a un público muy diverso y que quizás tenga poca relación con las historietas.
Si tuvieran que asumir de nuevo el proyecto, ¿en qué cambiaría? ¿En qué se podría mejorar?
Somos del criterio que todo se puede mejorar y como artistas nos pasa eso de que una vez que concluimos una obra y estamos enamorados de ella, a los días ya les vemos errores y detalles que pueden mejorarse. Sin embargo, esto también suele ser un obstáculo que no nos permite sacar a la luz nuestro trabajo. Tal vez es un poco complejo decir en qué podamos mejorarlo, puede que incluso sea trabajo de los críticos hacerlo notar; más bien es posible que a futuro hagamos otro proyecto o alguna continuación y ahí se noten mejoras que solo el tiempo y las ganas de superación nos lo darán.

Novela gráfica El Hallazgo, de Franco Céspedes (Padre) y Franco Céspedes (Hijo) Editorial Costa Rica, 2014. Foto cortesía de los autores.  

Las respuestas de Franco Céspedes (hijo) contribuyen a tener una mejor comprensión de los alcances de este proyecto editorial, que culminó con la publicación de su novela gráfica; es de elogiar el trabajo de ambos, pero también el de la Editorial Costa Rica, en tanto abre el mercado del libro ante la amplia competencia actual en esta materia. Para concluir, pregunto a Franco lo siguiente: A un mes de haber presentado este proyecto, ¿qué conclusiones tienen?, o ¿qué comentarios han recibido?
FC:
Ha sido impresionante la acogida que ha tenido entre los costarricenses. Realmente se han identificado con el proyecto y el hecho de que sea novela gráfica, hacen que se interesen aún más ya que no es muy común encontrar este tipo de obras y menos con temas locales. Realmente vemos una oportunidad para que más artistas puedan involucrarse en esto de las historietas y publicar sus propias obras, ya sea con la Editorial Costa Rica u otras. Es muy posible y así lo vemos, que las nuevas generaciones tomen este género como suyo y que incluso les motive el hábito de la lectura, de hecho ya se nos hizo común observan niños leyendo “El Hallazgo” de forma tan apasionada y terminarlo con ganas de leer más. Sin lugar a duda ha sido satisfactorio y agradecemos el apoyo de todas las personas que ha tomado de su tiempo y dinero para conseguir la obra, leerla y después escribirnos para externarnos una felicitación. Estamos muy agradecidos esto nos compromete a seguir aportando más obras a los costarricenses y al mundo.
  

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Luis Fernando Quirós

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Christian Salablanca “no son razones sino motivos”

25.08.2014 | 19:47

El artista costarricense Christian Salablanca exhibe No son razones sino motivos, a partir del 14 de agosto 2014, Sala 1.1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo –MADC-, una propuesta curada por María José Chavarría, de fuerte carga crítica que implica la reflexión sobre el poder de los estereotipos y sus repercusiones en la vida actual.

Con frecuencia observo que los artistas actuales acuden al simbolismo de las hormas para hablarnos de escenarios de degrado, marginación y ofuscación existencial que influencia el germen de las paradojas sobre las conductas sociales del habitante. La idea de indagar acerca de estas temáticas me acercó a Christian –y con otros jóvenes del área centroamericana y de otras profesiones-, para dilucidar la naturaleza de esos lenguajes que impactan las manifestaciones creativas en la cultura contemporánea; pero además, valorar el tesón con que asume el reto de exhibir en un museo.

Christian Salablanca "Ni vueles tan alto que te pierdes de vista". Cerámica alambre negro enrollado con plastic termo deformado, 2013-14. Foto LFQ.

LFQ: ¿Cuál es la principal motivación hoy en día para los jóvenes artistas al hacer arte?
Christian Salablanca:
Yo considero que cada persona que se involucra con las artes visuales tiene diferentes inquietudes, diferentes posiciones. Lo que lo motiva es aquello que cree en su momento, y para alguien que lo ve como una forma de vida pienso que las motivaciones cambian con el tiempo. En mi caso creo que lo que me estimula hoy día es que me metí en este sistema y uno siente la necesidad de compartir ideas, y mis ideas giran alrededor de lo que vivo, de mis experiencias, de lo que siento y pienso. Nada más.

LFQ: ¿Cómo o dónde encuentras tus activadores emocionales o motivaciones?
CS:
En lo que me afecta. A veces quiero hablar de cosas sencillas como la lluvia, pero de repente algún problema muy fuerte forma parte de lo cotidiano, y te toca hablar de eso porque te abruma diario. Ahí es donde toda sencilla motivación se convierte más allá de ideas e intenciones. Por eso la mayoría del trabajado que he venido realizando parte de donde resido, porque se me hace imposible no hablar de ello.

