Blog de Luis Fernando Quirós

diseñacr
Diseñacr, actualidad del diseño en Costa Rica, pretende abrir una ventana de actualidad para el diseño en Costa Rica, motivar la cultura del producto y ... [+]

Arte Salvadoreño Contemporáneo: La Generación del Encierro

20.08.2014 | 09:28

El Lavo V de Teorética ofrece la muestra La generación del encierro, arte salvadoreño contemporáneo, curaduría: In Situ (Mauricio Esquivel y Jaime Izaguirre), con los artistas Colectivo Arca, Abi Reyes, Jaime Izaguirre, Javier Ramírez, Luis Conejo, Mauricio Esquivel, Mayra Barraza, Melissa Guevara, Rodrigo Dada, Sandra Leiva, Virginia Cortez y Walterio Iraheta. El evento es componente de “EMERGENCIA: Contextos Volcánicos” y el programa “Organización-En–Residencia” de la Fundación Teorética de Costa Rica.

Entre otras aproximaciones a la cultura urbana actual donde intensifica el rol del diseño, la arquitectura y el arte, me motiva indagar sobre la naturaleza de esas expresiones que llamamos arte contemporáneo, y sobre todo la producción creativa de los jóvenes artistas que aportan a esa cultura; zona de incertidumbres tan desafiantes, pero que me encienden, activan en mí muchas interrogantes, como tratar de explicarme ¿cuáles son las motivaciones de dichos jóvenes creadores?, ¿dónde se originan esas visiones de lo urbano en particular y una sociedad vulnerable?, y ¿qué les activa a enfrentarse o posicionarse delante de un arte que redimensiona el signo de los materiales, lenguajes y espacios donde clava la espinita para intentar comprender sus significados?, pero, sobre todo ¿cómo y dónde se gestan las ideas que llevan a crear sus imaginarios y simbolismos?

Sala con la muestra "Generación del encierro: arte salvadoreño. Foto LFQ.

La muestra en Lado V de Teorética ofrece intensos anclajes, en su mayoría me detuvieron a observar y esculcar dichos significados, a preguntarme sobre sus repercusiones de lo que el colectivo titula “La generación del encierro” en El Salvador actual, nación afectada por el embate de la guerra durante el último tracto del siglo pasado, la aparición de las agresivas maras, el incontrolable trasiego de drogas, el fenómeno de la migración y hasta las adversidades de la misma naturaleza. La propuesta repercute con signos presentes no sólo de San Salvador, sino en las demás capitales del istmo centroamericano, sacudidas por situaciones de violencia, pobreza, robos, secuestros, cuando al habitante urbano no le queda más que refugiarse en una tirante sensación de paz, la que irradia su propia intimidad pero paradójicamente encerrado tras rejas o bajo el control de todo tipo de mecanismos de seguridad privada.

Los significados no están del todo a flor de piel en las piezas exhibidas e incluso algunas discursan con la fogosidad de los opuestos: La fotografía “Limbo”, 2013, de Rodrigo Dada, admite interpretar ciertos grados de libertad con tres rostros juveniles flotando en las aguas de una piscina, sin embargo, nadie conoce en qué condiciones se encuentran y si el perímetro de la aparente libertad esté cercado de púas, o lo que implica la cámara de video en esta sociedad mediada o vigilada ante la acuciosa mirada del poder. La segunda pieza del autor es “Serie Loop”, donde una mano masculina pareciera inerte ante las contingencias del día a día, sin embargo al mirarla con detención se advierte un pulso marcado por el golpe de su muñeca.

Melissa Guevara,  "Sin título, 2014, vértebra humana metalizada sobre almohada”. Foto LFQ.

Lo tematizado por curadores y artistas centralizan ese carácter de la cultura urbana en estas décadas iniciales del siglo XXI, mediada por la tecnología que instiga a la discordia –como predijo Mischerlich ya en la década de los sesentas del siglo anterior-, en un forcejeo de caracteres de identidad que impiden reconocer al vecino, paradoja de la Era de la Comunicación, cuando la existencia de mecanismos comunicativos es la más amplia jamás conocida, en similar medida estamos inmersos en la incomunicación, sucede incluso cuando una pueril mirada del otro ofende, puede que hiera o hasta pervierta.

