Blog de Luis Fernando Quirós

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Diseñacr, actualidad del diseño en Costa Rica, pretende abrir una ventana de actualidad para el diseño en Costa Rica, motivar la cultura del producto y ... [+]

Gloriana Valverde: Uniforme SELE/CR

06.10.2014 | 10:40

Para el mundo del diseño y en especial al afrontar el proyecto de un nuevo producto, resulta imprescindible observar la naturaleza de los activadores que, en casos como éste, son muy de carácter emocional, afectivo, e implica valores como la empatía por la nacionalidad, por lo cual estar bien enchufados a la realidad de un acontecimiento, puede inyectar fuerza al éxito. La destacada participación de la Selección de Costa Rica en el pasado Mundial de Fútbol Brasil 2014, cohesionó la iniciativa de la diseñadora Gloriana Valverde, al plantearse el diseño de un nuevo uniforme para esta selección, con la idea fundamental de celebrar su desempeño, y lo hizo desde las raíces mismas de nuestra cultura, abordando el arte de los pueblos originarios prehispánicos, para posesionar un factor de identidad y reconocimiento, al ser lucido por el equipo representativo del deporte costarricense. 

Gloriana Valverde. Estudios estructurales de retícula para la camiseta de local, y el proceso de diseño del águila, hilo conductos aplicado a las camisetas y otros elementos comunicacionales. Foto cortesía de la diseñadora. 

Pericia metodológica
En la investigación previa, y caso curioso, la diseñadora captó un importante grado de subestima hacia las poblaciones indígenas actuales -sobre todo en las segmentación poblacional juvenil, considerable del país-, razón por la cual se propuso revertir la tendencia relacionando el posicionamiento alcanzado por la Sele al prodigioso tesoro del arte precolombino, el cual goza de un alto reconocimiento mundial. Por supuesto que esa tarea no fue nada fácil, requirió rigurosidad, documentar, advertir las situaciones de menosprecio hacia la población indígena, e implicó exhaustivos análisis de los resultados arrojados por encuestas u observaciones de campo para la comprobación de las hipótesis planteadas. Por otro lado, las propuestas debieron cumplir con las reglamentaciones de la FIFA en cuanto a consideraciones técnicas, ergonomía, heráldica o utilización de simbolismos propios del ente federado, además del uso de materiales en la confección de uniformes deportivos.


Gloriana Valverde. Escultura de piedra que inspira el diseño de la camiseta de local. Foto cortesía de la diseñadora. 

El proyecto de esta diseñadora –que le posibilitó optar por el grado de Licenciatura ante la Escuela de Diseño Publicitario de la Universidad VÉRITAS-, se propuso el diseño de varios uniformes: en situación de local, visitante, entrenamiento y, como se estila, el uniforme diferenciado para el portero. También, se confirma la fuerza sustentada en dicha investigación, al proponer estrategias mercadotécnicas que pretenden posicionar la nueva propuesta con el “mundo de marca”, capaz de empoderar a los seguidores de la escuadra costarricense, la cual ascendió hasta cuartos de final, entre los grandes del deporte mundial.

Gloriana Valverde. Ilustración del uniforme de local. Foto cortesía de la diseñadora. 

En la búsqueda de los insumos gráficos la diseñadora observó y analizó cientos de piezas de arte de las colecciones y fondos del Museo Nacional de Costa Rica, el Museo del Jade Precolombino, el Museo del Oro de los Museos del Banco Central de Costa Rica, y el Museo de Arte Costarricense -que en estos meses ofreció una muestra de ilustraciones de la cerámica precolombina creadas por el destacado artista mexicano-costarricense Francisco Zúñiga. De ahí derivó elementos estructurales y estilístico reinterpretados en clave contemporánea, resultando el importante binomio cultura-deporte, simbolismo gráfico que arraiga, reinventa y regenera el respeto hacia esos pueblos vernáculos y, por ende, revive el orgullo por la nacionalidad y que representa el nuevo diseño de los uniformes para la “Sele”, como es llamada por nosotros los ticos.

Gloriana Valverde. Números y nombre de uno de los seleccionados en la fuente tipográfica Siwó aplicado a la camiseta de local. Foto cortesía de la diseñadora. 

