Blog de Luis Fernando Quirós

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Giovan Battista Rotella: Arte Filatélico

14.05.2015 | 09:09

Con los medios electrónicos para la comunicación actual en internet, correo electrónico, redes sociales: Facebook, Twitter, Instagram, Whatsapp, entre otros espacios para compartir información, pareciera que el tradicional correo postal estuviera destinado a desaparecer; sin embargo, no es así. También existen muchas personas en el mundo que mantienen la buena tradición de escribir a mano, de enviar sus cartas por correo, por lo que el consumo de valores filatélicos no es que adquiera fuerza, pero prevalece, más allá de la actividad por parte de los coleccionistas de sellos, que día a día ponen sus miradas en esa existencia la cual adquiere valor de cambio, al igual que las monedas y billetes. Y hablando de redes sociales, desde hace un par de años que sigo el trabajo del pintor y gráfico italiano Giovan Battista Rotella (1947), me interesa en tanto desarrolla un estilo muy suyo a tematizar sobre las estampillas o sellos postales. La historia del arte encuentra otro vehículo pictórico, el cual reinterpreta a los grandes maestros y diversos movimientos estilísticos, que han sido sujetos de ediciones filatélicas en diversos países del mundo.

Giovan Battista Rotella: Arte FilatélicoGiovan Battista Rotella. Liminares de su pintura. Fotos cortesía del artista 

Con esta entrevista quise indagar más sobre su trabajo, preguntarle acerca de aspectos de su método de elaboración y del contenido que acuerpa su pintura, y esa particular manera de apropiarse del lenguaje postal, de la carta, del sobre, de las direcciones y anotaciones, aquello que es sellado, reescrito, remarcado con distintos signos propio de un vocabulario en el tránsito que va desde el momento que el depositario inserta la correspondencia en el cajón del correo, hasta que el cartero lo deposita en otro cajón, en el del destinatario. Las piezas de esta colección de pinturas son solo eso: lenguaje, y el paso del tiempo en un sujeto que se traslada a distancias inimaginables y distingue a la actividad postal por siglos, aunque hoy, mediado por la tecnología, se marca con simple “clik”.

”Entrega especial”. Óleo sobre tela, 80x100 cms. Fotos cortesía del artista 


¿Cómo y cuándo se dieron los inicios para esta forma de expresión suya?
Giovan Battista Rotella: Mi primer muestra personal fue en 1970. Siempre me realicé como un pintor figurativo.


¿Qué pintaba antes de inmiscuirse con el arte de los sellos postales? ¿Cuándo marcó el punto de quiebre para esta nueva etapa de su trabajo creativo?
El verdadero punto de inflexión lo experimenté a finales de los años noventa del siglo pasado, cuando me expresaba con un abordaje que iba desde una narrativa exterior, hasta el diario íntimo. Dicha narrativa profundizaba sobre la esencia de las cosas. Vinieron los bocetos, las telas y cartones apilados en el estudio; los ramos de flores, las cebollas, los limones, las arenas de la playa, los girasoles…

“Marilyn”, representación de estampilla sobre la pintura de Warhol y el Pop Americano. Fotos cortesía del artista. 

¿Investigó la existencia de otros pintores interesados en tan particular argumento?
Por cuanto se, no existen en el mundo otros pintores que utilicen la estampilla como la utilizo yo.
¿Dónde encontró el origen de pintar los sellos postales en la pintura?

Todo esto tiene que ver con mi infancia, mi padre era coleccionista de sellos postales; él me ponía tareas bien precisas, como despegar las estampillas de los sobres. Yo me detenía a mirar aquellas pequeñas estampitas a colores donde se representaban personajes históricos. De manera que todo este bagaje y experiencia actual se encadena a los recuerdos de mi propia infancia.

“Fragmentos”. Óleo. 40x30 cms. Fotos cortesía del artista. 

“Picassiana”. Óleo sobre tela. 100x80 cms. Fotos cortesía del artista. 

¿Cuando inició esta investigación?
Se inicia entre 2005 y 2006.


¿Cuál es el mensaje central de su discurso: será recuperar un arte que pierde espacio delante de internet y las redes sociales?
Mi discurso no es tanto recuperar un mundo que internet destruyó, y no podrá recuperarse jamás. Trato de contar lo sucedido en el último siglo, a lo largo de la historia de las estampillas y los sellos postales.