Christian Salablanca "Mire y calle". Vaciado en resina, 2013-14. Foto LFQ.

LFQ: ¿Logras distinguir cuál es la naturaleza de las expresiones artísticas contemporáneas? ¿Dónde está su origen y qué las activa?
CS:
Si claro, uno es consciente de las modificaciones en las manifestaciones artísticas. Pero más allá soy consciente que hoy día existe una cantidad de medios que se ajustan a las ideas preconcebidas y por tanto entiendo que su “naturaleza” esta en el discurso, en lo que se plantea como mensaje y los recursos con los que se presentan las ideas.

LFQ: ¿Qué posición –de pensamiento o ideas-, asumes delante la alternativa de crear arte?
CS:
Creo que las artes visuales están por encima de todo a pesar de que es un oficio como cualquier otro, pero lo que si logra es que puede generar conocimiento, crear sintonías con diversos públicos y por que no es una alternativa para hacer dinero, si el propósito del artista es ese.

Christian Salablanca "De aqui, diallá y del otro lado". Foto LFQ.

LFQ: ¿Cómo cargas a cada pieza de esas posturas para generar interés y que sean el lenguaje del cual te sirves para comunicarte con los espectadores?
CS:
Esas son las posiciones, pero creo que la postura “mi postura”, es simplemente realizar objetos expresivos que son planteados a partir de un sistema de códigos específicos, entendiendo estos en el equilibrio entre forma-contenido, así poder valerme de diversos materiales y recursos que se ajusten a esas ideas preconcebidas.
Creo que en arte esos son los tres ejes específicos, hay artistas que les interesa la construcción del conocimiento a partir de medios visuales que sustentan las ideas, y otros que buscan el vínculo con el espectador a partir de mensajes y discursos visuales que pueden llegar a conmover, inquietar, reflexionar o simplemente disfrutar de la visualidad, es decir del lenguaje visual en sí mismo.
Si soy consciente de que muchos de los temas que he planteado en algunas piezas discursan sobre problemáticas socioculturales o lo marginal, pero entiendo que el arte no salva, ni resuelve los problemas del mundo, pero lo que si logra es que dignifica a todos aquellos involucrados, y mi posición está ahí, tal vez o no sé. ¡jajaja!

Christian Salablanca Trincheras y ramales. Trincheras y Ramales. Cera de abeja y block de concreto, 2013-14. Foto LFQ.

LFQ: ¿Cómo incubas una idea a desarrollar, de qué manera las maduras y realizas?
CS:
En las escuelas de arte les enseñan diferentes maneras de proyectar las ideas a partir de diferentes sistemas metodológicos, pero estos cambian según la persona, inclusive pienso que en mi caso prefiero observar cosas, el entorno o las personas, ahí van surgiendo ideas. Creo que el significado uno lo encuentra y posteriormente lo construye. Por eso parto de un tema especifico y planteo un problema, que se va resolviendo a partir de exploración, experimentación e investigación. Es como si se tratara de diseñar un objeto, pero con un millón de estrategias en la manga, es decir muchas posibilidades para lograr el mensaje requerido.

Christian Salablanca Serie El Arrabal: “Fuera de lugar”. Soldadura, madera encontrada y tela, 2012. Foto LFQ.

LFQ: ¿Cómo te preparas emocionalmente para crear la obra? ¿Existe un clima emocional ideal? ¿Cuándo estás preparado para realizarla y en qué momento sabes que dicho proceso concluye?
CS:
Creo que es espontaneo independientemente de lo emocional, pero si hay un proceso de reflexión de las ideas en papel, es decir una bitácora de apuntes y pensamientos. Luego jugar con lo que hay, con las posibilidades que están a la mano y que pueden conectarse formal y conceptualmente.
Uno siempre debe de estar preparado para hacer las cosas, sino estamos jodidos.

LFQ: ¿Cuánto influye el medio: la ciudad, el barrio, nuestras habitaciones o entorno en la creación de sus obras?
CS:
Un montón, sino fuera por eso creo que haría otras cosas. Como dijeron mis amigos del barrio: “el barrio a uno lo marca, por eso uno lo quiere tanto y uno lo carga todos los días”.
Siempre voy a defender la experiencia, la vivencia y lo que nos afecta como personas, porque esto es el motor del quehacer y son los espacios que informan mi trabajo (hasta el momento).

Christian Salablanca "A la memoria de un lugar". Materiales orgánicos, 2013. Foto LFQ.

Christian Salablanca “A la memoria de un lugar II” Materiales orgánicos, 2013. LFQ.

LFQ: ¿Cuáles son los grandes temas a tratar por el arte de estos tiempos?
CS:
Esto nunca me lo he preguntado, pienso que cada persona es un mundo y le interesan cosas distintas. Pero si he visto que hay un grupo de generaciones, personas que conocí de Nicaragua y El Salvador, que les interesa plantear temas más íntimos y cercanos a una experiencia individual.