Al focalizar esta exposición, me invadió otra paradoja: las propuestas -que por lo general suelo fotografiar yo mismo para acompañar estos comentarios-, en “La generación del encierro” no logré hacerlo, en tanto al estar cautivas tras el material del enmarcado -otra manifestación del signo de encierro, en este caso de la imagen-, me devolvían la mía, con la cámara en mano tratando de traspasar el vidrio para captar mejor los contenidos.

 Virginia Cortez, “Sin título 2014” . Fot6o LFQ.

La fotografía de Walterio Irhaeta titulada “Diálogo con Magritte, de la serie mis pies son mis alas 2008”, en tanto el calzado ayuda a desaparecer de la escena en cuestión, pero a veces se nos quedan perdidos delante del azul firmamento, como si nada ocurriera ante la gran pantalla escenográfica del trajín de la vida.

La pieza “Sin título, 2014, vértebra humana metalizada sobre almohada” de Melissa Guevara, evoca esas épocas de masacres, guerras, dictaduras y maras, gestos evidentes de una historia cercana de El Salvador –pero, como se dijo-, nada aislada si abrimos el visor hacia el resto de naciones del área, y aquel resto humano dispuesto sobre una almohada roja, se vuelve trofeo en esa lucha cotidiana por subsistir.

Los platos de Virginia Cortez, “Sin título 2014” fijan mi pensamiento en el sentido de la mesa, subvertido por el aparente vacío, pero con cierta pericia visual se aprecian sutiles trazos impresos en blanco, incertidumbre que discursa sobre el estado de vernos, con las miradas de frente ante la mesa, amenazados por la corrupción de lo externo que intenta colarse hacia los íntimos adentros.

Jaime Izaguirre, “Cielos de bolsillo 2013”. Foto LFQ.

“Cielos de bolsillo 2013” de Jaime Izaguirre es una libreta de anotaciones con un trazo muy sensible, quizás silencioso de nubarrón, advertencia quizás de las contingencias de la naturaleza pero también de aquello que hace vulnerable la libertad, como el Caballo de Troya que podemos portar en nuestro propio bolsillo.

La pieza “Prelibri, de la serie Prelibri” de Abi Reyes nos vuelve a sumir en esos espacios de lo propio para discursar con nostalgia o extrañamiento por esos sentidos que entretejen los intersticios existentes entre las palabras, esas que a veces se rozan entre sí, nos penetran, o nos “muerden” hasta instigan.

Abi Reyes, “Prelibri, de la serie Prelibri”. Foto LFQ.

“Nadie, solo existen las personas que he besado” 2012. Foto LFQ.

En el recorrido de las salas advertí esos seres dibujados por el Colectivo ARCA, mostrando sus miembros o exhibiendo posiciones en un espacio donde a pesar de demostrar una mejor posición admitida por la sociedad, nos retrotraemos ensimismados o conmocionados y por ello deambulan por los resquicios o reptan por el repello de las paredes.

“Nadie, solo existen las personas que he besado” 2012, es un texto impreso en papel bond del cual hay un buen fajo dispuesto sobre un banco. “Nadie” nos deja desguarnecidos intentando saborear el gusto y perfume del último trago de un buen tinto, como aquel vino de Costantino Kavafis en “Recuerda cuerpo”: “recuerda cuanto te amaron…”, “cuántas miradas se posaron en ti”.

Mayra Barraza, Retratos. Foto LFQ.

Conmovedoras, las miradas de los retratos de Mayra Barraza, me recordaron sus trabajos de los años noventas cuando dibujó a los mareros, quizás hasta las tizas quisieran diluirse en esos trazos transparentes de la psique de cada personaje, o cualquier otro miembro anónimo de esta sociedad incomunicada donde advertimos gestos y especulamos significados.

El dibujo en mixtas de Luis Cornejo “Melting carrot 2013”, recrea o quizás “encierra”, a través del poder de la imagen, impresiones de revistas entremezcladas con íconos del comic, animados, videojuegos, o retratos construidos desde las posturas que facilita la fotografía digital, recursos con los cuales reconstruye la idea de los clásicos retratos al óleo, y a sumirnos en una reflexión sobre el tiempo, el que de alguna manera puede afectar a los personajes.

