Blog de Luis Fernando Quirós

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Diseñacr, actualidad del diseño en Costa Rica, pretende abrir una ventana de actualidad para el diseño en Costa Rica, motivar la cultura del producto y ... [+]

Renato Manzoni: “Usar la luz”

13.09.2014 | 10:20

Una de las grandes posibilidades que ofrece el universo digital, es la capacidad de crear virtualidad: territorios virtuales que activan cada día más la imaginación humana aplicada a sus prácticas creativas, pero también coexisten en dicho enclave empresas virtuales, arte virtual, amistades virtuales, en tanto el uso de la tecnología nos empuja a ser “nómadas” buscando intersticios de realización o producción intelectual donde vivir con una mejor luz, “un rayito de sol que nos caliente mejor”. En esos terrenos de las redes sociales uno intrinca amistades que no conoce en persona, pero con quien cultivar y compartir, como es el caso de Renato Manzoni, arquitecto, diseñador visual e intelectual español a quien contacté gracias a la publicación de Museo del Árbol -revista virtual con miles de seguidores y colaboradores que se publica cada mes en internet.

Renato Manzoni. “Árbol Desierto”, dibujo técnico vectorial, 2013. Foto cortesía del artista.

Manzoni inaugura la muestra Paisejes Perdidos en Las Palmas de Gran Canaria, del 17 de setiembre al 7 de noviembre 2014, evento que me motivó a contactarlo y encontrar respuestas a las cientos de interrogantes que a diario nos detienen en el camino, intentando saber más.

LFQ: ¿Por qué “Paisajes Perdidos”?, ¿qué hemos perdido del paisaje en esta cultura urbana actual y que nos afecta su ausencia?
Renato Manzoni: Paisajes perdidos no es una afirmación ni una definición: son un estado, son una provocación.
Son “paisajes” y son “perdidos” en un sentido metafísico. No están perdidos; no son paisajes que existan físicamente, sino que están en la conciencia colectiva de todos nosotros, y están en mi subconsciente. Yo los siento como recuerdos semiborrados ¿de una vivencia? ¿de un sueño?
Pero paradógicamente, “están”, son reales porque los materializo; y existen en el momento que cada uno de nosotros los contempla y traen a nuestra memoria recuerdos de otros similares que un día admiramos. Por unos instantes los retenemos en nuestro interior. Más ¿que van a ser de ellos cuando, al momento siguiente, ya no les prestemos atención? ¿Perdidos?

Renato Manzoni. “Sabina” (primavera), dibujo técnico vectorial,  2013. Foto cortesía del artista  

LFQ: ¿Trata de un “paisaje de soledad” el que se advierte en las sociedades actuales ante la sumersión en el universo de lo digital y tecnológico, cuando se dispone del más amplio instrumental para comunicarnos es paradójico que nos sumimos en la incomunicación?
RM: La soledad no es una realidad tangible, es una experiencia, personal y/o colectiva.
Puede que la soledad que se advierte en nuestra sociedad sea consecuencia de un exacerbado individualismo mezclado con un excesiva facilidad comunicativa.
De cuanta más información disponemos, más desinformados estamos. A más recursos y medios de comunicación, mayor es nuestro sentimiento de incomunicación.
La realidad digital y los avances tecnológicos han colaborado sobremanera a ello, pero no son los únicos responsables; son la última consecuencia (hasta hoy) que empezó muy atrás.

Renato Manzoni. “Paseo bajo las amapolas”, dibujo técnico vectorial , 2014. Foto cortesía del artista 

LFQ: ¿Puede el arte activar nuestro pensamiento crítico ante las grandes remezones que afectan a la sociedad de inicios del Siglo XXI y tercer milenio? ¿Qué cuestiona Renato Manzoni con su arte?
RM: El Arte, como parte del Humanismo, cuando es la partícula proyectada del alma del artista, siempre ha incentivado y sigue alimentado la chispa crítica que, como humanos, nos diferencia. El pensamiento artístico nos da alas para ir mucho más allá de lo que el tecnicismo nos promete. Pero ambos son complementarios y necesarios al cincuenta por ciento.
Con mi arte no cuestiono nada de lo que me rodea. Sin embargo, a mi mismo me cuestiono muchas premisas, como persona, como artista y, posiblemente, tales tensiones íntimas son parte de mi lenguaje plástico y se manifiestan en mis creaciones.