Diseño tipográfico
Ante la necesidad de un complemento fundamental, la diseñadora no podía dejar de lado la creación de la fuente tipográfica, diseñada exlusivamente para utilizarse en números y el nombre o apellido del jugador, que se porta en cada camiseta. Fue uno de los aspectos más rigurosos del proyecto en tanto median elementos comunicativos, viso-perceptivos y tecnológicos, vigentes en la nueva fuente que fue vectorizada y publicada en uno de los “software” especializados para el diseño tipográfico.

Gloriana Valverde. Proceso de diseño de la fuente tipográfica Siwó . Foto cortesía de la diseñadora. 

Este recurso, requirió pormenorizar diversidad de valores que inciden en los matices de la fuente, superados en el pre-diseño de al menos dos propuestas anteriores a la adopción final de “Siwó” -tal y como ella denominó el proyecto-, vocablo de la lengua de una de las ocho etnias autóctonas que pueblan los territorios indígenas actuales, los Bibrís, etnia que puebla la zona geográfica de Baja Talamanca, Caribe Sur en el confín costarricense limítrofe con la República de Panamá; otro rasgo más que demuestra la fortaleza del proyecto cuando números y letras son también portadores del lenguaje vernáculo, derivada, en este caso, de una pieza tallada en piedra de jadeíta, custodiada en el nuevo Museo del Jade del Instituto Nacional de Seguros.

Gloriana Valverde. Diseño del uniforme de visita, más de carácter deportivo en tanto el local posee una connotación ceremonial de agasajo y orgullo nacional. Foto cortesía de la diseñadora. 

Vuelvo a recalcar que tanto la retícula estructural de las camisetas, que en ocasiones se extiende a la pantaloneta y las medias del uniforme, como otros valores graficados y aplicados iniciaron con el riguroso estudio de las esculturas en lítica, cerámica y oro precolombino, como es el caso de la estilización del águila de oro -cuyas piezas originales se están expuestas al público, como se dijo, en el Museo del Oro de los MBCCR en Plaza de la Cultura, zona central de nuestra capital San José-, y es el hilo conductor del diseño para el nuevo uniforme.

Gloriana Valverde. Diseño del uniforme de visita. Foto cortesía de la diseñadora. 

Factor económico del proyecto
Los componentes estratégicos para la comercialización diseñados en el capítulo de “mundo de marca”, parten de una ilustración que aborda los lenguajes gráficos del arte en cuestión, componen la forma de un corazón, con un trazo sensible más de carácter manual, aludiendo a la pasión y orgullo experimentado hoy en día por la Sele, y estimula a nuevos adeptos para que engrosen este reconocimiento hacia nuestros legionarios deportivos.

Importante destacar que un porcentaje de la venta de las camisetas diseñadas para varón y fémina, así como otros componentes de marca, va a se donado a organizaciones sociales que trabajan en pro del mejoramiento de las poblaciones indígenas del país, que tienen que ver con vivienda, vías de acceso seguras, salud, educación y defensa de su cultura autóctona tan asediadas por la transculturización, el ninguneo y la desigualdad, entre otros males.

Gloriana Valverde. Diseño del uniforme de portero. Foto cortesía de la diseñadora. 

Gloriana Valverde. Diseño del “mundo de marca”. Foto cortesía de la diseñadora. 

Este aspecto económico del diseño pareciera pasar desapercibido, pero es importantísimo considerar, en tanto que el anterior uniforme utilizado por la Selección Nacional en Brasil 2014, aunque en un inicio fue bastante criticado por redes sociales y prensa nacional, vendió la totalidad producida en cerca de un millón de ejemplares, obligando a la Federación Costarricense de Fútbol a exigir a la empresa contratada para su confección a una segunda edición, que elevó lógicamente el precio en el mercado y la aparición de otros diseños alusivos no originales, además de ocasionar un abordaje comercial desordenado, que este estudio de la diseñadora Gloriana Valverde pretende superar a través de sus observaciones, análisis basados en las encuestas realizadas durante el abordaje liminar del proyecto y durante la realización del tan mencionado mundial de fútbol, entrevistas y otros recursos, que, conducidos con profesionalidad en esta etapa proyectual, lo convierten en una práctica referente y acrecientan el rol de las escuelas universitarias que forman a diseñadores para la innovación del diseño local.