Luis Cornejo “Melting carrot 2013”. Foto cortesía de In Situ.

Mauricio Esquivel. "Estéticas del encierro". Foto cortesía In Situ.

“Estéticas del encierro” 2014 es una fotografía digital de Mauricio Esquivel. El mismo autor explica: “The Innocent Eye Test”, es una pintura de Mark Tansey de 1981 que presenta una escena en la que una vaca se presenta a observar un conocido cuadro del barroco holandés de Paulus Potter, llamada “El Toro” (1645). La reinterpretación juega con la escena y la vaca de juguete mirando a un toro, para invitarnos al juego de ver, buscar y reconocer esos nuevos paisajes o escapes ante la incertidumbre que genera lo externo.

A manera de cierre de este comentario quisiera decir que escribir sobre arte contemporáneo -como muchas de las cosas que suceden al interior de esta caparazón que protege nuestros pensamientos y entendimientos-, es un acto libre pero sesgado; subsisten fricciones, choques y tensiones que tratan de acomodarse a lo visto, analizado e interiorizado; activan el cuestionamiento y la emocionalidad de lo observado y que se recuerda, enciende la certeza o se crispa la duda y las interrogantes que me plantee al inicio, y por ello investigo sobre la fuerza impresa por los mismos artistas para contestármelas.

  

0

diseñacr

Luis Fernando Quirós

Share

Arquitectura en proceso: Centro Indígena Kapaclajui

13.08.2014 | 16:55

Los arquitectos Michael Smith y Alejandro Vallejo son los responsables de diseñar y construir el Centro Indígena Kapaclajui, ingenioso proyecto comunal en Grano de Oro, distrito Chirripó, Turrialba, cordillera de Talamanca, al Sureste del país. Se trata de un centro de capacitación y albergue, de respetuoso enfoque cultural, social, ambiental, en tanto lo resuelven con el uso de maderas provenientes de cultivos forestales certificados, observando principios de sostenibilidad en el manejo del impacto climático, iluminación, conservación y participación de la comunidad en la adopción de los lenguajes formales, e innovación en el uso creativo de tales materiales.

Vista frontal lateral del acceso. Foto cortesía de los arquitectos MS y AV. 

LFQ: Delante de la estrechez de la crisis y competencia para ejercer la arquitectura hoy en día, ¿dónde encuentran oportunidades para realizar proyectos, construirlos y ver realizadas sus aspiraciones y los caracteres de ese sistema de ideas que emprenden cada día con ese carácter de retos?
Michael Smith y Alejando Vallejo: Surge quizás porque nosotros provenimos de un entorno común, de clase media, trabajadora y no tenemos familiares dueños de empresas constructoras o influyentes en el medio local. De ahí que al salir de la universidad y durante el proceso de tesis existía la mentalidad de utilizarla como una plataforma para generar trabajo para los siguientes años; en temas que poco a poco nos hemos especializado. Durante ese proceso realizamos contactos con el gobierno, empresas, academia y organizaciones que poco a poco nos han ayudado a consolidar una red de trabajo y colaboraciones. Por ejemplo consultorías y proyectos de investigación que desarrollamos con la Fundación HOLCIM Costa Rica, en la búsqueda conjunta de recursos financieros y estrategias de diseño para estimular necesidades latentes en el país, pero que requieren de la gestión del arquitecto que no es solamente diseñar el proyecto.
En fin, nos propusimos hacer contactos para realizarnos como emergentes en un campo de mucha y compleja competencia profesional. El desafío exigía pensamiento, manejo de tácticas de emprendedurismo, capacidad de negociación para comenzar a generar experiencia, en un inicio ad honorem, para poder demostrar nuestras fortalezas y talentos y de esa manera captar potenciales clientes.

Acceso al albergue. Foto cortesía de los arquitectos MS y AV. 