LFQ: En su pintura, aunque el tema del árbol es central, ¿cuál es el sentido del entorno, lo que implica o rodea al árbol, las perspectivas, el espacio, las texturas, la visión del paisaje presente en sus creaciones?
RM: En esta fase de mi producción, efectivamente, el árbol adquiere protagonismo. Pero no siempre fue así.
Mi dedicación profesional ha sido amplia y variada: escultura, diseño, arquitectura, etc. Como arquitecto no me ha interesado especialmente solo el diseño, sino que me he comprometido con la ejecución completa hasta el final de los proyectos. Grandes promociones residenciales, de ocio, hoteleras y otras. Con gran éxito y reconocimiento. Pero íntimamente vivía una fuerte contradicción en mi interior: por un lado la satisfacción del trabajo bien hecho, y por otro la inquietud de sentirme en parte enemigo activo del entorno natural, del paisaje en beneficio del paisanaje, del desarrollismo en detrimento de la preservación.
Cuando unos años atrás toda esta actividad profesional terminó, retornó a mí cierta paz interior, y la armonía y la tranquilidad íntima reclamaban su puesto en mi existencia. Y mi proceso creativo también dio un vuelco.
Puedo afirmar que nunca me propuse conscientemente representar árboles ni pintar paisajes: el símbolo del árbol vino a mi y me embargó.

Renato Manzoni. “Serie Vegetal IV”, dibujo técnico vectorial, 2012. Foto cortesía del artista  

LFQ: Siento un fuerte extrañamiento, ¿es capaz la pérdida del paisaje de detonar en nuestra conciencia e implicar la memoria personal de esa manera?
RM: Reafirmo las palabras que escribe el Doctor y doblemente Académico D. Javier González de Durana en la presentación del catálogo de mi exposición: “El ser humano y la naturaleza no pueden ser concebidos como realidades separadas porque existe una estrecha correspondencia entre los estados de ánimo y los estados de la naturaleza. De acuerdo con esto y a la vista de las naturalezas vivas que ofrece Manzoni, se puede decir que sus actuales estados de ánimo -o, al menos, los que vivió mientras realizaba estos paisajes-, eran exultantes, intensos y muy libres o, dicho de otro modo, felices.”
La felicidad no tiene por que ser siempre exultante, explosiva o contagiosa; también es melancólica, romántica, reflexiva, calmosa, intimista, o reflejar estados de introspección o de absorbente contemplación, y ...todo queda reflejado en los cuadros.
Cuando leo las anteriores palabras del mi amigo Javier me reconozco en ellas y afirmo cuanto y qué bien conoce el arte y a sus autores a través de sus obras.

LFQ: ¿Cómo nacen esos simbolismos en su lenguaje o discurso pictórico? ¿De qué manera y cuando los encuentra? ¿Cómo los utiliza para “tocar el corazón” y empoderar al espectador?
RM: El proceso generativo de mis obras de arte siguen el mismo esquema que el de toda mi creación, sea un objeto cotidiano, sea un flyer o un edificio. Inicialmente los siento en mi interior. Los “veo” en mi cerebro ya terminados, en todos sus detalles. Ahora lo único que tengo que hacer es ir encajando las piezas y representarlas con dibujos o maquetas para que nazcan al mundo.
La idea nace en mi interior en cualquier momento, espontáneamente, sin esfuerzo. Este viene después al querer materializarla. Es cuando aparece el lenguaje pictórico o escultórico, el contenido simbolista, el cromatismo y el discurso ontológico que expresa los estados anímicos del momento. Pero todo de una manera involuntaria, instintiva, impremeditada.
Tengo formación académica técnica y artística, estudios humanistas y metapsíquicos: es inevitable que todo ello aflore en forma de símbolos y metalenguajes.

Renato Manzoni. “Serie Vegetal X”, dibujo técnico vectorial, 2014. Foto cortesía del artista  

LFQ: Háblenos de la técnica, se advierte el tratamiento del arte digital, ¿Implica lo digital en esa pérdida del paisaje?
RM: Los últimos diez años toda mi producción artística es digital. Consciente y voluntaria, aunque con una variante respecto a lo que se tiene por “arte digital”.
Es digital porque trabajo con la computadora pero sin utilizar software de dibujo artístico y retoque fotográfico: solo líneas vectoriales, curvas y luces.
Ello me aporta un lenguaje esquemático y de irrealidad que me distancia de la pintura figurativa; ese lenguaje mágico bidimensional (curiosa definición hablando de pintura, pero es que esta desde hace siglo que persigue la multidimensionalidad) que el arte del occidente europeo (y consecuentemente americano postcolombino) perdió desde el Renacimiento. Es una estética más propia de la planimetría del arte iconográfico.
Pretendo que estos paisajes no estén perdidos, sino reencontrados en la dimensión etérea de nuestros sentimientos.

