Blog de Luis Fernando Quirós

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Diseñacr, actualidad del diseño en Costa Rica, pretende abrir una ventana de actualidad para el diseño en Costa Rica, motivar la cultura del producto y ... [+]

Un Museo dentro de otro Museo

17.04.2015 | 11:06

La nueva muestra “Museo de la Miniatura” en el Museo de Arte Costarricense (MAC) - del 9 de abril y hasta el 7 de junio 2015-, activa una importante mirada a las artes visuales del país a través de la pintura, la escultura, el grabado y las técnicas mixtas, que permitió a los artista expresar sus lenguajes y técnicas en mínimos formatos, de esa manera conformar la colección que –como expresa la directora del MAC Alma Fernández Tercero: “cabe en un baúl”, y ofrece además la posibilidad de itinerar por distintos espacios del país.


Logotipo Museo de la Miniatura, diseñado por Melissa Aguilar para el MAC.

El museo dentro de otro museo es la “metáfora visual” que motivó el diseño del logo de la muestra por parte de Melissa Aguilar -diseñadora de esa institución-, acuerpa un contraste de escala lo cual activa la idea de acción, crecimiento y gestación, por ello se deduce que el proyecto continuará desarrollándose en sí mismo.

El gestor de la idea
Fue una iniciativa de Rafa Fernández, ideada en 1983, cuando en esos años dirigía el Departamento de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura. Posteriormente el MAC –con Elizabeth Barquero en la dirección-, lo acogió realizándose dos convocatorias más para ampliar la selección de los artistas invitados, tal y como se exhibe en la actualidad.



Francisco Amighetti Ruiz (1907-1998) Reposo. Xilografía 12.3 x 8.5 cms. Y Juan Manuel Sánchez (1907-1990) Ardilla. Escultura en latón. 6.5 x 4 x 4 cms.

Algunos de los expositores
Recorrer esta propuesta guarda un significado muy singular, es observar los momentos más representativos del arte nacional, desde los maestros que dieron encaje al amplio desarrollo experimentado en el país, como Quico Quirós, Manuel de la Cruz González, Luis Dael, Dinorah Bolandi, Juan Manuel Sánchez, José Sancho, Rafa Fernández, Lola Fernández Paco Amighetti, Fernando Carballo, Margarita Quesada, Sulay Soto, Juan Luis Rodríguez, Otto Apuy, Marisel Jiménez, hasta las generaciones intermedias como Luis Chacón, Pedro Arrieta, Florencia Urbina, Leda Astorga, Roberto Lizano, José Miguel Rojas, Miguel Hernández, Loida Pretiz, Mario Maffioli, Rafael Ottón Solís, Victoria Cabezas, Guillermo Tovar, Claudio Fantini, Leda Astorga, Esteban Coto, Manuel Vargas, Carlos Poveda, entre otros.

Rafa Fernández (1935). Algo por Recordar. Óleo sobre tela. Y Margarita Quesada Schmit (1915-2001). Nazareno de Orosi. Acuarela. 16 x 12 cms.

Se espera una futura convocatoria para sumar a los artistas quienes emergieron en la década de los noventas y dos mil, e incluso, sería interesante apreciar algunos de los lenguajes, quizás más ásperos de esta parte de la segunda década del siglo XXI con el arte joven contemporáneo.

Florencia Urbina (1964). La Negri-Tica. Collage 2005. 17 x 13 cms. Y José Miguel Rojas (1959). Caballero con la mano en el pecho. Collage sobre cartón 1987. 16 x 12 cms.