LFQ: Delante de la realidad actual y las enormes transformaciones empujadas por la tecnología, se dice que muchas profesiones van a desaparecer o van a ser mediadas por dichos adelantos o por enfoques específicos. ¿Es ése el enfoque de “Diseño con impacto social” y como lo explican desde su práctica de la arquitectura?
MS y AV
: Todo nace de nuestras vinculaciones con la academia, la empresa privada, el atreverse a participar en concursos y en espacios donde se mueven los recursos económicos para lanzar posibles anzuelos.
En nuestra oficina tenemos dos tipos de proyectos: los que dan de comer y los que no, pero gracias a esos contactos con otros profesionales y empresas, nos comienzan a contactar para brindar un servicio.
Resulta fundamental ver al diseño como un servicio que genera oportunidades y contactos con personas que andan en lo mismo. Los concursos que en arquitectura son abundantes, ganamos en unos y perdemos en otros, pero generan difusión y enganches para nuevas oportunidades.
“El concurso de diseño para las clases desprotegidas en barriadas en precario o zonas marginales, que ganamos Robert Garita y mi persona al graduarnos como arquitectos, aunado a otros proyectos que desarrollé en esta línea de trabajo, me impulsó a estas esferas profesionales –opina Michael.
Entonces, implica, cómo hacer la transición entre la visión que irradia desde la academia y la receptividad que posee el trabajo en la de oficina. Por ejemplo, publicamos el “Manual de la red de cuido”, que sirve a las municipalidades, al Colegio de Arquitectos, a HOLCIM; de ahí surgen estas redes de trabajo y posteriormente se dieron invitaciones a conferencias, a bienales, exposiciones y son referencias de trabajo muy importantes.

Modelos de estudios liminares para determinar el lenguaje, y detalle constructivo en el sitio. Foto cortesía de los arquitectos MS y AV. 

LFQ: ¿Cuál es el fruto de trabajar con dichas comunidades periféricas como las indígenas o zonas habitacionales con familias desfavorecidas en el ámbito económico-social: experiencia, intercambio?, ¿cómo caracterizarlo?
MS y AV:
Trabajar con esas comunidades genera una percepción diferente, que no se tenía como un profesional emergente: ahí nadie quiere que le regale nada, la idea central es compartir, hacer trueque y de esa dinámica surgen oportunidades y se ven coronados los esfuerzos con satisfacción al ver a los usuarios disfrutar aquellas ideas que surgieron en el proceso.

LFQ: Pero, me pregunto, y esto podría ser un tema central en la polémica por el rol profesional en la sociedad contemporánea: ¿esas labores de captación de recursos y de perseguir potenciales proyectos, no debilitan la componente creativa del arquitecto?, o sea, ¿no lo sacan de su estudio donde busca inmerso en modelos y proyecciones de sus ideas de cómo cambiar el mundo?
MS y AV:
No, al contrario, eso es precisamente lo que alimenta el flujo creativo, tener que resolver el proyecto con lo mínimo o inexistencia de recursos, es el detonante que nos empuja y desvela en la producción de los proyectos. Gastar tiempo en gestión, forjar la verdadera calidad a la solución de las ideas, es un estímulo no un limitante -acota Alejandro.

Detalles constructivos preliminares. Foto cortesía de los arquitectos MS y AV. 

LFQ: ¿Cuál es la naturaleza de estos proyectos de intervención con las comunidades indígenas: investigación, proyección social?, ¿de dónde nace ese interés?, ¿cómo o qué eventos lo estimulan?
MS y AV
: Es un fenómeno de inclusión que nos exige la profesión, un ideal por fomentar y consolidar un diseño participativo para con la comunidad. Compilar información, verificarla, plantearla, validarla, es una metodología que propicia la investigación.
En el caso de Grano de Oro, plantemos realizar un taller participativo entre las instituciones, HOLCIM, IMAS y los representantes del lugar, para atender sus necesidades como comunidad. Es una estrategia de negociación útil para que ellos se sientan parte responsable de la obra, y, cuando la vean progresar en el proceso de realización, exista empoderamiento.