LFQ: ¿Cuál fue la génesis de esta técnica en el proceso creativo? ¿Qué significado adquiere delante de las tendencias del arte contemporáneo? ¿Por qué se dejó seducir por esos recursos y el carácter de visualidad?
RM: Mis comienzos como artista fueron escultóricos y todo lo que con ello conlleva. Luego vinieron diversos compromisos laborales en proyectos que me obligaron a frecuentes y dilatados desplazamientos. Se me hizo necesario adecuarme al uso de técnicas que requiriesen recursos más simples. Vino pues la fotografía, el dibujo, el grabado, el collage, la iconografía..., aunque siempre con un substrato tridimensional y volumétrico.
En mi sempiterna labor de ensayo y búsqueda y fusión de lenguajes plásticos, fue inevitable plantearme el uso de otras herramientas, y como en mis trabajos en arquitectura la computadora era el centro del universo laboral ¿por qué no unir ambas realidades.
Si los dibujos artísticos -me dije- los ejecutara con el software de dibujo técnico, y con líneas formara multipolígonos irregulares encajados unos en otros, obtendré una realidad virtual alejada de la representación fotográfica pero próxima a nuestras realidades.
Y si cada uno de estos polígonos -seguí diciéndome- los relleno con luz al modo alquímico como lo fueron los vitrales de las catedrales góticas, resultará un puzzler cromático que, al verlos, nuestro cerebro ensamblará entre si y el hipocampo los identificará con recuerdos y realidades en él almacenadas.

LFQ: Tal vez para concluir con esta intensa entrevista con Renato Manzoni, quisiera comentar mi percepción donde veo la vida como un camino, y en cada experiencia encontramos un cruce por donde dirigir los pasos y poner la mirada escudriñadora, pero del cuál a veces tenemos que devolvernos, sin embargo, lo importante es lo que se colecta y se aprende de ese recorrido. ¿Cómo caracteriza su andar y el ser “colectores de miradas” en estos caminos del arte y de la vida?
RM: Mi manera de trabajar es muy tradicional, y sigo los métodos clásicos aunque con instrumentos revolucionarios.
El artista al colocarse frente a un lienzo o papel en blanco y, con un pincel o lapicero, esboza su idea general: volúmenes, composición, masas, etc. Luego, poco a poco, distribuye líneas, manchas de color, luces y sombras hasta el objetivo pretendido.
Yo hago lo mismo, o similar: frente a una pantalla en blanco y con un lápiz óptico sobre una tableta digital, comienzo exactamente igual: dibujando los contornos generales para seguir con los fragmentos y las particularidades. A continuación subdivido todo ello en polígonos de líneas rectas o curvas más o menos grandes o pequeños.
...y llega el momento de la coloración. Los recursos electrónicos no nos permiten “pintar” sino usar la luz. No es lo mismo y se trabaja muy diferentemente: esta crea la coloración por adición y las pinturas matéricas por sustracción.
Et, ¡voilá!, ahora solo falta que mi imaginación continúe trabajando de tanto en tanto y siga aportándome nuevas ideas durante muchos años más.

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Luis Fernando Quirós

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Arquitectura y motivaciones: entrevista a Benjamín García Saxe

09.09.2014 | 20:06

Me interesa abordar al arquitecto Benjamín García Saxe para indagar de dónde provienen las fuerzas creativas con que él se sume en su estudio a diario, dispuesto a encontrar caracteres innovadores para sus proyectos. Con él inicié en enero de 2011 este blog “Diseñacr”, con un artículo sobre su casa de Playa Avellanas, Guanacaste; hoy, con esta entrevista, vuelvo a iniciar un nuevo enfoque que pretende dilucidar la naturaleza de esos activadores en el trabajo de diseño, arquitectura y arte, que extenderé a importantes maestros de la región.

Durante el mes de agosto recién pasado que se realizó la Feria de Arquitectura de la Universidad VÉRITAS 2014 en Costa Rica, García Saxe impartió junto con la arquitecta Laura Morelli, un taller para estudiantes -reseñado en un anterior post-, el cual centralizó la experiencia del construir e implicar la vivencia del espacio con la sensorialidad de nuevos y alternativos materiales. Es ahí que aproveché para entrevistarlo y tocar aspectos fundamentales en la formación actual de todo profesional en disciplinas creativas.

Taller impartido por el arquitecto Benjamín García Saxe a estudiantes de la Escuela de Arquitectura VÉRITAS. Foto tomada por los estudiantes del taller, por cortesía de la arquitecta Laura Morelli.