Gloriana Valverde. Elementos de reforzamiento del “mundo de marca”. Foto cortesía de la diseñadora.

  

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Luis Fernando Quirós

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Rafa Fernández: La pelea del arte

24.09.2014 | 09:47

En palabras del pintor nacional Rafa Fernández (San José, 1935) el arte es su vida, y ésta es un camino donde a cada paso se emprende un combate donde el adversario es la flojedad, el poco compromiso, la mediocridad. Él le ha dado todo al arte, y más que una profesión asumió un modelo de vida que tiene mucho de oficio, pero también de pensamiento y temple de convicciones; por ello conoce de alegrías tanto como de tristezas, y el vocablo “pelear” está dentro de su vocabulario.

Rafa Fernández. El metereólogo, y El adiós. Técnicas mixtas. Foto cortesía del artista

Me acerqué a este maestro de la pintura costarricense -como lo he hecho con jóvenes artistas y otros profesionales de distintas prácticas creativas-, para conocer sus maneras de enfrentar el trabajo, el día día; para preguntarles cómo persiguen la realización, saber cuáles son sus activadores así como la naturaleza motivacional que implica el trabajo desde esta compleja arista de la actualidad, la cual nos forja en cada instante.
Él es un pintor de amplio reconocimiento en el país, Premio Magón de Cultura 2002, quien sufrió un fuerte quebranto de salud, adversidad que no lo doblegó, al contrario, reinventó su arte: pintura de grandes formatos, técnica del óleo de riguroso dibujo y sensible cromática con amplio manejo del claroscuro. Al tener incluso que pintar desde una silla de ruedas, repensó sus herramientas para vivenciar lo que siempre cultivó: la creatividad, talento que se desborda en telas, papeles y obra gráfica.

Rafa Fernández. De frente. Técnicas mixtas. Foto cortesía del artista. 

Motivos para el encuentro
Al llegar a su estudio en San Pedro de Montes de Oca, como suele suceder, en mi mente merodeaban grandes interrogantes que abrigaban la posibilidad de entrevistarme con él. Preguntarle, quizás, ¿cómo distingue su método creativo?, ¿cómo lo caracteriza?, o ¿en qué cree él acerca de la función actual del arte de ser un sensor de la cultura, los acontecimientos que redimensionan a esta urbe que habitamos y su sociedad?
Las dudas se disiparon al percatarme de su estado, las preguntas sobran, de él habla el arte –me dije-, su legado; pero la fuerte conmoción motivó aún más el deseo de conocerlo a través del entorno del taller, sus libros, materiales, herramientas, modelos, una hermosa colección de marionetas, entre otros activadores que pueblan su espacio de trabajo. Lo que más me emocionó fue esculcar uno a uno la amplia colección de dibujos con técnicas mixtas, inédita, no se ha mostrado como tal, se desprende de su lectura un gran deseo de vivir a través la fuerza y el logro de esos comentarios vivenciales sobre la realidad urbana contemporánea, afectada por tantas contingencias e incertidumbres, por un futuro que se advierte en esos signos graficados con gestos fogosos, incisivos, acuciosos y que requieren con urgencia del espacio de un museo para anudarlos, relacionarlos, y disfrutar su valor testimonial dentro de una importante veta del arte nacional.

Rafa Fernández. El putero del pueblo. Técnicas mixtas. Foto cortesía del artista.