Algunas anotaciones de la visita
Intentar un abordaje puntual de cada pieza y cada artista del Museo de la Miniatura resulta una labor compleja, en tanto es muy extensa, e incide -en mi caso personal-, congraciarme con los discursos mas cercanos a mi sensibilidad, pero deseo comentar algunos: Quico Quirós, con “Paisaje” demuestra su incidencia en el paisaje costarricense con un óleo de radiante luminosidad por sus intensos juegos de luces, sombras y los trazos generadores de profundidad. La xilografía de Francisco Amighetti “Reposo”, representa a un personaje que lee el periódico, aunque no posee fecha nos dice que ayer, tanto como hoy, las noticias inquietan el reposo. En la pieza de Rafa Fernández -aunque no posee fecha-, se advierte el carácter de su pintura y dibujo en estas décadas después de su enfermedad, lo cual acrecentó la fuerza de las incógnitas y la lectura de la psicología de los personajes. Me detuvo la acuarela de Margarita Quesada, “Nazareno de Orosi”, la pintora paraiseña cuyo característico estilo conquista los espacios en los cuales en vida no logró anclar.


Luis Chacón (1953). Circuit city 2005. Acrílico sobre tela. 17 x 13 cms.

Rafael Ottón Solís (1946) Tsunami 2005. Acrílico sobre tela. 17 x 13 cms.

En el capítulo de la escultura, destaco la “Ardilla” de Juan Manuel Sánchez, con el latón concibe la jocosidad de esa criatura inquieta que sube y baja por los ramajes, una pieza emblemática dentro de la animalística en la escultura costarricense. En una situación similar por su profunda sensibilidad, se aprecia el “Gato” de Marisel Jiménez, exquisito logro y fuerza evocadora del sujeto. No pasa nada desapercibida “¡Descansa Margarita!” de Leda Astorga, graciosa y crítica a su vez subvirtiendo la noción de la escultura tradicional.

Rafael Ottón Solís (1946) Tsunami 2005. Acrílico sobre tela. 17 x 13 cms.

Mario Maffioli (1960) Liquen. Cuarzo molido, argamasa y resina sobre cavas 2005. 17 x 13 cms. Y José Pablo Solís (1971). En color. Acrílico sobre tela 2005. 17 x 13 cms.

Disfruto la pieza de Luis Chacón “Circuit City” ataviada de signos y texturas del acontecer urbano actual. ”Liquen” de Mario Maffioli, cuarzo molido, argamasa resina, nos ancla en el discurso de materialidad en la pintura. Rafael Ottón Solís “Tsunami”, carga concreta, resonante de las contingencias del hoy. “En Color” de José Pablo Solís, con la técnica del barrido es una tela muy actual y cautivadora. Finalmente “Recogiendo la lluvia” de Loida Pretis, acrílico sobre madera con relieves, sugiere la vida actual, donde a veces sobre la mesa, solo se recogen unas cuantas gotas de lluvia.


 Marisel Jiménez (1947) Gato 1993. Talla en madera y lápiz. 24 x 18 x13 cms. 

La visita al Museo de la Miniatura nos enseña, entre otras ¿qué sería del arte sino fuese fuente de crecimiento cultural y de educación? El potencial del objeto artístico marca el paso del tiempo, no importa el tamaño, la escala, el material, en él advertimos las tendencias y expresiones de más de treinta años de constante evolución, pero sobre todo contribuye a dar una respuesta a cada interrogante planteada por los artistas sobre el momento ante el cual les toca vivir conmovidos por la incertidumbre del existir.
 

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Una ojeada al sentarse

16.04.2015 | 09:35

Paolo Bergomi es el director del Museo de Arte de Piriápolis, Uruguay, y un importante gestor de la profesión y la industria en el Cono Sur, y del resto del continente, en tanto también es Presidente de la Asociación Latinoamericana de Diseño ALADI. Envió hace unas semanas esta nota de prensa de una inusual muestra de sillas que exhibió dicho museo; digo inusual, pues conviven sillas en miniatura o a escala, e incluso famosas e históricas sillas reales, muchas de las cuales se pueden apreciar en tamaño natural. Comparto en mi blog “DiseñaCR” esta importante información que Bergomi titula:

"ME SIENTO BIEN / SILLAS, SILLITAS Y ASIENTOS DEL MUNDO".
MUSEO DE ARTE DE PIRIAPOLIS, URUGUAY. FEBRERO 2015


Pensar en una muestra dedicada a la silla podría inducir a la frase "otra muestra más...", pero sorprenderse con una colección de sillas del mundo en pequeño formato "discutiendo" con piezas de sentarse de la cultura del diseño, cambia la apreciación.