LFQ: ¿Dónde y cuándo encuentras las ideas para desarrollar tus proyectos?
Benjamín García Saxe: Vienen de tratar de encontrar la mejor manera de darle a otros una experiencia íntima y poderosa de vivir en este lugar. La creatividad le empleamos con el propósito de amar a otros y proporcionarles espacios profundos y pertinentes. Creo que las ideas salen de lo que yo personalmente veo que me brinda placer en la percepción del espacio. En realidad lo que trato es de darle a otros lo que para mi es bello y emocionante… muchas veces coincidimos con nuestros clientes en la manera de ver el mundo.

LFQ: ¿Cómo las cultivas?
BGS: Creo que lo que mas me ayuda a cultivar ideas es el estar atento y preparado a ver lo sutil y a veces ínfimo que nos brinda placer. Muchas veces no nos damos ni cuenta que una “tontera” no da tanta felicidad y confort. En lo personal me ayuda mucho poner atención a los detalles del mundo que nos rodea. Además las ideas se cultivan por medio de tratar de humildemente resolver algo que veo que esta mal y que se podría hacer mejor. En realidad hay una necesidad por evolucionar y repensar el “por qué” de las cosas para estar seguros si no hay una mejor manera de hacer lo que ya esta hecho.

LFQ: ¿Cuál es la principal motivación hoy en día para un joven y famoso profesional como tú?
BGS: Existe en plantearse constantemente el “por qué” estoy aquí y de qué puedo ser útil. Me he dado cuenta que entre mas me entrego con honestidad a los demás con mi trabajo mas encuentro una verdadera y duradera felicidad. Me encanta romper esquemas y enseñarles con obras y no palabras que si es posible vivir en un mejor mundo. Me encanta ir en contra del status quo y siempre tratar de motivar a otros a que un cambio siempre es posible.


 
Taller impartido por el arquitecto Benjamín García Saxe. Foto tomada por los estudiantes del taller, por cortesía de la arquitecta Laura Morelli. 

LFQ: ¿Se busca o se encuentra, la motivación viene por añadidura?, ¿cómo surge en el trabajo cotidiano, o en momentos de relax pero activos?
BGS: La motivación en mi caso viene de saber que de algo sirve nuestra obra y que hay otros humanos que se benefician de nuestro trabajo. Los mayores momentos de motivación son cuando vemos familias enteras beneficiadas por nuestra labor, cuando vemos estudiantes repensando su rol como futuro arquitecto y cuando sentimos que somos parte de un cambio positivo para el país.

LFQ: ¿Logras distinguir cuál es la naturaleza de las expresiones de la arquitectura contemporánea?
BGS: En mi opinión existe una arquitectura llena de ego que se expresa en obras que dominan y se imponen agresivamente sobre la ciudad y el paisaje. Al mismo tiempo existen obras sensibles, discretas y humildes que en mi opinión son aun mas rebeldes y probablemente serán las mas recordables por la historia.

LFQ: ¿Qué posicionamiento –de pensamiento o ideas-, implican en el proceso?
BGS: Creo que lo mas fácil es enfocarse en distinguir qué nos parece erróneo o qué podría estar mejor para así poder resolverlo o mejorarlo. Es muy difícil crear algo sin tener una postura sobre su utilidad en este mundo.

Taller impartido por el arquitecto Benjamín García Saxe. Foto tomada por los estudiantes del taller, por cortesía de la arquitecta Laura Morelli. 

LFQ: ¿Cómo cargas a cada proyecto de esas posturas que incrementan el interés en el usuario?
BGS: Tratamos en nuestra arquitectura de crear momentos de “eureka” o realización. Por ejemplo una instalación en la Bienal de Venecia del 2014 que ejecutamos usando bolsas de plástico y agua, hacia parecer un candelabro de vidrio carísimo mientras la verdad es que fue hecho con casi nada de recursos. Le tomaba un minuto al usuario darse cuenta de que lo que veía no era vidrio y no era caro. Era en ese momento que se daba cuenta que con poco se puede hacer mucho.

LFQ: ¿Cómo defines el lenguaje del cual te sirves para comunicarte con los usuarios y espectadores?
BGS: Tratamos de enseñar nuestras ideas de manera muy literal. Enmarcamos un paisaje precioso que a veces al pasar diariamente no vemos. Hacemos que materiales ordinarios se vean extra-ordinarios. Jugamos mucho con la percepción de las personas sobre cuanto cuestan las cosas y su apreciación del sentido de la belleza.