Sin embargo, llegué a hacerle preguntas y él estaba dispuesto a responder, a “pelear” como siempre lo hizo desde juventud, en un San José silencioso de los cincuentas y sesentas del siglo pasado, donde sucedía poco en términos de arte, pero que él se propuso encender.
Acerca del método explica que a veces hace bocetos del cuadro que tiene en mente, en otras pinta directamente e interpreta, a partir de la mancha, lo que “sugiere” el carboncillo al mezclarse con el pigmento en esa exploración previa al terreno: al formato del cuadro donde después de haber puesto la mirada en él reverberan los sentidos y quiere decir muchas cosas.
En esta tan importante etapa de su vida, con grandes problemas motrices y del habla, pero no cognitivos ni emocionales, la mancha se vuelve más libre porque emerge de su más profunda interioridad. Él caracteriza al proceso actual como intuitivo -“la intuición es la inteligencia del artista”-, comenta y agrega: “En el corazón hay pasión. Antes mi trabajo era mas intelectual, ahora mi pintura es vida”.
Estas primeras respuestas de don Rafa alentaron mi propia memoria personal al vislumbrar lo que yo creo y pienso del arte, y en ese recorrido ante la personalidad del entrevistado, evoqué las palabras de Margherite Yourcenar en “Mishima o la visión del vacío”, cuando expresó respecto al escritor, pero que es válido reinterpretarlo desde la figura del maestro pintor: Solo a través del artista podemos oír sus vibraciones profundas, como cada uno de nosotros oye desde dentro de su voz y el rumor de su sangre.

Rafa Fernández. Bajo la lluvia. Técnicas mixtas. Foto cortesía del artista. 

Quise preguntarle ¿cuáles fueron las motivaciones que lo empujaron a realizarse con un arte tan contundente?, pero no hizo falta, porque la respuesta fluye en cada pieza: son la vida misma, lo que le rodea, el entorno, la crisis, la guerra, las problemáticas sociales, hasta el fútbol puede que encienda la creatividad y se manifieste en un arte del cotidiano, en esa exploración diaria a sus materiales, al uso de sus herramientas conceptuales o técnicas, y la estimulación sensorial que enciende la música clásica reinterpretada en tensiones sonoras a partir del color, el grafismo y el lenguaje visual.
Una de las frases que logré captarle ante dicha dificultad verbal, pero no de la sorprendente “no verbalidad” apreciada en la riqueza de gestos y matices que pueblan su discurso visual, que no inhibe al espectador ni le impide sumirse en aquel pensamiento y percepción de la obra, dijo: “De noche pienso en muchos cuadros y me levanto a dibujarlos”. Y añade: “Todos estos cuadros son pintados por mí, buenos o malos, son míos”. Luego agregó: “Existen momentos sublimes, pero también de baja”.
De inmediato pregunté, ¿cuál es la manera para levantarse de esos estados de baja producción?, a lo que respondió algo que me motivó aún más, algo que proviene de un caminante y luchador en una vida como la suya: “Cuando estoy de baja, dibujo mucho”.

Rafa Fernández. La amante. Técnicas mixtas. Foto cortesía del artista. 

Territorio de antagonismos
Esta visita al taller de don Rafa Fernández abrió en mí un espacio de cavilaciones sobre la naturaleza misma del arte y su significados, para quien investiga y comenta sus observaciones, pensar en quien tenía por delante: el pintor de ayer y el actual, me consumió aún más en un mar picado de interrogantes que intento ahora replantear para decir realmente que me acerqué a él, para conocer su personalidad, y catar la calidad de esa esencia que alimenta su indumentaria creativa y lo caracteriza. Preguntarle quizás ¿Cómo valora esos atavismos –lo que le inspiró, el lenguaje asumido, la imagen de la mujer vistas como enigmáticas sibilas que flotan en el espacio ilusorio y onírico, u otros símbolos de un orden político, social, cultural-, y que él trató de llevar hasta las últimas consecuencias con su pintura?
Tal vez para observar su percepción del acontecer que atañe a todos, a jóvenes o a viejos, a profesionales o principiantes, pregunté ¿cómo observa al arte de las nuevas generaciones? A esto respondió: “Lo respeto mucho, pero me parecen cosas muy locas”. Se detuvo a reflexionar un instante y agregó: “Pero detrás de ellas existen personas”.

Rafa Fernández. Se hace camino al andar. Técnicas mixtas. Foto cortesía del artista. 

Rafa Fernández. Mujer. Óleo. Foto cortesía del artista. 

