Blog de Luis Fernando Quirós

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Diseñacr, actualidad del diseño en Costa Rica, pretende abrir una ventana de actualidad para el diseño en Costa Rica, motivar la cultura del producto y ... [+]

Metáfora de los Sonidos

28.08.2015 | 17:44

Visitar la muestra “Metáfora de los Sonidos” que exhibe actualmente los Museos del Banco Central de Costa Rica (MBCCR), en las salas del Museo del Oro Precolombino, activa en nosotros espectadores un real empoderamiento al constatar la enormidad del arte de nuestras culturas originarias. Pero por otro, instigan los cuestionamientos de ¿qué sería de una gran cultura como la que pobló estos territorios, sin la dimensión del arte musical, sin la capacidad de expresar con instrumentos, voces y musicalidad del entorno, sin los sonidos durante las ceremonias funerarias, los rituales asociados a los cultivos y a la recolección, a la propiciación durante la cacería, al rito de la fertilidad, la defensa, la guerra o las pugnas por el poder, además, como es lógico pensar, que sería de la comunicación entre los pueblos mediada con esos simbolismos e interpretaciones relativas a sus modos de interacción social, cultural y religiosa?

Fotografías de la muestra. Cortesía del MBCCR.

Fotografías de los instrumentos. Cortesía del MBCCR. 

Algo más que sonidos y materiales
Al apreciar los instrumentos expuestos, clasificados según el sonido que emiten, según los materiales con que fueron realizados, desde una ocarina configurada a partir de elementos de su imaginario y simbolismos –el animal, el humano, los mitos, el tambor, la flauta, a uno no le queda más que cuestionar la noción eurocéntrica de que aquellos pueblos ancestrales fueran solo cazadores y agricultores, en tanto el depurado manejo de tales materiales, sus técnicas de producción como la arcilla, la piedra, la madera, la orfebrería, los textiles, nos hablan de una cultura de mayor estatura la cual manejó un sistema de pensamiento de amplitud mundial.

Fotografías de los instrumentos. Cortesía del MBCCR.  

Activador emocional
Al leer los textos, apreciar la museografía y andar la exhibición, me acompañó mentalmente la evocación de un aforismo de Lao Tse del “Libro del Sendero”, el cual aprecia la “oquedad” que permite el material con que está hecha la flauta o la ocarina -en este caso la arcilla o la madera-, “es como el vacío distante entre el cielo y la tierra, es solo un hueco pero su contenido es inagotable”. Activa y emociona al pensar que con esos instrumentos de viento, y según el número de agujeros que posean podamos interpretar sonidos propios no solo de estas culturas autóctonas sino de más allá, de otros continentes, acompañados por la emisión sónica de las voces o de los cantores, o de la musicalidad que, como se dijo, podía aportar la misma naturaleza: las aguas al correr por las cauces y entre las piedras, el viento al frotar las copas de los árboles, las maderas al chocar y vibrar, la rugiente descarga eléctrica durante la tormenta, el tremor del sismo o del poderoso volcán, el fuego al quemar la leña, y hasta los mismos animales que poblaban aquellas selvas al entonar el enigma de esta “Metáfora de los sonidos”.

Fotografías de los instrumentos. Cortesía del MBCCR.  

Calidad de la muestra
Se trata de una exposición muy bien articulada –tal y como acostumbra los MBCCR-, por parte de la investigación arqueológica de las curadoras de esa especialidad Priscilla Molina y Mónica Aguilar, y de un equipo de músicos contemporáneos y etnólogos encabezado por el maestro José Luis Acevedo. Se ofrecen pantallas táctiles para detallar los conocimientos, usabilidad de la tecnología musical, todo para ampliar la noción del sonido esos singulares instrumentos, y hasta se da la oportunidad de escuchar la propia composición al interactuar con una computadora que emite esos sonidos sintetizados.

Fotografías de los instrumentos. Cortesía del MBCCR.  

Esta exposición de instrumentos que datan del año 500 a.C. al 1550 d.C. complementa la “Ruta de Museos” o “Paseo de Museos”, actividad que proponen temáticas afines exhibidas -además de los Museos del Banco Central de Costa Rica-, por el Museo Nacional de Costa Rica y el Museo del Jade y la Cultura Precolombina. Son una opción amigable y educativa delante del abigarrado paisaje globalizado del comercio que atiborra el centro capitalino. Vinculan al turismo visitante con una alternativa cultural, y sobre todo, ofrece al nacional la oportunidad de educarse al reconocer el valor artístico y creativo de los pueblos originarios, bagaje por el cual todos debemos enorgullecernos.


 

Fotografías de los instrumentos. Cortesía del MBCCR.  