LFQ: ¿Cómo incubas una idea a desarrollar, de qué manera las maduras y realizas?
BGS: Para nosotros una idea debe ser comprobada y probada en un proceso de trabajo literal y explicativo. Trabajamos horas viendo si nuestra idea es posible de traer al mundo de manera literal con materiales y espacios. Las ideas maduran y cambian en el proceso en el que vamos descubriendo como pasamos de las palabras a la realidad de los materiales. 

Taller impartido por el arquitecto Benjamín García Saxe. Foto tomada por los estudiantes del taller, por cortesía de la arquitecta Laura Morelli. 

LFQ: ¿Cómo te preparas emocionalmente para crear en arquitectura? ¿Existe un clima emocional ideal? ¿Cuándo estás preparado para realizarte? ¿En qué momento sabes que dicho proceso concluye?
BGS: Cada proyecto que hacemos es una montaña rusa emocional. En lo personal veo a cada proyecto como una oportunidad y no duermo hasta no sentir que hemos llegado a ser honestos con nosotros mismos y el cliente. 

LFQ: ¿Cuánto influye el medio: la ciudad, el barrio, nuestras habitaciones o entorno en la creación de sus obras?
BGS: El medio definitivamente influye de manera intuitiva y silenciosa. En lo personal trato de ver el mundo que me rodea con los ojos mas frescos posibles para así ver como lo puedo cambiar para bien. Me ayuda mucho el viajar por el mundo y darme constantemente momentos de reflexión sobre otras culturas. El viajar me abre la tolerancia y la creatividad.

LFQ: ¿Cuáles son los grandes temas a tratar por la arquitectura de estos tiempos?
BGS: En mi opinión tienen que ver con la relación de lo construido con el mundo natural, el uso de la energía y la búsqueda de la belleza.

Taller impartido por el arquitecto Benjamín García Saxe. Foto tomada por los estudiantes del taller, por cortesía de la arquitecta Laura Morelli. 

LFQ: ¿Cuál es el proyecto que más caracteres creativos o funcionales lograron activarte?
BGS: Tuve la oportunidad de pasar una temporada en Japón y la arquitectura de muchas edificaciones antiguas/milenarias me cautivo en gran manera por su simpleza y su enorme profundidad.

LFQ: ¿Quedas satisfecho con los logros de un proyecto, o permanece en estado de búsqueda?
BGS: Tomo cada proyecto como una gran oportunidad de mejorar, evolucionar y entender mejor como las ideas se transforman en realidad. La sensación que siempre me queda es mas de que algo se aprendió que puede ayudar a mejorar en el futuro.

LFQ: ¿Cuánto pesa el pensamiento propio en la realización de un proyecto?
BGS: En realidad yo tengo una manera de ver la belleza y como esta se manifiesta en el mundo físico. Muchas veces estas realizaciones son comparadas por nuestros clientes y por ende se forma un pensamiento colectivo de ideas en las que coincidimos. Si es importante haberse hecho la pregona desde un principio y no solamente tomar el mundo como es.

Taller impartido por el arquitecto Benjamín García Saxe. Foto tomada por los estudiantes del taller, por cortesía de la arquitecta Laura Morelli. 

LFQ: ¿Escucha a otros profesionales durante el proceso, o solo escuchas a tu propia voz interior?
BGS: Escucho mucho a las personas de mi equipo ya que ellos tienen una forma diferente de ver las cosas que pueden influenciar de manera positiva un proyecto. En mi caso yo veo que hay mas riqueza en la diversidad de opiniones y no en el arquitecto solo que trabaja aislado.

LFQ: ¿Quiénes son tus referentes?
BGS: Me gusta mucho los escritos del arquitecto John Hejduk y las palabras y aprendizajes que me ha dado el arquitecto Richard Rogers. 

LFQ: ¿Cómo explica la palabra proceso? ¿Qué implica en tu profesión?
BGS: Yo creo que la arquitectura se va descubriendo poco a poco al ir afrontándose con la realidad de los materiales. Veo que en nuestra oficina trabajamos las ideas de manera muy literal hasta sentir que la respuesta y la idea son realmente honestas entre sí. Muchas veces las ideas evolucionan durante el proceso de descubrir que queremos hacer.

Taller impartido por el arquitecto Benjamín García Saxe. Foto tomada por los estudiantes del taller, por cortesía de la arquitecta Laura Morelli. 

LFQ: ¿Qué tácticas posees para empoderar al usuario?
BGS: Muchas veces tratamos de ensenarle el mundo natural al que habita nuestros espacios. En vez de generar espacios herméticos y removidos de su sitio, mas bien tratamos de crear lugares que integren el sitio y que muestren constantemente adonde se encuentra uno posicionado, adonde viene el viento, adonde esta el sol, adonde esta el vecino.
 