La imagen del árbol de su personalidad
En ese territorio instigador, que empuja a cuestionar, a tratar de mirar desde otros bordes en mi propio combate existencial, me pregunto a mí mismo ¿por qué deseo ligarlo a la idea de un árbol fornido, de fuerte tronco y ramaje? Pues aquella labor cultural emprendida por él en los años setentas y ochentas le permitió ser como la copa de un árbol benéfico con capacidad de cubrir a muchas criaturas y formas de vida. En la muestra “Una pasión, más allá del tiempo” realizada en la Galería Nacional 2012, pintó un arbolito subido sobre la cabeza de una de esas figuras femeninas predilectas de su iconografía. ¿Cuál es el significado del simbolismo del árbol para Rafa Fernández?
Responde: “Vivo pintando cosas que recojo, que he visto”. Sus cortas respuestas dejan advertir su grado de emotividad, apreciación profunda de lo que ha visto, de lo que ha cosechado en cientos y cientos de pinturas y dibujos. Respecto al árbol, expresó: “¡Elevación! El árbol es como la madre”.
Cuando observo el carácter de su producción, sobre todo de años anteriores como los ochentas y noventas, de inmediato advierto conexiones con artistas como el guatemalteco Elmar Rojas, el mexicano Rafael Coronel, el nicaragüense Armando Morales, entre otros y me empuja a indagar ¿cómo eran las relaciones con artistas de la región en esos años?, ¿cuáles eran los canales de comunicación o medios para conocerse y compartir sus visiones acerca del arte de esos años?
En mi caso personal e inicios como dibujante, allá por los años setentas del siglo pasado, Rafa Fernández –desde el Ministerio de Cultura-, fue muy importante para que nosotros -jóvenes de esos tiempos- nos catapultáramos en el reducido ambiente cultural costarricense, y por ello le debo mi sincera gratitud por su fundamental apoyo y de ahí, quizás, proviene esta percepción de Rafa Fernández como un árbol de Guanacaste de amplia copa y magnánima actitud. El comenta que esa etapa de relaciones con artistas de la región le reparó muchos amigos, pero también enemigos. Se comunicaban por teléfono –agrega-, por correo postal, los reunía el arte.

Rafa Fernández. Tormenta Caribe. Técnicas mixtas. Foto cortesía del artista. 

Combativo y cambiante
A lo largo de los años, y sobre todo en esta reciente etapa de su arte, el Rafa Fernández que conocíamos cambió profundamente, quizás hacia una forma de expresión con el carácter de lo contemporáneo, una expresión donde se lee una impronta de gestos más intuitivos y quizás hasta más emocionales, y el signo del desenfado pero luchador por hacer, producir, demostrar la existencia a pesar de los nubarrones que a veces se ciernen sobre la realidad. Yo me pregunto ¿cómo apreciará Rafa Fernández esos cambios?, o existen otros motivos existenciales para reinventarse en esta edad tan importante para un artista ante las contingencia de la vida?
A pesar de la (in)capacidad que le afecta y gracias al “paliativo” del dibujo y la pintura (me encanta aquella percepción suya que cuando está de baja producción, “dibuja y dibuja”), por ello su constancia en salas y museos no merma.
Recientemente expuso invitado por el Museo de la Identidad de Tegucigalpa, Honduras, también lo hizo en Casa de los Dos Mundos de la ciudad de Granada, Nicaragua, así como lo hace acá en el país; esas visitas a sus recientes exposiciones le repararon importantes motivaciones al reencontrarse con viejos amigos y colegas quienes le demostraron aprecio y admiración. En estos días produjo un proyecto de lujo, se trata de una carpeta de serigrafías, en una edición de cien números, editada con gran esmero y profesionalismo en México.
Sin duda alguna que una oportunidad como esta, de encontrarme con don Rafa Fernández, no tiene precio para alguien quien se interesa en discernir el fondo y huella de estos asuntos del arte, centrales al proceso de desarrollo cultural y/o humano en la actualidad; pero no termina con esta somera conclusión, deberé continuar anudando trazos, reelaborando esas miradas que se originaron en mi visita a su taller y que buscarán otros estadios donde ampliar las conjeturas; además, para tener qué compartir a través de las redes sociales en mi blog del portal web de la revista española Experimenta, y en mi blog Árbol de Miradas. Esta es nuestra creciente responsabilidad social y cultural como blogueros en terrenos de la cultura, quienes sirviéndonos del potencial de la tecnología, tratamos de dilucidar lo que se encuentra dentro de los signos de interrogación al observar la posición adelantada en la “pelea” cotidiana que se ejerce en el taller del artista.