“Recuerdos infantiles”, Óleo sobre tela. 70x70 cms. Fotos cortesía del artista. 

 “Recortes” Óleo sobre tela. 50x70 cms. Fotos cortesía del artista. 

¿Desaparecerá esta tipología de valores de cambio? ¿Será que su obra es un homenaje a la actividad filatélica en todo el mundo?
Lo que si deseo es que mi obra permanezca como un documento histórico.


Las estampillas son un producto de la gran industria gráfica. Como gráfico y pintor, ¿había experimentado algún otro acercamiento a esa actividad creativa?
Soy un pintor que por libre escogencia se encuentra manipulando las estampillas convirtiéndolas en otra cosa diferente de su función original. Una operación que se mueve entre la vanguardia conceptual y la pintura tradicional.

“Devuelta al remitente” Óleo sobre tela. 100x120 cms. Fotos cortesía del artista. 


Giovan Battista Rotella
concibe el cuadro a partir del diseño mismo de la estampilla, sin embargo al recomponerlo eclipsa la reinterpretación a partir de ese estilo y técnica de la tradicional manera de pintar al óleo. Cabe explicar que el Conceptualismo se sirve de esos talentos y manejos de la técnica, en este caso al óleo, para dotar de pensamiento a la obra, que la pintura no sea una representación literal de la natural o de la ilusa creatividad del artista sino un objeto que se distingue por su carga conceptual. La pintura se reinventa y ya no es simple apariencia sino un nudo de conexiones y significados lo cual nos reta a la interpretación, instiga a percibir más allá de la mera apariencia y a tratar de visualizar los recovecos de su cimentación y construcción.

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Luis Fernando Quirós

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Un Museo dentro de otro Museo

17.04.2015 | 11:06

La nueva muestra “Museo de la Miniatura” en el Museo de Arte Costarricense (MAC) - del 9 de abril y hasta el 7 de junio 2015-, activa una importante mirada a las artes visuales del país a través de la pintura, la escultura, el grabado y las técnicas mixtas, que permitió a los artista expresar sus lenguajes y técnicas en mínimos formatos, de esa manera conformar la colección que –como expresa la directora del MAC Alma Fernández Tercero: “cabe en un baúl”, y ofrece además la posibilidad de itinerar por distintos espacios del país.


Logotipo Museo de la Miniatura, diseñado por Melissa Aguilar para el MAC.

El museo dentro de otro museo es la “metáfora visual” que motivó el diseño del logo de la muestra por parte de Melissa Aguilar -diseñadora de esa institución-, acuerpa un contraste de escala lo cual activa la idea de acción, crecimiento y gestación, por ello se deduce que el proyecto continuará desarrollándose en sí mismo.

El gestor de la idea
Fue una iniciativa de Rafa Fernández, ideada en 1983, cuando en esos años dirigía el Departamento de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura. Posteriormente el MAC –con Elizabeth Barquero en la dirección-, lo acogió realizándose dos convocatorias más para ampliar la selección de los artistas invitados, tal y como se exhibe en la actualidad.



Francisco Amighetti Ruiz (1907-1998) Reposo. Xilografía 12.3 x 8.5 cms. Y Juan Manuel Sánchez (1907-1990) Ardilla. Escultura en latón. 6.5 x 4 x 4 cms.

Algunos de los expositores
Recorrer esta propuesta guarda un significado muy singular, es observar los momentos más representativos del arte nacional, desde los maestros que dieron encaje al amplio desarrollo experimentado en el país, como Quico Quirós, Manuel de la Cruz González, Luis Dael, Dinorah Bolandi, Juan Manuel Sánchez, José Sancho, Rafa Fernández, Lola Fernández Paco Amighetti, Fernando Carballo, Margarita Quesada, Sulay Soto, Juan Luis Rodríguez, Otto Apuy, Marisel Jiménez, hasta las generaciones intermedias como Luis Chacón, Pedro Arrieta, Florencia Urbina, Leda Astorga, Roberto Lizano, José Miguel Rojas, Miguel Hernández, Loida Pretiz, Mario Maffioli, Rafael Ottón Solís, Victoria Cabezas, Guillermo Tovar, Claudio Fantini, Leda Astorga, Esteban Coto, Manuel Vargas, Carlos Poveda, entre otros.