LFQ: ¿Cómo y cuándo eres consciente del resultado o frutos de esas estrategias?
BGS: Cuando los clientes/amigos nos indican la experiencia que tienen en los lugares que diseñamos.

LFQ: En la experiencia y actuación dentro de un gran estudio como el de la firma Roger inglesa, ¿Cómo logras para realizarte, para imprimir tu visión de la profesión?
BGS: En un estudio tan grande lo mas importante es no imponer las ideas propias sino mas bien dejar que las mejores ideas siempre prevalezcan independientemente de adonde y de quien vengan. El éxito en mi propia oficina de “Benjamin Garcia Saxe Architecture” me ha abierto las puertas para llegar a ser el Asociado de Richard Rogers en Londres. Creo que el liderazgo esta en la capacidad de poder sacar lo mejor de los demás y saber que uno no lo sabe todo. Un buen diseño siempre es el resultado de una forma armoniosa de trabajar en equipo y encontrar siempre la mejor solución juntos a un problema.

Taller impartido por el arquitecto Benjamín García Saxe. Foto tomada por los estudiantes del taller, por cortesía de la arquitecta Laura Morelli. 

LFQ: ¿Qué implica la adopción de la tecnología en un determinado proyecto?
BGS: Nosotros vemos en la tecnología la oportunidad de hacer mas eficientes nuestras propuestas. La tecnología para nosotros no es la razón de la forma y la belleza del espacio. Yo he visto edificaciones con la mayor calificación de sostenibilidad que son horrendos. La tecnología esta al servicio del ser humano y no debería ser en mi opinión la razón de la forma de la arquitectura. 

LFQ: ¿En cuál proyecto en particular logras imprimir tu lenguaje, tu visión y en lo que tu crees?
BGS: Hace poco terminamos un proyecto llamado Casa Flotanta el cual es una casa construida en un precipicio. Logramos levitar la casa para que la vegetación, el agua y los animales fluyeran por debajo. Esta solución generó una intervención muy suave en el paisaje natural y una especialidad hermosa de vivir en copas de arboles con vista al mar. La tecnología luego se incorporo al diseño para generar electricidad y otras medidas.

LFQ: Si tuvieras que volverlo a construir, ¿Qué cambiarías o terminaría como tal?
BGS: No lo cambiaria ya que esta tan fresco en la mente que no he logrado asimilarlo aun.

Además de los estudiantes participantes en el taller aparecen Benjamín y el arquitecto Juan Carlos Sanabria, Director de la Escuela de Arquitectura VÉRITAS. Foto de Andrés García Lachner.

LFQ: ¿Qué significa para ti la experiencia del construir?
BGS: El construir es el acto de llevar de las palabras a la realidad. Es en este acto que existe hoy en día la mayor disociación entre lo que se quiere y lo que realmente hacemos. En mi opinión hay una riqueza en el acto de “hacer” que no se encuentra en las palabras ni el dibujo. Es ahí donde puede haber una verdadera innovación del espacio.

LFQ: ¿En qué te ha tocado la crisis que afecta al mundo y que también afecta a la construcción y arquitectura?
BGS: Lo que nos ha sucedido es que varios de nuestros clientes nos han dicho que durante el “boom” les fue muy bien pero que ahora que paso esta recesión se dieron cuenta de lo que no quisieran volver a hacer. Vemos clientes mas conscientes con el ambiente y con los recursos; tal vez tienen menos presupuesto pero son mas abiertos a la creatividad y a hacer las cosas bien hechas. A veces de las dificultades salen cosas bellísimas. 

LFQ: ¿Tienes alguna estrategia para mejorar la calidad o vivencia en el entorno urbano?
BGS: Pareciera obvio y casi tonto pero no hay nada mas bello que vivir en una ciudad en donde el peatón y la bicicleta prevalecen. Se hace mas ejercicio, hay menos contaminación y ruido. Otra solución casi que de sentido común es enverdecer las ciudades aun mas. No hay nada mas lindo que una ciudad llena de árboles y vida silvestre. Esto ya existe en algunas ciudades del mundo y es muy factible replicarlo en el trópico.