 

 

 

  

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Luis Fernando Quirós

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Renato Manzoni: “Usar la luz”

13.09.2014 | 10:20

Una de las grandes posibilidades que ofrece el universo digital, es la capacidad de crear virtualidad: territorios virtuales que activan cada día más la imaginación humana aplicada a sus prácticas creativas, pero también coexisten en dicho enclave empresas virtuales, arte virtual, amistades virtuales, en tanto el uso de la tecnología nos empuja a ser “nómadas” buscando intersticios de realización o producción intelectual donde vivir con una mejor luz, “un rayito de sol que nos caliente mejor”. En esos terrenos de las redes sociales uno intrinca amistades que no conoce en persona, pero con quien cultivar y compartir, como es el caso de Renato Manzoni, arquitecto, diseñador visual e intelectual español a quien contacté gracias a la publicación de Museo del Árbol -revista virtual con miles de seguidores y colaboradores que se publica cada mes en internet.

Renato Manzoni. “Árbol Desierto”, dibujo técnico vectorial, 2013. Foto cortesía del artista.

Manzoni inaugura la muestra Paisejes Perdidos en Las Palmas de Gran Canaria, del 17 de setiembre al 7 de noviembre 2014, evento que me motivó a contactarlo y encontrar respuestas a las cientos de interrogantes que a diario nos detienen en el camino, intentando saber más.

LFQ: ¿Por qué “Paisajes Perdidos”?, ¿qué hemos perdido del paisaje en esta cultura urbana actual y que nos afecta su ausencia?
Renato Manzoni: Paisajes perdidos no es una afirmación ni una definición: son un estado, son una provocación.
Son “paisajes” y son “perdidos” en un sentido metafísico. No están perdidos; no son paisajes que existan físicamente, sino que están en la conciencia colectiva de todos nosotros, y están en mi subconsciente. Yo los siento como recuerdos semiborrados ¿de una vivencia? ¿de un sueño?
Pero paradógicamente, “están”, son reales porque los materializo; y existen en el momento que cada uno de nosotros los contempla y traen a nuestra memoria recuerdos de otros similares que un día admiramos. Por unos instantes los retenemos en nuestro interior. Más ¿que van a ser de ellos cuando, al momento siguiente, ya no les prestemos atención? ¿Perdidos?

Renato Manzoni. “Sabina” (primavera), dibujo técnico vectorial,  2013. Foto cortesía del artista  

LFQ: ¿Trata de un “paisaje de soledad” el que se advierte en las sociedades actuales ante la sumersión en el universo de lo digital y tecnológico, cuando se dispone del más amplio instrumental para comunicarnos es paradójico que nos sumimos en la incomunicación?
RM: La soledad no es una realidad tangible, es una experiencia, personal y/o colectiva.
Puede que la soledad que se advierte en nuestra sociedad sea consecuencia de un exacerbado individualismo mezclado con un excesiva facilidad comunicativa.
De cuanta más información disponemos, más desinformados estamos. A más recursos y medios de comunicación, mayor es nuestro sentimiento de incomunicación.
La realidad digital y los avances tecnológicos han colaborado sobremanera a ello, pero no son los únicos responsables; son la última consecuencia (hasta hoy) que empezó muy atrás.

Renato Manzoni. “Paseo bajo las amapolas”, dibujo técnico vectorial , 2014. Foto cortesía del artista 

LFQ: ¿Puede el arte activar nuestro pensamiento crítico ante las grandes remezones que afectan a la sociedad de inicios del Siglo XXI y tercer milenio? ¿Qué cuestiona Renato Manzoni con su arte?
RM: El Arte, como parte del Humanismo, cuando es la partícula proyectada del alma del artista, siempre ha incentivado y sigue alimentado la chispa crítica que, como humanos, nos diferencia. El pensamiento artístico nos da alas para ir mucho más allá de lo que el tecnicismo nos promete. Pero ambos son complementarios y necesarios al cincuenta por ciento.
Con mi arte no cuestiono nada de lo que me rodea. Sin embargo, a mi mismo me cuestiono muchas premisas, como persona, como artista y, posiblemente, tales tensiones íntimas son parte de mi lenguaje plástico y se manifiestan en mis creaciones.