Rafa Fernández (1935). Algo por Recordar. Óleo sobre tela. Y Margarita Quesada Schmit (1915-2001). Nazareno de Orosi. Acuarela. 16 x 12 cms.

Se espera una futura convocatoria para sumar a los artistas quienes emergieron en la década de los noventas y dos mil, e incluso, sería interesante apreciar algunos de los lenguajes, quizás más ásperos de esta parte de la segunda década del siglo XXI con el arte joven contemporáneo.

Florencia Urbina (1964). La Negri-Tica. Collage 2005. 17 x 13 cms. Y José Miguel Rojas (1959). Caballero con la mano en el pecho. Collage sobre cartón 1987. 16 x 12 cms.

Algunas anotaciones de la visita
Intentar un abordaje puntual de cada pieza y cada artista del Museo de la Miniatura resulta una labor compleja, en tanto es muy extensa, e incide -en mi caso personal-, congraciarme con los discursos mas cercanos a mi sensibilidad, pero deseo comentar algunos: Quico Quirós, con “Paisaje” demuestra su incidencia en el paisaje costarricense con un óleo de radiante luminosidad por sus intensos juegos de luces, sombras y los trazos generadores de profundidad. La xilografía de Francisco Amighetti “Reposo”, representa a un personaje que lee el periódico, aunque no posee fecha nos dice que ayer, tanto como hoy, las noticias inquietan el reposo. En la pieza de Rafa Fernández -aunque no posee fecha-, se advierte el carácter de su pintura y dibujo en estas décadas después de su enfermedad, lo cual acrecentó la fuerza de las incógnitas y la lectura de la psicología de los personajes. Me detuvo la acuarela de Margarita Quesada, “Nazareno de Orosi”, la pintora paraiseña cuyo característico estilo conquista los espacios en los cuales en vida no logró anclar.


Luis Chacón (1953). Circuit city 2005. Acrílico sobre tela. 17 x 13 cms.

Rafael Ottón Solís (1946) Tsunami 2005. Acrílico sobre tela. 17 x 13 cms.

En el capítulo de la escultura, destaco la “Ardilla” de Juan Manuel Sánchez, con el latón concibe la jocosidad de esa criatura inquieta que sube y baja por los ramajes, una pieza emblemática dentro de la animalística en la escultura costarricense. En una situación similar por su profunda sensibilidad, se aprecia el “Gato” de Marisel Jiménez, exquisito logro y fuerza evocadora del sujeto. No pasa nada desapercibida “¡Descansa Margarita!” de Leda Astorga, graciosa y crítica a su vez subvirtiendo la noción de la escultura tradicional.

Rafael Ottón Solís (1946) Tsunami 2005. Acrílico sobre tela. 17 x 13 cms.

Mario Maffioli (1960) Liquen. Cuarzo molido, argamasa y resina sobre cavas 2005. 17 x 13 cms. Y José Pablo Solís (1971). En color. Acrílico sobre tela 2005. 17 x 13 cms.

Disfruto la pieza de Luis Chacón “Circuit City” ataviada de signos y texturas del acontecer urbano actual. ”Liquen” de Mario Maffioli, cuarzo molido, argamasa resina, nos ancla en el discurso de materialidad en la pintura. Rafael Ottón Solís “Tsunami”, carga concreta, resonante de las contingencias del hoy. “En Color” de José Pablo Solís, con la técnica del barrido es una tela muy actual y cautivadora. Finalmente “Recogiendo la lluvia” de Loida Pretis, acrílico sobre madera con relieves, sugiere la vida actual, donde a veces sobre la mesa, solo se recogen unas cuantas gotas de lluvia.


 Marisel Jiménez (1947) Gato 1993. Talla en madera y lápiz. 24 x 18 x13 cms. 

La visita al Museo de la Miniatura nos enseña, entre otras ¿qué sería del arte sino fuese fuente de crecimiento cultural y de educación? El potencial del objeto artístico marca el paso del tiempo, no importa el tamaño, la escala, el material, en él advertimos las tendencias y expresiones de más de treinta años de constante evolución, pero sobre todo contribuye a dar una respuesta a cada interrogante planteada por los artistas sobre el momento ante el cual les toca vivir conmovidos por la incertidumbre del existir.
 