Salas expositivas del Museo de Arte de Piriápolis, Uruguay. Foto cortesía del MAP.

En la reciente temporada de verano del Museo de Arte de Piriápolis –MAP-, con sede en la ciudad homónima en Uruguay, se expuso la muestra "ME SIENTO BIEN / sillas, sillitas y asientos del mundo". La exhibición la integra mas de doscientas piezas de pequeño formato exhibidas en el marco de publicidades, gráficas y sillas reales, especialmente seleccionadas de las colecciones del Museo de la Industria y del Diseño Hecho en Argentina y del acervo del mismo MAP.



Muestra sillas en miniatura. Foto cortesía del MAP.

Corpus expositivo de la silla
El recorrido de la muestra nos deleita con el espíritu de convivencia de los objetos: la réplica de las bancas del Parque Güel de Gaudi con la silla plegable Magis de Van Honck, las fotos de famosos como Keith Haring, Issey Miyake, Zino Davidoff, Simon Estes, Roman Polansky, Jean Luc Godart y Gil Evans sentados en sillas tan famosas como ellos, o quizás más, diseñadas por Eames, Citterio, Kuramata y Bellini.

Muestra sillas en miniatura. Foto cortesía del MAP.

Los mini sillones en mimbre de artesanos de Indonesia y la nutrida serie de "sillas de campaña" del mundo, con el sillón Piria de Paolo Bergomi de 1977, en homenaje al fundador de la ciudad, y el sillón desarmable desarrollado en el taller que el mismo dictó en Cuenca, Ecuador, en el marco del Proyecto Bambú ALADI, veinte años después, 1997.

Una silla original Luis XV confronta con la fresca tapa de una LIFE de 1966 con la histórica BKF semisumergida en olas de verano, un BKF original, el producto de diseño argentino internacionalmente reconocido y copiado, sus variantes plegables en lona, metal y madera y dos ejemplos miniaturizados en alambre del taller de Escenografía de Estímulo de Bellas Artes RM.

Cartel. Foto cortesía del MAP.

El símbolo de muestra
Un asiento anónimo y remendado -silla del reparador de calzado-, cercana a 1940, dialoga con las réplicas de Rietveld, Hille y Bertoia, enmarcadas con la publicidades de las míticas 4794, 4870 y la plegable 4829 de Kartell. El estudiante de la Escuela de Diseño de Altos de Chavón en República Dominicana se sorprendería si supiera que su silla prototipo de tesis, obsequiada en el 2003, está presente entre una banqueta ceremonial de piedra mexicana y una multicolor silla guatemalteca.

El delicado mini sillón de filigrana logrado con tan solo una lata de gaseosa por un artesano nicaragüense convive con la dureza formal de la tronco-banqueta del uruguayo Invernizzi.

Los paneles acompañan con la Hill House de 1902 de Mackintosh, la Senna de 1925 de Gunnar Asplund y una publicidad autoría de Antonio De luca, Publicidad Tan, con la familiares "escandinavas" de Eugenio Diez de 1970.



Muestra sillas en miniatura. Foto cortesía del MAP.

Crítica de la muestra en diario argentino
Respetuoso de su filosofía, de que las muestras deben cumplir con una función tanto didáctica como dinámica, la curaduría no descuidó la actualidad, al incluir la oportuna publicación de DNI del diario Clarín de Buenos Aires, con el artículo del crítico Miguel Jurado "Clásicos modernos, el origen y el prestigio", un vuelo rasante sobre tres productos emblemáticos, la Chaise Longue de Le Corbusier y equipo, 1928; la Barcelona de Mies Van der Rohe,1929 y la Lounge Chair de Charles y Ray Eames,1956.

El texto de presentación introduce a través de una lectura sensible y de reconocimiento a la tarea, de quien dedicó mucho más que tiempo y espacio intelectual, para reunir esta colección tan singular.


 
Muestra sillas en miniatura. Foto cortesía del MAP.