LFQ: Para concluir con este acercamiento con Benjamín García Saxe, y rememorar aquella verdad expresada por él de que con poco se puede hacer mucho, me gustaría que antepusiéramos un pensamiento o una mirada en la ciudad, en este caso nuestra capital de Costa Rica, ¿te desvela una ciudad como San José y el deterioro que la acecha? ¿Cómo te gustaría mirarla?, o ¿has puesto algún pensamiento en ella?
BGS: Me emociona pensar en el potencial de cambio que tiene una ciudad como San José. Vemos que ya hay un movimiento fuerte de cambio cultural con mas emoción, actividades y participación ciudadana. Me encantaría ver ese mismo dinamismo en el aspecto físico de la ciudad con calles mas verdes, menos carros, mas peatones y en general una mejor calidad de vida.
  

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Centroamérica en la Bienal del Cartel, México, 2014

04.09.2014 | 09:33

En tiempos de incertidumbres por la aguda situación entre Ucrania y Rusia, las salvajes manifestaciones de terror de ISIS en Irak y Siria, el avance de ébola en África y otras tensiones mundiales, ante esos detonantes las buenas noticias hay que compartirlas y esperanzarnos pues también se debe proteger la paz y a pesar de todo la vida es un camino a emprender cada día. El diseño no está nada aislado de esas situaciones que se ensañan contra la humanidad, su cultura e historia; la política, la salud, la economía, la educación y la cultura también son temáticas para bienales internacionales como las del cartel, donde son centrales la comunicación, la innovación en lenguajes y técnicas que acrecientan la creatividad de los diseñadores.

José Alberto Hernández de Costa Rica, y Lonnie Ruiz de Nicaragua, son destacados diseñadores centroamericanos que exhibirán sus propuestas seleccionadas por el jurado de la Décima Tercer Bienal Internacional del Cartel, México 2014, que se exhibirá en el Museo Franz Mayer de la capital mexicana a partir del 27 octubre próximo, día de premiación, y realización del posterior Congreso de Diseño Gráfico.

Asiduo participante en bienales
José Alberto Hernández participó en la anterior 12va Bienal del Cartel, y estuvo en las anteriores ediciones de la Bienal Iberoamericana de Diseño de Madrid, y para la de 2014 no será la excepción, cuando se apreciará su amplia producción de carteles para el Centro Cultural de España -CCE-, en San José.
Para la 13 Edición de La Bienal del Cartel de México aplicó con tres propuestas de las cuales fue seleccionada “Concierto de Canto y Piano”, serie realizada para el ciclo de conciertos del CCE denominado “De música y músicos”, espacio que difunde la música de cámara tanto de repertorio internacional como de compositores costarricenses por medio de proyectos de ensambles y propuestas musicales independientes. El cartel seleccionado celebra el concierto con Ernesto Rodríguez (tenor), Stacy Chamblin (mezzosoprano) y Manuel Matarrita (piano).

José Alberto Hernández, cartel “Canto y Piano”, 2014. Impresión digital. Foto cortesía del diseñador. 

El cartel –expresa José Alberto-, (y los diseños que trabajé para este ciclo) buscaba darle una forma más lúdica y/o experimental a la manera en que por lo general se abordan carteles de “música clásica”, así para esta ocasión utilicé un lenguaje cercano al “comic” que implica el diálogo entre la voz y el piano.
Me gustaría creer que el espectador primero es captado por la ilustración y luego guiado por su propia curiosidad a completar el mensaje en los textos mínimos que le permitan terminar de descifrar la imagen.
Respecto al lenguaje, Hernández señala que él trata de no definirse específicamente dentro de un estilo, en su lugar lo que intenta es buscar alternativas según cada caso en particular. Me interesa –agrega-, la versatilidad, tener abierta esa posibilidad de cambiar, de probar técnicas y lenguajes, y revisar posteriormente si funciona o no; algunas veces esa revisión, descarte o selección la hago de manera individual y otras en conjunto con el cliente. Lo que sí puedo reconocer (cuando de carteles se trata), es una tendencia a potenciar el uso de pocos elementos, pero si es del caso lo podría variar.

José Alberto Hernández, otras propuestas de carteles de esta serie, 2014. Impresión digital. Fotos cortesía del diseñador.

A la pregunta ¿cuánto pesa la investigación y experimentación en técnicas para su trabajo?, él responde que pesa bastante, porque necesitas investigar para mantenerte actualizado y poder ampliar así tu experiencia al conocer de otros procesos o maneras de pensar y trabajar. Sobre la experimentación José Alberto cree que es parte del trajín actual del diseñador profesional, mantener una dinámica abierta de exploración y cambio, de prueba y error, aprendiendo a leer caminos desde aciertos y desaciertos.
Por lo general –explica-, confío en los procesos, en aquellos que te permiten ir desarrollando poco a poco una idea, la conceptualización surge al conocer y relacionar las necesidades específicas de un evento, de un cliente, de un producto y su público meta.
En el caso particular del Centro Cultural de España –concluye-, mi interés siempre ha estado ligado a la innovación y las estéticas contemporáneas o de lenguajes no tradicionales; esto me lleva a crear gran empatía a la hora de conceptualizar gráficamente mis actividades, ya que al igual que yo están abiertos y anuentes a nuevas exploraciones.