LFQ: ¿Qué aspectos específicos les requirió al tratarse de una comunidad indígena?
MS y AV:
Atender las especificidades, hasta considerar el dialecto de los cabécar que pueblan Talamanca, para reconocer hacia dónde dirigir o fortalecer la naturaleza de esas transiciones. De ese estudio y acercamiento a los futuros usuarios, surgió el proyecto: un centro de capacitación y albergue, que se localiza en la parte alta de la edificación.

Detalles de ritmos visuales y cromáticos en paredes laterales. Foto cortesía de los arquitectos MS y AV. 

LFQ: Al ser proyectos personales de ustedes como arquitectos y de su estudio ¿quién costea viajes, desarrollo del concepto, anteproyecto y desarrollo de planos ejecutivos?, además, ¿con qué recursos se logró construir?
MS y AV:
Aportó la Fundación HOLCIM, el Instituto Mixto de Ayuda Social –IMAS-, el Grupo XILO; además de las organizaciones y asociaciones de desarrollo. Nuestra oficina en parte asume algunos de esos costes, o la misma academia que paga nuestros sueldos por el trabajo que desarrollamos en ella.

LFQ: ¿Se emprenden nuevos proyectos por esta iniciativa?
MS y AV:
IMAS, por ejemplo, nos pide diseñar una red de puentes peatonales, en tanto que esas comunidades en su mayoría están aisladas en la montaña, se comunican por trillos que no tienen puentes y en tiempos de crecidas se incomunican.

Taller de vinculación con miembros de las comunidades, medios de acceso y comunicación entre dichas comunidades. Foto cortesía de los arquitectos MS y AV. 

LFQ: ¿Qué implica el contacto con la industria de los materiales y la construcción, como el caso que nos ocupa?
MS y AV:
Trabajar con la industria eleva el nivel de la profesión y empodera al usuario.

LFQ: ¿Ese carácter de actuación profesional de dedicar esfuerzos a la actividad social es una tendencia de la arquitectura actual?
MS y AV:
El mercado es muy volátil, se expande y se contrae. Existen empresas muy importantes en América Latina cuya práctica dentro de esa tendencia es muy fuerte. Exige y fomenta un proceso de maduración, y eso se convierte en un activador de “estar en proceso”, de “estar al día”.

Fachada posterior en construcción donde se observa la transparencia y sistema de ventilación interior. Foto cortesía de los arquitectos MS y AV. 

LFQ: Michael Smith estudió en Inglaterra una Maestría en Sostenibilidad, de manera que las soluciones integrales son componentes activos de su realización profesional. ¿Cuáles implicaciones ambientales y culturales observaron al desarrollar este proyecto, considerando la tipología de construcciones que practican esos pueblos vernáculos?
MS y AV:
Los proyectos se tratan de contextualizar. Existe una lectura profunda de los simbolismos locales para que active el empoderamiento comunal, sostenible. Vivimos en un clima perfecto, sin tener que consumir energía a partir de soluciones mas prácticas y tolerantes con el medio y su cultura.
Tecnología simple, sin grandes máquinas, más bien tecnología manual o artesanal. La estructura del centro fue elevada por los obreros a esfuerzos humanos, no podíamos Trasladar una grúa a Grano de Oro.

LFQ: ¿Dónde está la innovación? ¿Será desde el punto de vista del lenguaje de la arquitectura actual o existen otros activadores?
MS y AV:
Volvemos a puntualizar en los talleres participativos que nos permitió comprender mejor las necesidades y deseos de dichas comunidades. Al interactuar con los usuarios, conocerlos como viven, cuáles son sus alimentos y de dónde los obtienen son un activador que se comporta como agente indispensable para innovar en arquitectura.
Incluir a los usuarios en el proceso de diseño, considerar a la industria de los materiales como la madera para que aporten su experticia respecto a su manejo y tecnología, son esos activadores que centralizan el carácter de innovación.

LFQ: ¿Tienen alguna crítica a la formación de nuevos arquitectos?
MS y AV:
Muchas escuelas están llenas de teoría y de arquitectos teóricos, que no construyen, no interactúan con usuarios y comunidades, carecen de tácticas de negociación o estrategias para el mejor aprovechamiento de los recursos materiales, de las condiciones del medio y la cultura.

Vista del constructo. Foto cortesía de los arquitectos MS y AV. 