"Desde que el mundo en mundo, nos sentamos, no siempre bien, ni cómodos. El sentarse es una de las acciones naturales y espontáneas esenciales al ser humano. Aún más, nuestras antecesores en la cadena darwiniana ya lo hacían y lo siguen haciendo. De hecho, el mejor parto es en cuclillas, una forma de sentarse. Descanso, reflexión, ingesta de comidas, coloquios tribales, estudio, trabajo, jurados, diversión y hasta muerte, son convocantes en el objeto "silla".

Beatriz Segni, artista plástica de formación plural, nos ofrece la posibilidad de viajar a través del universo de la silla, gracias a ésta su colección, resultado de una búsqueda tan singular como fascinante.

El dicho "de cada pueblo un paisano" encuentra confirmación en lo expuesto, sillas de mas de treinta países, artesanales, industriales, de ocasión, de encuentro buscado y encuentro espontáneo, obsequiadas por obsesivos buscadores en sintonía con el proyecto, regateadas en mercados variopintos, adquiridas en salones de arquitectura.

Un mundo de sillas es un mundo de diseño. La silla, uno de los productos mas diseñados en la historia reciente del diseño, un objeto de culto, un símbolo de la cultura de los pueblos, expresada en su propia forma de sentarse y vivir la vida.
Conclusión y como esencia de la muestra , el sentarse bien es sentirse bien."


 

Beatriz C. Segni, nació en Comodoro Rivadavia, en la Patagonia argentina. Artista Plástica, ceramista, pintora, mosaiquista egresada de la Escuela del Mosaico de Ravenna, Italia. Experta en comercialización de diseño. Directora del Programa ARTODOS. Secretaria de Relaciones Internacionales de la ALADI. Secretaria de Estímulo de Bellas Artes RM. Actora social. Gremialista empresaria.

La muestra estuvo expuesta del 14 al 28 de febrero en la sede histórica del MAP, un proyecto del Arq. Jones Brown de 1904, en origen como vivienda para el Sr. Lorenzo Piria, hijo del fundador de la ciudad veraniega de Piriápolis, Francisco Piria Grosso, fundada en 1890.



Muestra sillas en miniatura y a tamaño real. Foto cortesía del MAP.

¿Qué es el MAP?
Es una iniciativa privada, de acceso libre y gratuito, creado en 1988 y abierto al público en el 2000, tiene por objetivo generar un polo irradiante de los procesos culturales vinculados a la creatividad, las artes, el diseño, la arquitectura, el patrimonio, en sus múltiples y variadas expresiones y modalidades de representación.

 Salas expositivas. Foto cortesía del MAP.

Hasta la presente a organizado 21 muestras temáticas, así como workshops, conferencias, concursos y muestras en variados escenarios. Es miembro de la Asociación Latinoamericana de Diseño ALADI y cuenta con su Sello de Respaldo institucional; es sede, además, del Polo del Este del Centro Promotor del Diseño CEPRODI y de la UGA / United Global Academy para Latinoamérica. Declarado de Interés por los Ministerios de Educación y Cultura y de Turismo del Uruguay es considerado un caso de estudio por sus características de gestión y resultados.

Prof. Paolo I.G. Bergomi
Director
MAP ALADI

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Luis Fernando Quirós

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TERMINAL: Arte Joven

10.04.2015 | 11:43

Dentro de las manifestaciones del “arte contemporáneo”, las expresiones de los artistas más jóvenes son puntos importantes a observar, por un lado reconocer el común denominador dentro de sus prácticas de producción y sus maneras de comprender los asuntos creativos, por otro, advertir hacia dónde redirecciona el arte en la actualidad, a qué fronteras se dirige, considerando la alternativa de que los bordes hoy en día son muy porosos entre sí; aquello que es un fin, una meta, un estado final, demostrará un intersticio por donde fluirá un nuevo inicio, y eso precisamente es esperanzador.

Nuevo espacio TERMINAL, en San José Costa Rica. Foto LFQ.