LFQ: ¿Qué le interesa a un joven artista como Christian Salablanca? ¿Qué busca? ¿Dónde sospecha que puede encontrar eso que persigue?
CS:
Aún no lo sé, sigo en proceso y eso me gusta.

Christian Salablanca. "Cucaracha", video, 2013. Foto LFQ.

LFQ: ¿Queda satisfecho con los logros de un proyecto, por ejemplo lo producido para la Sala 1.1, o permanece en estado de búsqueda?
CS:
Quedo satisfecho en una parte porque por fin he logrado ver un cuerpo de obra solida que da respuesta a mis inquietudes.
Uno siempre anda buscando cosas, actualizándose e investigando. Sin embargo, tuve la dicha de poder exponer en esa sala que en definitiva es un espacio flexible. Siento que me lo merezco porque es todo un proyecto que he venido realizado, y si bien soy joven con el tiempo todo puede cambiar. Me he tomado las cosas en serio y pues el museo me dio la oportunidad y la he tomado. Con esto no quiero decir que todo acaba acá (La exposición del museo), sino que es el camino para propuestas más ambiciosas como siempre me lo he propuesto.
Y cuando digo ambiciosas es en un sentido positivo, de verlo con más seriedad.

LFQ: ¿Cuánto pesa el pensamiento propio en la realización de un proyecto expositivo como el realizado en el MADC?
CS:
El MADC es una institución de mucho respeto, y creo que si uno pide una oportunidad y te la dan, lo único que queda es la autodeterminación y la confianza. Lo que yo piense es una posición que se refleja en el trabajo, libre de interpretación.
Pero es claro que en el museo existe mucho profesionalismo y hay que estar a la altura, en términos de propuesta; lo que sí creo que tiene su peso, más allá de lo que pienso, es la sinceridad con la que se plantea una propuesta de artes visuales y he sido sincero con esto, por eso creo que pesa mucho lo que hoy se exhibe en el MADC.

Christian Salablanca Ortopedias 2, Ortopedias 1, Ortopedias 3. Vaciado en yeso, 2013. Foto LFQ. 

LFQ: ¿Escucha a otros artistas durante el proceso, o se cierra en sus adentros para escuchar solo a su propia voz interior?
CS:
Claro, soy un necio. Siempre converso con artistas, muchos de ellos con gran trayectoria artística, en otras escucho a mis amigos que también están produciendo, pero los espacios de reflexión grupal sobre las propuestas son nulos y es lógico que uno se escuche así mismo y tome decisiones. Pero creo que lo más valioso en un proceso es enseñar lo que uno hace y escuchar críticas que lo edifican a uno, o por lo menos te hacen ver cosas que uno no ve en el proceso, tal vez.

LFQ: ¿Quiénes son sus referentes?
CS:
Podría decir que hay muchos, pero los que considero que me han marcado con sus propuestas seria Juan Manuel Sánchez, Marisel Jiménez, Rafael Ottón Solís todos de Costa Rica, pero están otras artistas como María Fernanda Cardoso, colombiana que tiene un cuerpo de trabajo y le he dado seguimiento a su obra. Por otro lado Patricia Belli (Nicaragua) y Claudia Fontes (Argentina), que si bien conozco algo de sus trabajos, me interesa más la forma en que percibe la práctica artística y como piensan.
Creo que estos son mis referencias más próximas pero existen un montón.

LFQ: ¿Cómo explica la palabra proceso? ¿Qué implica? 

CS: Es Investigación e implica trabajar.

Christian Salablanca" No son razones sino motivos". Modelado directo yeso sobre gaza,
2013-14. Foto LFQ.

LFQ: Tal vez para cerrar con este intenso acercamiento a Christian Salablanca -y porque su obra es también intensa y profunda, carga un signo de interrogación para el lector-, le planteo estas preguntas conclusivas: ¿Qué tácticas posees para empoderar al espectador? ¿Se las plantea o no le interesa esa influencia? ¿Cómo y cuándo es consciente del resultado o frutos de esas estrategias?
CS:
Si existen tácticas, un montón de recursos, medios y estrategias. Yo he seleccionado la sistematización del trabajo y reflexionar sobre este para ver los puntos claves en los que se han cometido errores en la construcción de los discursos y las formas en que el mensaje se ha dislocado por alguna razón. Creo que la mejor táctica es la que reflexiona y la autocrítica, pero también la autodeterminación sobre lo que se hace. En el momento que se expone ahí creo que es el punto específico para ver las variables y los resultados, a partir de ahí existen los replanteamientos, “Pienso”. 

 

 

     

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Luis Fernando Quirós

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