LFQ: En su pintura, aunque el tema del árbol es central, ¿cuál es el sentido del entorno, lo que implica o rodea al árbol, las perspectivas, el espacio, las texturas, la visión del paisaje presente en sus creaciones?
RM: En esta fase de mi producción, efectivamente, el árbol adquiere protagonismo. Pero no siempre fue así.
Mi dedicación profesional ha sido amplia y variada: escultura, diseño, arquitectura, etc. Como arquitecto no me ha interesado especialmente solo el diseño, sino que me he comprometido con la ejecución completa hasta el final de los proyectos. Grandes promociones residenciales, de ocio, hoteleras y otras. Con gran éxito y reconocimiento. Pero íntimamente vivía una fuerte contradicción en mi interior: por un lado la satisfacción del trabajo bien hecho, y por otro la inquietud de sentirme en parte enemigo activo del entorno natural, del paisaje en beneficio del paisanaje, del desarrollismo en detrimento de la preservación.
Cuando unos años atrás toda esta actividad profesional terminó, retornó a mí cierta paz interior, y la armonía y la tranquilidad íntima reclamaban su puesto en mi existencia. Y mi proceso creativo también dio un vuelco.
Puedo afirmar que nunca me propuse conscientemente representar árboles ni pintar paisajes: el símbolo del árbol vino a mi y me embargó.

Renato Manzoni. “Serie Vegetal IV”, dibujo técnico vectorial, 2012. Foto cortesía del artista  

LFQ: Siento un fuerte extrañamiento, ¿es capaz la pérdida del paisaje de detonar en nuestra conciencia e implicar la memoria personal de esa manera?
RM: Reafirmo las palabras que escribe el Doctor y doblemente Académico D. Javier González de Durana en la presentación del catálogo de mi exposición: “El ser humano y la naturaleza no pueden ser concebidos como realidades separadas porque existe una estrecha correspondencia entre los estados de ánimo y los estados de la naturaleza. De acuerdo con esto y a la vista de las naturalezas vivas que ofrece Manzoni, se puede decir que sus actuales estados de ánimo -o, al menos, los que vivió mientras realizaba estos paisajes-, eran exultantes, intensos y muy libres o, dicho de otro modo, felices.”
La felicidad no tiene por que ser siempre exultante, explosiva o contagiosa; también es melancólica, romántica, reflexiva, calmosa, intimista, o reflejar estados de introspección o de absorbente contemplación, y ...todo queda reflejado en los cuadros.
Cuando leo las anteriores palabras del mi amigo Javier me reconozco en ellas y afirmo cuanto y qué bien conoce el arte y a sus autores a través de sus obras.

LFQ: ¿Cómo nacen esos simbolismos en su lenguaje o discurso pictórico? ¿De qué manera y cuando los encuentra? ¿Cómo los utiliza para “tocar el corazón” y empoderar al espectador?
RM: El proceso generativo de mis obras de arte siguen el mismo esquema que el de toda mi creación, sea un objeto cotidiano, sea un flyer o un edificio. Inicialmente los siento en mi interior. Los “veo” en mi cerebro ya terminados, en todos sus detalles. Ahora lo único que tengo que hacer es ir encajando las piezas y representarlas con dibujos o maquetas para que nazcan al mundo.
La idea nace en mi interior en cualquier momento, espontáneamente, sin esfuerzo. Este viene después al querer materializarla. Es cuando aparece el lenguaje pictórico o escultórico, el contenido simbolista, el cromatismo y el discurso ontológico que expresa los estados anímicos del momento. Pero todo de una manera involuntaria, instintiva, impremeditada.
Tengo formación académica técnica y artística, estudios humanistas y metapsíquicos: es inevitable que todo ello aflore en forma de símbolos y metalenguajes.