Lo exhibido en el espacio TERMINAL se gesta gracias a la inusual alternativa que un artista aventajado y también joven como Fabrizio Arrieta, se propone abrir para estas nuevas generaciones del arte costarricense. Ahí nace mi interés en esta aproximación, pues de alguna manera sigo de cerca el trabajo de los jóvenes, lo hago para sentir sus pulsaciones en esos encuentros con la materia, que aunque siempre será la misma es tratada de manera distinta, con nuevas herramientas, técnicas y abordajes: la animación digital, el videoarte, el arte urbano, el grafiti y otros encajes para la pintura, el dibujo, el grabado, la instalación. Además me interesa en tanto asumen un lenguaje que aunque es el mismo de todos, resuena con otras acentuaciones al discurso conceptual, con distintas puntuaciones que inciden al percibir su arte y lo hacen ver quizás más áspero, con una carga poética emergente de una interioridad acuciosa ante los grandes conflictos del ser en esta coyuntura de la segunda década, primer centuria del tercer milenio.

Evento de apertura. Foto cortesía de TERMINAL.

Considerando el título Recuerda mi nombre, trece artistas se propusieron asumir el desafío de cargar a ese espacio de sus –como dije- pulsaciones, las cuales atañen a la vida, y en toda vivencia cotidiana coexisten el amor o el desamor, como también un desmedido frenetismo en el acontecer, con una dosis de sensualidad o erotismo, pero también de pensamiento, intertextualidad, percepciones del otro y sobre todo del cuerpo del otro, tal y como apreció Roberto Guerrero en su texto de presentación de la muestra; un cuerpo que no olvida y son sensibles las cicatrices de sus encuentros o desencuentros, lo que conforma historia personal en cada uno disparados para afectar a los observadores que visitan Terminal: Un Yo que llega desguarnecido ante el desparpajo del mundo, la agresividad proveniente del afuera y cotidianidad, pero de repente, al ingresar, uno se ve sumido en un campo de fuerzas cuyos vectores son símbolos del inminente vivir, repito, como la sensualidad y el éxtasis –tal y cual lo apreciara Georges Bataille en L´Erotisme (4ta Ed. 2005), es suma de sumas: El erotismo es uno de los aspectos de la vida interior del ser humano. En este punto solemos engañarnos porque buscamos fuera el objeto del deseo-, además del lenguaje de-construido, que devela distintos matices de la interioridad y nos conectan a las experiencias íntimas tenidas con dichos objetos-símbolos, como es el caso de “Sin título, de la serie Sueños Húmedos” de Gabriel Moreno, propuesta que nos provocan sea un gesto de desagrado o de asco, o al contrario, anclan en la “carnalidad” de cada quien.

“Sin título, de la serie Sueños Húmedos” de Gabriel Moreno. Al fondo pintura de Roger Muñoz. Foto LFQ.

Espacio TERMINAL. Foto cortesía de TERMINAL. 

De inmediato al ingresar a la sala me invadió el deseo de evocar aquel poema Recuerda Cuerpo de Constantino Kavafis cuando dice cómo brillaban,
recuerda, en los ojos que te miraban;
cómo temblaban en la voz, por ti. Nos toca otro punto sensible aquella pieza de Ariela Kader “Sin Título, Social Trash serie”, objeto/instalación, con las bolsas de basura y textos donde anidan memorias de cuerpos que pasaron de lado o con los cuales se compartió el nectar de la juventud, cuerpos que se amaron, sin embargo también se lanzan a la inmundicia –al basurero social a que refiere la artista-, como si nada hubiese sucedido o simplemente fueran subproductos de esta temible sociedad de consumo, sociedad del desecho donde el signo siniestro del poder nos marca hasta en el plano amoroso cuando existe el recambio. ¡Cómo no decir que existe pensamiento, en las frases adheridas a la puerta del baño, en esa territorialidad del lenguaje -de la muestra y de esta misma autora-, vuelvo a decir “de-construido”, quebrado, para intimidarnos y provocar la comprensión del significado de pisar a veces el filo del mundo. ¿Cómo no sentir afectada la sensualidad, ante los activadores emocionales dejados en cada pared, en cada ángulo y cruce de la sala, en cada plano ortogonal que dirige las miradas hacia muchos otros espacios, proposiciones y diálogos, como “los sueños húmedos” de Moreno -ya comentado-, que dirigen la atención hacia la pintura del bebé de Roger Muñoz –ícono tan utilizado por la publicidad en la venta de alimentos, aceites y lociones- pintado en óleo dentro de una circunferencia la cual de inmediato dispara la idea del condón, el latex que separa las carnes, la virilidad y fertilidad, tan vividas en la vida actual pero origen de tantos conflictos.