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Luis Fernando Quirós

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Fuente “Jairo”

21.08.2015 | 15:55

El objetivo central del proyecto de diseño de una fuente tipográfica titulada “Jairo”, se propone estimular la memoria colectiva para que evoque la paradigmática vida de Jairo Mora, el llamado “defensor de las tortugas”, joven ambientalista para quien hoy un grupo de estudiantes de la Escuela de Diseño de Comunicación Visual de la Universidad VÉRITAS, emprende la iniciativa de mantener viva la luz que ejemplificó con sus acciones para la protección de las tortugas de las costas caribeñas costarricenses.

José Daniel Rodríguez. “Tortugas” 2015. Foto cortesía del diseñador. 

Ingrid Navarro. Diseño tipográfico “Jairo”, 2015. Foto cortesía de la diseñadora. 

Sergio Salas. “Tortuguitas”, 2015. Foto cortesía del diseñador. 

Los motivantes
Jairo Mora murió a la edad de 26 años un 31 de mayo de 2013, era oriundo de la localidad de Gandoca, Manzanillo, en el Caribe Sur de Costa Rica. A la edad de 15 años abrazó la defensa ambientalista por la cual dio su vida -en especial y como se dijo-, por la supervivencia de esta especie que anida en dichas playas caribeñas, las cuales encuentran no solo depredadores naturales sino humanos, personas que roban sus nidos para comerciar con los huevos, pero que también las sacrifican para vender la carne en el mercado clandestino de la oferta gastronómica local.
Valiente y ejemplar, el joven custodiaba los desoves durante las madrugadas y, por estos esfuerzos, acabaron con su vida. El crimen fue mal librado por parte de los Tribunales de Justicia de la provincia de Limón; un juicio viciado liberó a tres de los siete asesinos, y a los demás solo se les sentenció por robos, violaciones, secuestros, pero no por la muerte de Mora. Llevado a otra instancia en los Tribunales de la provincia de Cartago, implica realizar un nuevo juicio; se tiene la esperanza que esta vez la ley sea pronta y cumplida, que su nombre permanezca en la conciencia de todos como un héroe ambiental.

Erica Centeno. “Jairo”, 2015. Foto cortesía de la diseñadora. 

Natalia Fung. Fuente “Jairo”, 2015. Foto cortesía de la diseñadora. 

Diseño tipográfico

El diseño como actividad creativa puede ser un estímulo notorio para mantener la conciencia sobre las vivencias de Jairo, y que aquel crimen impune que enlutó a los ambientalistas, amigos y familiares, pero sobre todo, que desgarró su memoria ejemplar, sea reivindicado y esclarecido.
El acto de dedicar unas horas del curso de Producción Gráfica a resolver el proyecto, discutir sobre los argumentos y activadores proyectuales, vivifican el recuerdo del modelo de actuación del joven ambientalista, allá en las costas caribeñas de Costa Rica.
Durante el proceso de búsqueda e investigación se realizaron lecturas, observaciones y análisis de los rasgos anatómicos de las tortugas y del entorno marino, para deducir un lenguaje aplicable a la fuente.
El conocimiento de la historia de la escritura, la evolución tenida por las fuentes tipográficas, la teoría de la percepción y el conocimiento de los estilos tipográficos contribuyó a resolver el proyecto, pero también estimuló a los diseñadores a pensar en una solución original entre los miles de alfabetos diseñados que pueblan los acervos del arte tipográfico de siempre; pero además aprender el conocimiento de la producción gráfica aplicable al diseño del libro, la revista, el periódico y otros productos de la enorme industria cuya actividad editorial pareciera hoy en día estar migrando hacia las redes e internet.
Resolver un proyecto de este calibre, requiere de insumos mayores, apoyados por el conocimiento tecnológico, como tener cada fuente vectorizada, posible de ser editadas en esos nuevos software especializados en diseño tipográfico.

Karina Ramos. “Jairo”, 2015. Foto cortesía de la diseñadora. 

Ana Alvarado. Fuente “Jauro”, 2015. Foto cortesía de la diseñadora. 

Innovar y activar la memoria
El producto de esta experiencia es un buen intento para comenzar a transitar en estos senderos de la creatividad, para ofrecer herramientas a los nuevos diseñadores al hacer ingreso a un panorama tan cambiante y de tanta competencia, donde día a día se nos sorprende con la amplia capacidad industrial, científica y tecnología instalada en el país.
Desde el punto de vista de diseño de fuentes, aunque se diseñan y producen constantemente, no marcan el punto de inflexión en la evolución del diseño y su aplicabilidad en la industria gráfica, el real avance lo emprende la tecnología, tanto que si un Johanes Gutemberg, Giambatista Bodoni, Claude Garamond u otros de los padres de la vieja imprenta retornaran a nuestros tiempos actuales, tendrían un colapso al sorprenderse de cuanto es capaz el ingenio humano al innovar en esta materia.