LFQ: ¿Además de calidad del espacio que lo construido forja, implica la emocionalidad e incluso la espiritualidad como fruto de lo diseñado y, en el caso específico de Grabo de Oro y el proyecto del albergue y centro de capacitación Kapaclajui, repito, implica a culturas originarias que son tan de caracteres animistas? ¿Cómo lo consideraron?
MS y AV:
Sensibilidad, eso se aprende del día a día, al observar y experimentar la materialidad, analizar los recursos como las texturas, los ritmos provocados por los colores, aspectos perceptivos, y de proponerse cómo con bajo costos se puede lograr mucho.
Tratamos de ser bastante prácticos, pero necesitamos de ser receptivos y sensibles en las dinámicas de inclusión, para –como se dijo-, leer las necesidades del otro, aspecto que nos requiere amplia reflexión. Poder explicarnos cuál es el impacto de sentir el sitio, la cultura, la espiritualidad, percatarse cómo la gente vive y experimenta el espacio, y esas observaciones requieren tiempo, reflexión, autocrítica y estar dispuestos al aprendizaje continuo.

Vista frontal lateral del acceso. Foto cortesía de los arquitectos MS y AV. 

LFQ: Tal vez, a manera de conclusión de este acercamiento con estos jóvenes y creativos arquitectos, graduados en la Universidad VÉRITAS, Costa Rica, donde en la actualidad ejercen la docencia, quisiera indagar en ellos ¿cuál es el principal ejemplo que esa intervención proyecta a las nuevas generaciones de arquitectos?
MS y AV:
Que el arquitecto tiene que cambiar su rol, él es parte de un engranaje vinculador de distintas profesiones. Debe ser accesible para todo el mundo, no debe ser visto como un lujo, sino como un profesional que responda a necesidades reales en la sociedad. Nos toca visitar zonas marginales de las ciudades o áreas rurales, y ahí, en ese medio de tantas necesidades, a la gente no le importa quien es un arquitecto, ni comprenden las posiciones “arquicentristas” del pasado. Implica una actitud de estar siempre dispuesto, ser autocríticos, asumir el manos a la obra, a echarse al agua para aprender siempre, y perder el miedo a equivocarse, caracteres que las sociedades del siglo XXI demandan, son talentos y competencias que da la vida y la experiencia del hacer lo que nos toca a conciencia.

 

  

0

diseñacr

Luis Fernando Quirós

Share

Engel Leonardo: Pedernales

04.08.2014 | 14:06

En la medida de lo posible comento en mi blog Diseñacr la considerable agenda de eventos culturales, y en especial de exposiciones que se realizan en la ciudad de San José y zonas circunvecinas, es demasiado amplia; para este mes de julio los espacios paralelos de TEORéTica: arte + pensamiento y el Museo Virginia Pérez Rattón inauguraron seis muestras; también, el mismo día, DESPACIO abrió una singular exhibición de videos de los panameños Jonathan Harker y Donna Colon, que también me interesaría comentar en algún momento. Una de las propuestas abiertas y que ya comenté fue “Entre Concreto”, pero también son de enorme interés “Emergencia – contextos volcánicos”, proyectos ganadores de las Convocatorias 2014, y el nuevo programa “Organización-en-Residencia” de Teorética.

Pedernales de Engel Leonardo en Teorética. Foto LFQ.

PEDERNALES
La propuesta de “Pedernales” creada por Engel Leonardo de República Dominicana, exhibe tres estructuras geométricas y otros objetos que utilizan la técnica de los tejidos artesanales de la cestería, de enorme sensorialidad y valor, en tanto son producidas por las manos de artesanos que habitan las zonas fronterizas entre Haití y República Dominicana, delante de la creciente proliferación de productos industriales que competen con estos. El artista se apropia de la técnica y sintetiza dicha producción cultural observada en su investigación y documentación necesaria para plantear este proyecto, al recorrer dichas fajas fronterizas entre esos pueblos de ambas naciones caribeñas.

Pedernales de Engel Leonardo en Teorética. Foto LFQ. 