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Luis Fernando Quirós

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Una ojeada al sentarse

16.04.2015 | 09:35

Paolo Bergomi es el director del Museo de Arte de Piriápolis, Uruguay, y un importante gestor de la profesión y la industria en el Cono Sur, y del resto del continente, en tanto también es Presidente de la Asociación Latinoamericana de Diseño ALADI. Envió hace unas semanas esta nota de prensa de una inusual muestra de sillas que exhibió dicho museo; digo inusual, pues conviven sillas en miniatura o a escala, e incluso famosas e históricas sillas reales, muchas de las cuales se pueden apreciar en tamaño natural. Comparto en mi blog “DiseñaCR” esta importante información que Bergomi titula:

"ME SIENTO BIEN / SILLAS, SILLITAS Y ASIENTOS DEL MUNDO".
MUSEO DE ARTE DE PIRIAPOLIS, URUGUAY. FEBRERO 2015


Pensar en una muestra dedicada a la silla podría inducir a la frase "otra muestra más...", pero sorprenderse con una colección de sillas del mundo en pequeño formato "discutiendo" con piezas de sentarse de la cultura del diseño, cambia la apreciación.


Salas expositivas del Museo de Arte de Piriápolis, Uruguay. Foto cortesía del MAP.

En la reciente temporada de verano del Museo de Arte de Piriápolis –MAP-, con sede en la ciudad homónima en Uruguay, se expuso la muestra "ME SIENTO BIEN / sillas, sillitas y asientos del mundo". La exhibición la integra mas de doscientas piezas de pequeño formato exhibidas en el marco de publicidades, gráficas y sillas reales, especialmente seleccionadas de las colecciones del Museo de la Industria y del Diseño Hecho en Argentina y del acervo del mismo MAP.



Muestra sillas en miniatura. Foto cortesía del MAP.

Corpus expositivo de la silla
El recorrido de la muestra nos deleita con el espíritu de convivencia de los objetos: la réplica de las bancas del Parque Güel de Gaudi con la silla plegable Magis de Van Honck, las fotos de famosos como Keith Haring, Issey Miyake, Zino Davidoff, Simon Estes, Roman Polansky, Jean Luc Godart y Gil Evans sentados en sillas tan famosas como ellos, o quizás más, diseñadas por Eames, Citterio, Kuramata y Bellini.

Muestra sillas en miniatura. Foto cortesía del MAP.

Los mini sillones en mimbre de artesanos de Indonesia y la nutrida serie de "sillas de campaña" del mundo, con el sillón Piria de Paolo Bergomi de 1977, en homenaje al fundador de la ciudad, y el sillón desarmable desarrollado en el taller que el mismo dictó en Cuenca, Ecuador, en el marco del Proyecto Bambú ALADI, veinte años después, 1997.

Una silla original Luis XV confronta con la fresca tapa de una LIFE de 1966 con la histórica BKF semisumergida en olas de verano, un BKF original, el producto de diseño argentino internacionalmente reconocido y copiado, sus variantes plegables en lona, metal y madera y dos ejemplos miniaturizados en alambre del taller de Escenografía de Estímulo de Bellas Artes RM.

Cartel. Foto cortesía del MAP.

El símbolo de muestra
Un asiento anónimo y remendado -silla del reparador de calzado-, cercana a 1940, dialoga con las réplicas de Rietveld, Hille y Bertoia, enmarcadas con la publicidades de las míticas 4794, 4870 y la plegable 4829 de Kartell. El estudiante de la Escuela de Diseño de Altos de Chavón en República Dominicana se sorprendería si supiera que su silla prototipo de tesis, obsequiada en el 2003, está presente entre una banqueta ceremonial de piedra mexicana y una multicolor silla guatemalteca.

El delicado mini sillón de filigrana logrado con tan solo una lata de gaseosa por un artesano nicaragüense convive con la dureza formal de la tronco-banqueta del uruguayo Invernizzi.

Los paneles acompañan con la Hill House de 1902 de Mackintosh, la Senna de 1925 de Gunnar Asplund y una publicidad autoría de Antonio De luca, Publicidad Tan, con la familiares "escandinavas" de Eugenio Diez de 1970.