  

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Luis Fernando Quirós

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Roberto Guerrero: “Vergüenza ajena”

06.08.2015 | 17:55

El Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, presenta entre julio y setiembre de 2015, en la Sala 1 y curada por María José Chavarría, la muestra de videos, fotografías e instalaciones de Roberto Guerrero, quién, en “honor a su apellido”, se comporta como un “guerrero” de “armas tomar”, pero revestido de coloridas escarchas, lentejuelas y asumiendo el discurso gay. 

Fotografías cortesía del artista.

Me acerco a Guerrero para indagar cuestiones centrales de su forma de arte; entre otras, preguntarle ¿Por qué “Vergüenza ajena”? y, ¿por quién o por qué sentirla?

El afectado es el espectador ante la confrontación de verdades que siempre le son incómodas , o son incómodas a la sociedad. El tema viene de la teoría “queer” y/o estudios gay-lésbicos, de la vergüenza gay. Incorpora un análisis de ideas que provienen de la sociología, la filosofía, las teorías de género. 

El tema de la identidad gay, ya estaba planteaba en las portadas de revistas, pero lo tocaba de manera muy intuitiva, hasta que encontré este espacio de pensamiento que replantea el significado de autoafirmarse, influenciado por Michel Foucault y Judith Butler quienes estudian la idea de un espacio normativo para la convivencia en sociedad, como integrante de una cultura en la cual uno como individuo debe acatar reglas. A veces nos sentimos afuera; algunos teóricos conceptualizan una manera de generar control al afuera de la norma, a partir de una vergüenza, por ejemplo, que te mantiene inmerso o al margen. Dicho espacio de pensamiento permite repensar para afirmar nuestra propia identidad. La vergüenza en ese sentido es una imposición del poder, es ajena.

Fotografías cortesía del artista. 

¿Qué buscas con tu forma arte? ¿A qué se debe ese deseo de “tpunzarnos” con tus propuestas? ¿Es el observador o visitante al museo quien debe sentirla al anclar en cada una de tus propuestas?
A partir del arte. uno puede reivindicarse, tiene que ver con el exorcizar los fantasmas de la violencia. Como cuando uno mismo se castiga o la sociedad lo castiga enterrándole cuchillos en la espalda. De la reivindicación surge la respuesta a la pregunta ¿Por qué sos tan loca?; ya que tiene que ver con la segunda parte de la exposición: con salir a la luz y con intentar subvertir a esas estructuras generadoras de la norma, mediante obras que evidencian la parodia y la ironía, y que por tanto, se anclan mejor en la conciencia del espectador.

Fotografías cortesía del artista.  

Hablemos un poco acerca del proceso. ¿Cómo construyes esos imaginarios y simbolismos?

Yo pienso que al proceso creativo lo define lo asociativo, uno puede tener una idea que va cruzando o interrelacionando con otros pensamientos y referencias para construir nuevos sentidos. Sin embargo esa idea siempre necesita de un detonador, de un escaparate que la catapulte y la engatille. Por ejemplo, la obra “Ecce Homo” (el mural Pop-Up de pared), surgió a partir una pieza de Alberto Durero: “El éxtasis de María Magdalena”. Ese personaje bíblico (reconocido como una cortesana pecadora), como referente, me permitió rodear la imagen central de ángeles y estrellas, como las imágenes provenientes del mundo del espectáculo cargado de brillos y signos de culto. Más allá de esto, el juego de lenguaje de Ecce Homo plantea que un significado que remite a ser castigado y sufrido, se presenta como una figura que mas bien podría venir a juzgar. 

Con esa obra, inicio lo que llamo “Arqueo-loca-logía”, una manera de criticar al poder y explicar, a la vez, referentes en los que veo a las construcciones de mi propia subjetividad. Dado que tiene que ver conmigo, en la obra incluyo la imagen de mi niñez y otros simbolismos que no me abandonan desde mis inicios, como los soldaditos.

Fotografías cortesía del artista.  

Me pareció sugestiva tu pieza de los almohadones que se salen del closet. Sin embargo, pienso que el vehículo de comunicación, (los almohadas) e imprimir las frases sobre esos objetos no es tan efectiva, pues a como quedaron en la instalación se superponen unos a otros y los mensajes, que son los que nos seducen y hasta intimidan, se esconden. ¿De dónde provienen tales mensajes? ¿cómo hiciste esa recolección o compilación? ¿Cómo explicas o quién es el sujeto central de la propuesta?