Tensiones entre bordes
El asunto de lo fronterizo resulta coyuntural, por ser uno de los temas que centraliza el arte contemporáneo: las migraciones de uno y otro lado de las fronteras de las naciones, o de los grandes bloques que también generan alta tensión no solo a nivel micro o de una nación a otra, sino en las situaciones macro como sucede entre Centroamérica, México y Estados Unidos, con el patético caso de los niños migrantes que se desplazan desprotegidos sin sus padres. Pero en el caso de esta exposición titulada “Pedernales”, incrementa además el debate sobre los bordes porosos del arte con el diseño, entre el objeto artístico y el objeto funcional, en tanto las estructuras paralelipípedas expuestas asemejan o simbolizan sillas, asientos o esculturas geométricas que implican gracia, buena configuración técnica y estética. Se exhiben también los sombreros que son fabricados con esos procesos artesanales de la cestería, utilizando fibras naturales propias de aquellos pueblos.

Pedernales de Engel Leonardo en Teorética. Foto LFQ. 

Pedernales de Engel Leonardo en Teorética. Foto LFQ. 

Las técnicas, materiales y su procedencia
Es una muestra caracterizada por la fuerte intención minimalista: las tres estructuras dispuestas en la sala, cada una con distinto acento cromático, y tejidos en diversas situaciones espaciales, evidencian diagonales –las cuales contienen los tejidos-, y activan el campo o espacio vacío de la sala para generar interés compositivo y discurso, además de los sombreros cuyo tejido ennoblece la naturaleza propia del material.
Un detalle fundamental y que predica esta tendencia es que con muy poco que se tenga se dice mucho: nos hablan de las fortalezas de las materias primas vernáculas utilizadas para producir riqueza para los artesanos que las fabrican y el factor cultural que atañen; por otro lado, encienden la llamita del debate de su protección y difusión, y, como se dijo, ese traslape benéfico entre el objeto que por un lado pisa las fronteras del arte y por otro las posibilidades de dicha producción creativa que, bien conducida, podría representar una mejor fuente de empleo y riquezas en el mercado para esos grupos humanos –una vez más-, fronterizos, y hasta quizás con dicho fin logren arraigo en sus propias lindes.

Pedernales de Engel Leonardo en Teorética. Foto LFQ. 

Cartográficas
Lo expuesto subsume un discurso que me encanta encontrar, observar, analizar, comentar, y en este espacio es mostrado con lucidez conceptual y por ello fue distinguido por TEORéTica para ser parte de su programa expositivo. Demuestra que aún existen tópicos por investigar, colectar, documentar, exhibir, curar para generar una propuesta de elocuente presencia e identidad. La visión del curador es creíble en tanto organiza los asuntos que nos unen, no los que nos separan, como la idea de hablar de “contextos volcánicos” en un archipiélago como el caribeño y del istmo centroamericano, de enormes disensos como enjambre político o social, pero conectados subterráneamente por esos flujos de fuego que se encienden entre las capas tectónicas terrestres y de vez en cuando nos recuerdan nuestra pequeñez o fragilidad humana delante de esas contingencias de la naturaleza, pero que también activan visiones que el arte estará dispuesto a atender con la posibilidades intrínsecas de generar pensamiento.

  

0

diseñacr

Luis Fernando Quirós

Share
Experimenta_planet es una red colaborativa de empresas que apuestan por compartir estrategias y generar valor añadido para sus proyectos y sus experiencias. Una red formada por firmas de reconocido prestigio que consideran el diseño y la calidad como valores irrenunciables de su actividad y la colaboración cómo la mejor respuesta a las presiones del mercado.

Nuestros Blogs

Diseño, naturalmente
Fashion
Nebulosa Conceptual
aXtemporal
Experimenta, cultura del proyecto e innovación creativa
Tactelgraphics Studio

Experimenta tv

See video
Replic_Age 2014
01.07.2014
See video
Experimenta con Mariscal y su banda
25.06.2014
See video
Benedetta Tagliabue, Clase magistral en nuestra escuela
27.11.2012

Lo más visto

Estudio Yeyé, identidad e interiorismo para El Aguafuerte
22.07.2014
3Legs, mesa de café de Studio-Nomad
31.07.2014
Bloques del Este, de Zupagrafika
19.08.2014