Renato Manzoni. “Serie Vegetal X”, dibujo técnico vectorial, 2014. Foto cortesía del artista  

LFQ: Háblenos de la técnica, se advierte el tratamiento del arte digital, ¿Implica lo digital en esa pérdida del paisaje?
RM: Los últimos diez años toda mi producción artística es digital. Consciente y voluntaria, aunque con una variante respecto a lo que se tiene por “arte digital”.
Es digital porque trabajo con la computadora pero sin utilizar software de dibujo artístico y retoque fotográfico: solo líneas vectoriales, curvas y luces.
Ello me aporta un lenguaje esquemático y de irrealidad que me distancia de la pintura figurativa; ese lenguaje mágico bidimensional (curiosa definición hablando de pintura, pero es que esta desde hace siglo que persigue la multidimensionalidad) que el arte del occidente europeo (y consecuentemente americano postcolombino) perdió desde el Renacimiento. Es una estética más propia de la planimetría del arte iconográfico.
Pretendo que estos paisajes no estén perdidos, sino reencontrados en la dimensión etérea de nuestros sentimientos.

LFQ: ¿Cuál fue la génesis de esta técnica en el proceso creativo? ¿Qué significado adquiere delante de las tendencias del arte contemporáneo? ¿Por qué se dejó seducir por esos recursos y el carácter de visualidad?
RM: Mis comienzos como artista fueron escultóricos y todo lo que con ello conlleva. Luego vinieron diversos compromisos laborales en proyectos que me obligaron a frecuentes y dilatados desplazamientos. Se me hizo necesario adecuarme al uso de técnicas que requiriesen recursos más simples. Vino pues la fotografía, el dibujo, el grabado, el collage, la iconografía..., aunque siempre con un substrato tridimensional y volumétrico.
En mi sempiterna labor de ensayo y búsqueda y fusión de lenguajes plásticos, fue inevitable plantearme el uso de otras herramientas, y como en mis trabajos en arquitectura la computadora era el centro del universo laboral ¿por qué no unir ambas realidades.
Si los dibujos artísticos -me dije- los ejecutara con el software de dibujo técnico, y con líneas formara multipolígonos irregulares encajados unos en otros, obtendré una realidad virtual alejada de la representación fotográfica pero próxima a nuestras realidades.
Y si cada uno de estos polígonos -seguí diciéndome- los relleno con luz al modo alquímico como lo fueron los vitrales de las catedrales góticas, resultará un puzzler cromático que, al verlos, nuestro cerebro ensamblará entre si y el hipocampo los identificará con recuerdos y realidades en él almacenadas.

LFQ: Tal vez para concluir con esta intensa entrevista con Renato Manzoni, quisiera comentar mi percepción donde veo la vida como un camino, y en cada experiencia encontramos un cruce por donde dirigir los pasos y poner la mirada escudriñadora, pero del cuál a veces tenemos que devolvernos, sin embargo, lo importante es lo que se colecta y se aprende de ese recorrido. ¿Cómo caracteriza su andar y el ser “colectores de miradas” en estos caminos del arte y de la vida?
RM: Mi manera de trabajar es muy tradicional, y sigo los métodos clásicos aunque con instrumentos revolucionarios.
El artista al colocarse frente a un lienzo o papel en blanco y, con un pincel o lapicero, esboza su idea general: volúmenes, composición, masas, etc. Luego, poco a poco, distribuye líneas, manchas de color, luces y sombras hasta el objetivo pretendido.
Yo hago lo mismo, o similar: frente a una pantalla en blanco y con un lápiz óptico sobre una tableta digital, comienzo exactamente igual: dibujando los contornos generales para seguir con los fragmentos y las particularidades. A continuación subdivido todo ello en polígonos de líneas rectas o curvas más o menos grandes o pequeños.
...y llega el momento de la coloración. Los recursos electrónicos no nos permiten “pintar” sino usar la luz. No es lo mismo y se trabaja muy diferentemente: esta crea la coloración por adición y las pinturas matéricas por sustracción.
Et, ¡voilá!, ahora solo falta que mi imaginación continúe trabajando de tanto en tanto y siga aportándome nuevas ideas durante muchos años más.

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Luis Fernando Quirós

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