Espacio TERMINAL. Foto cortesía de TERMINAL.  

No pasan nada desapercibidos los vectores que imprime una patineta al desplazarse sobre el plano vertical de la pared y la plataforma de metal que lo catapulta desde el pavimento, intervención en el espacio de Olman Torres (Stand By), Miguel Castro y Kevin Mejía (Vagabond), la cual ensaya el día a día de tantos muchachos que ante la férrea disyuntiva antepuesta por la crisis e incomprensión social, se vuelve muralla y alternativa para marcarla con dichas improntas, para poco a poco derribarla. Tampoco puedo dejar de comentar la mesita de madera con sobre de vidrio, la cual enmarca una “Prueba de estado” grabada por Fernanda Matarrita, como para constatar el trabajo del taller en diálogo con la pieza múltiple “Osteogénesis registro óseo de un padecimiento colectivo”de Cristian Salablanca quien va al despiece múltiple para ensayar lo sucedido con el cuerpo colectivo de una sociedad en fase terminal. Me tocan los cuatro dibujos en la pared los cuales más que trazos son registros de una tectónica que retrata la evocación y el deleite también sensual, una mirada perdida que de repente tiznó la superficie del papel, “Actual size an loaded gun” de Marlon Robinson, pieza hecha con lubricante, semen, carboncillo y pólvora. De frente, un conjunto de tres visiones de Elisa Bergel “Buena idea” collage digital, evocan lo femenino, visión que desvanece en la pantalla de la imaginación donde regenera la estructura de repetición con su carga de sensualidad. Culmina esta zona de la exposición la columna y viga pintada con el gesto callejero del arte urbano colmado de color y signos de la calle por parte de Kevin Mejía, “Pasando por Chepe”, intervención urbana.

Espacio TERMINAL. Foto cortesía de TERMINAL.  

Evoco aquella animación que aunque son trazos de luz y movimiento en el poliedro de la virtualidad, también vivencian la vida y conviven en otra dimensión que no es la nuestra pero donde también existe la incertidumbre, la beligerancia y el combate ante el adversario: el corto animado “La máquina de esmegma” de Diego Arias y la proyección de Alejandro Bonilla “El funeral” 2014, cortometraje de animación 3D.

Otra de las piezas expuestas, en este caso sobre un soporte de madera de pino y pintura acrílica, levita el toque jocoso de “El Matrimonio” de Fabrizio Durán donde se reflexiona acerca del rol de la criatura que espera en la solitud, y que desdibuja la paz hogareña y la situación de la mujer agredida, y por otro, el “Sin título” de Andrés Gudiño, carboncillo sobre cartón con un sentido de mínima expresión de una idea juguetona pero crítica.

Espacio TERMINAL. Foto cortesía de TERMINAL.  

Para cerrar mi comentario vuelvo a reflexionar sobre el significado de abrir el espacio por parte de Arrieta, para que las nuevas generaciones de artistas tengan donde realizarse y comprometerse con el arte, argumentar su rol ante la crisis cultural en un país donde existen muchos museos pero las oportunidades para exponer son siempre escasas, sobre todo para estos grupos emergentes. Muchos de ellos son desconocidos, quizás esta sea la primera ocasión para aparecer en público, lo hacen con una marca de contundencia, sin embargo lanzan dardos a un vacío sin saber que al intentar dar en el blanco, puede que los vectores disloquen su curso y hasta se devuelvan, como el boomerang, cuya colisión inminente también nos hiere.

  

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