Muestra sillas en miniatura. Foto cortesía del MAP.

Crítica de la muestra en diario argentino
Respetuoso de su filosofía, de que las muestras deben cumplir con una función tanto didáctica como dinámica, la curaduría no descuidó la actualidad, al incluir la oportuna publicación de DNI del diario Clarín de Buenos Aires, con el artículo del crítico Miguel Jurado "Clásicos modernos, el origen y el prestigio", un vuelo rasante sobre tres productos emblemáticos, la Chaise Longue de Le Corbusier y equipo, 1928; la Barcelona de Mies Van der Rohe,1929 y la Lounge Chair de Charles y Ray Eames,1956.

El texto de presentación introduce a través de una lectura sensible y de reconocimiento a la tarea, de quien dedicó mucho más que tiempo y espacio intelectual, para reunir esta colección tan singular.


 
Muestra sillas en miniatura. Foto cortesía del MAP.

"Desde que el mundo en mundo, nos sentamos, no siempre bien, ni cómodos. El sentarse es una de las acciones naturales y espontáneas esenciales al ser humano. Aún más, nuestras antecesores en la cadena darwiniana ya lo hacían y lo siguen haciendo. De hecho, el mejor parto es en cuclillas, una forma de sentarse. Descanso, reflexión, ingesta de comidas, coloquios tribales, estudio, trabajo, jurados, diversión y hasta muerte, son convocantes en el objeto "silla".

Beatriz Segni, artista plástica de formación plural, nos ofrece la posibilidad de viajar a través del universo de la silla, gracias a ésta su colección, resultado de una búsqueda tan singular como fascinante.

El dicho "de cada pueblo un paisano" encuentra confirmación en lo expuesto, sillas de mas de treinta países, artesanales, industriales, de ocasión, de encuentro buscado y encuentro espontáneo, obsequiadas por obsesivos buscadores en sintonía con el proyecto, regateadas en mercados variopintos, adquiridas en salones de arquitectura.

Un mundo de sillas es un mundo de diseño. La silla, uno de los productos mas diseñados en la historia reciente del diseño, un objeto de culto, un símbolo de la cultura de los pueblos, expresada en su propia forma de sentarse y vivir la vida.
Conclusión y como esencia de la muestra , el sentarse bien es sentirse bien."


 

Beatriz C. Segni, nació en Comodoro Rivadavia, en la Patagonia argentina. Artista Plástica, ceramista, pintora, mosaiquista egresada de la Escuela del Mosaico de Ravenna, Italia. Experta en comercialización de diseño. Directora del Programa ARTODOS. Secretaria de Relaciones Internacionales de la ALADI. Secretaria de Estímulo de Bellas Artes RM. Actora social. Gremialista empresaria.

La muestra estuvo expuesta del 14 al 28 de febrero en la sede histórica del MAP, un proyecto del Arq. Jones Brown de 1904, en origen como vivienda para el Sr. Lorenzo Piria, hijo del fundador de la ciudad veraniega de Piriápolis, Francisco Piria Grosso, fundada en 1890.



Muestra sillas en miniatura y a tamaño real. Foto cortesía del MAP.

¿Qué es el MAP?
Es una iniciativa privada, de acceso libre y gratuito, creado en 1988 y abierto al público en el 2000, tiene por objetivo generar un polo irradiante de los procesos culturales vinculados a la creatividad, las artes, el diseño, la arquitectura, el patrimonio, en sus múltiples y variadas expresiones y modalidades de representación.

 Salas expositivas. Foto cortesía del MAP.

Hasta la presente a organizado 21 muestras temáticas, así como workshops, conferencias, concursos y muestras en variados escenarios. Es miembro de la Asociación Latinoamericana de Diseño ALADI y cuenta con su Sello de Respaldo institucional; es sede, además, del Polo del Este del Centro Promotor del Diseño CEPRODI y de la UGA / United Global Academy para Latinoamérica. Declarado de Interés por los Ministerios de Educación y Cultura y de Turismo del Uruguay es considerado un caso de estudio por sus características de gestión y resultados.

Prof. Paolo I.G. Bergomi
Director
MAP ALADI

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