El lúdico portafolio de Lonnie Ruiz
Ruiz comenzó a forjar dicho portafolio desde que estudió en la Facultad de Diseño de la Universidad Politécnica de Nicaragua. Además recibió talleres con diseñadores e ilustradores que impactaron su crecimiento profesional y formación, entre ellos Isidro Ferrer, Felipe Taborda, Alejandro Magallanes y el maestro cubano Antonio Pérez Ñiko, de quien quizás aprendió la gracia y experimentación con caracteres tipográficos trazados a mano, y la poética construcción de sus personajes ilustrados. Agrega que trabaja junto a su padre en ARCO Producciones, desde el año 2001, y es docente en la Universidad Americana en Managua.

Lonnie Ruiz, cartel “Libros Infantiles y Juveniles”, 2014. Impresión digital. Foto cortesía del diseñador.

Desde su perspectiva creativa, Ruiz busca el objetivo de integrar adecuadamente el diseño y la ilustración. Mi relación con esta última disciplina -expresa-, empezó al ilustrar libros para niños, luego me percaté de la oportunidad de usarla como recurso en otras piezas de diseño. En Nicaragua, la década de los años 80 y los tiempos de la revolución fueron sin duda la época dorada del cartel, ya fuese político o social (que en su momento fue casi lo mismo), pero desde entonces, hay menos diseñadores cultivándolo, o por lo menos no tienen ya el mismo poder informativo y visual que antes. Estoy interesado en que mi trabajo y el de otros colegas que también están haciendo carteles, recupere ese valor como pieza de diseño y que se fomente su estudio y elaboración en las escuelas de estas disciplinas creativas.

Respecto al lenguaje, Lonnie Ruiz agrega que dicha retórica de mi trabajo depende mucho del contenido y el tipo de cliente. Busco adaptarme lo más que puedo en cuanto a discurso y técnica, aunque en los últimos proyectos desarrollados trato de utilizar un lenguaje gráfico muy similar (todavía no sé si es mi estilo), pero estoy claro de que no todo lo podré resolver de la misma manera.

Lonnie Ruiz, Décima Tercer Bienal Internacional del Cartel, México 2014, Diseño gráfico e Ilustración, Foto cortesía del diseñador. 

Al referirse al método creativo, acota que se informa lo más que puede sobre el tema a trabajar. Siento –expresa-, la necesidad de conocer bien el mensaje del cliente para no afectar su comprensión con mi “estilo” o las ideas personales. Esto además me permite conocer mejor al cliente y su público. En el caso de la Fundación ¡Libros para Niños!, con la que he colaborado en la realización de estos carteles con los cuales estaré en la bienal de México, estoy comprometido con la filosofía e interés de acercar a los niños y niñas de Centroamérica a los libros y a la lectura.

Concluye: En el cartel del “Día del Libro Infantil y Juvenil”, me sirvió la experiencia personal de haber crecido entre libros, leyendo y escuchando las historias de Andersen, e involucrarme siempre en la producción de libros ilustrados. No me fue difícil entender la connotación autobiográfica de Andersen en el “patito feo”, y representar la visión que siempre tuve de ese personaje.

¿Qué nos queda?
Lo expuesto por estos dos diseñadores regionales, eleva la estima propia de esta práctica creativa, y el valor del diseño al contribuir con el empoderamiento del usuario de sus múltiples productos, sean de comunicación visual y/o funcionales, de moda, industriales, interactivos, gráficos, editoriales. Existe un espíritu creativo y pensamiento crítico que nos debe dejar algo por su sentido tropológico, estímulo a otras brechas desde donde combatir las contingencias de la violencia, la pobreza, las amenazas a la salud, al ambiente, y hacer algo por detener las migraciones de los niños centroamericanos que tropiezan incluso antes de pisar los bordes y espejismos centristas, entre otros detonantes de esta actualidad ya entrada en el siglo XXI; quizás ofrecer un paliativo cultural, político si se quiere, con los aportes de esta nueva camada de profesionales en diseño que redimensionen el momento histórico en el cual nos toca imprimir una huella certera en el camino.

 

 

 

 


  

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