Mi idea inicial siempre ha sido que los espectadores puedan interactuar con las almohadas, que las tomen, las lean y las reposicionen. Quizás por la premura de tener lista la muestra un día antes de la inauguración (para el ART City Tour -al cual llegaron unas tres mil personas-), no se logró lo que yo buscaba (la interacción); sin embargo, en este momento, quien visite el museo puede leer cada almohada. También he pensado que voy a reelaborar la idea para otra muestra. Tomaré y presentaré fotos de cada almohada, ya que constituyen un importante instrumento durante las cavilaciones del reposo, de la conciencia durante el sueño. La idea central es reflexionar sobre la ambigüedad entre la palabra y el cuerpo, cuando el lenguaje y el deseo del cuerpo colisionan. 

Los textos fueron extraídas de un foro anónimo en internet, en el cual varones han escrito sus fantasías sexuales y sus experiencias de encuentro. Me apropié de esos textos para evidenciar que existen sujetos que ponen en evidencia como, a veces, falla la matriz cultural del lenguaje que se denomina heterosexualidad. La obra pretende que pongamos la mirada sobre un cierto aspecto de la diversidad. Me interesó mucho la relación entre sujetos que verbalizan vehemente su adherencia a la matriz heterosexual, pero que al mismo tiempo revelan que sus deseos los contradicen.

Fotografías cortesía del artista.  

Evidentemente Roberto Guerrero es el sujeto central de esos dramas expuestos donde hay mucho morbo, trasgresión, pero también hay pasión, hay dolor (evocaciones, recuerdos), hay fuego. ¿Hasta dónde pretendes llegar?

De repente ver esa obra junta me hace pensar hacia donde voy, ya yo no estoy cerrado en ese juego, ya soy el sujeto o el “Ecce Homo”. Existe un tránsito que aun no resuelvo, me gusta hablar de mis temas a partir de otros, la violencia hacia el sujeto producto de esas normas culturales y sociales y hasta políticas.

¿Cuál es el significado de llevarnos al Roberto niño; a llevarnos a la lúdica pero sin abandonar la poética?

El juego es una realidad ejemplar, es una actividad o mecanismo cultural con el cual aprendemos para potenciar el poder: a hacer hombre, a ser niños, a ser artistas, futbolistas, trabajador de la industria, incluso para ser “guerrero”. Utilizo el juego como recurso evidente al asumir los grandes patrones: los futbolistas escarchados en el video, el juego como acción discursiva. Me motiva jugar con los discursos, con la ironía, la parodia, intentar generar placer lúdico durante la reflexión y adquisición consciente de un rol.

Fotografías cortesía del artista.  

¿Cómo te ubicas respecto a esta tendencia del arte contemporáneo, y alternativa de abrir tu intimidad y mostrarte tal y como eres ante esta sociedad que a veces se vuelve homofóbica, bipolar y hasta malintencionada?

Los discursos homofóbicos no se pueden destruir. Lo único que se puede hacer es asumir una actitud de resistencia, yo soy un guerrero y lo intento. Por un lado, aprovecho esa beta que se le permite a lo íntimo y personal. Por otro, valorar la necesidad de trabajar con el concepto y el sentido, eso sí, sin menoscabo de la forma. A veces me gustaría ser más minimalista.

¿Por qué los racimos de bananos en la gran fotografía de la “Santa Cena” lo cual abre el discurso hacia otros territorios, por ejemplo, lo político?

Los poderes, la autoridad de la Iglesia, del militarismo y del Estado son responsables de generar esos espacios normativos de los que hablamos al inicio. En la fotografía “La negociación” (Estos chanchos también comen guineo), se presentan figuras del poder que reprimen lo mismo que ellos hacen o quieren hacer. Los personajes negocian entre ellos y con su propia sexualidad; pero los espectadores también lo hacen; ya que asocian los simbolismos en la imagen y generan el sentido del discurso: los chanchos (el poder corrupto y, a la vez, las nalgas), los bananos verdes o guineos (los penes), y la cena (la festividad, la comelona, la holgura, lo orgiástico).

Fotografías cortesía del artista.  

La intensidad discursiva de esta muestra en la Sala 1 del MADC afecta a todos por igual delante de las preferencias sexuales, nos implican. Andar esos espacios donde cuelga el símbolo de un enorme falo construido por rosarios, brillos y luces, que proyecta sobre el pavimento de la sala un video “gelatinoso” donde se observan individuos que tratan de alcanzarlo: tema central de la muestra, él, ella, yo, aquel, aquella, ante lo cual uno no sabe qué decir o qué actuar para no salir agredido; en tanto su autor es un “guerrero” que imprime el gesto actual de la incertidumbre y las contingencias del cotidiano existir.

  

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Luis Fernando Quirós

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