Blog de Luis Fernando Quirós

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Diseñacr, actualidad del diseño en Costa Rica, pretende abrir una ventana de actualidad para el diseño en Costa Rica, motivar la cultura del producto y ... [+]

MADC/CR: Morales e Ibarra

16.12.2013 | 10:07

Visitar el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), entre noviembre 2013 y febrero 2014, ofrece una superposición de argumentos asimilados desde realidad y cultura actual; se trata de un abordaje intenso de pensamientos los cuales exigen al espectador conciencia de lo que transparenta, y considerar su entendimiento, o lo que nos queda de la percepción: qué creer de lo visto para adherirlo a la memoria y explicarnos a sí mismos el sentido de tal provocación motivada por ese singular enjambre de signos en tensión, los cuales claman por la intención primaria de esculcar sus significados y atender a posibles diálogos entablados entre las salas del museo. Hablamos de las muestras “La ruina como motor” del guatemalteco Norman Morales en la Sala 1.1, y “SincretITSMOS” del puertorriqueño Karlo Andrei Ibarra, en la Sala 1. Aún rondan en mi memoria la carga evocativa de las piezas que me anclaron y a las cuales llegué de vuelta para dis/sentir su energía emanadora; en mi caso personal cuando no vuelvo una u otra vez a detenerme ante las propuestas es porque no me interesaron y su vista pasó desapercibida en la experiencia de visitar el museo.



Norman Morales: “La ruina como motor”, detalle de instalación Sala 1.1 del MADC. Fotografía LFQ.

Norman Morales, mural en la Sala 1.1 del MADC. Fotografía LFQ. 

Norman Morales: “La ruina como motor”
Quizás uno de los testimonios del alto potencial y capacidades del pensamiento creativo son las grandes construcciones registradas por la historia de la humanidad, desde el coliseo romano, a las arquitecturas edificadas en las urbes de hoy en día. Cuenta, en este análisis, el dominio tecnológico aplicado a la ingeniería de la construcción, desde el diseño de los andamios, hormas modulares y complejos sistemas estructurales, hasta las potentes grúas que posibilitan elevar materiales a alturas impresionantes, sin dejar de lado las técnicas de elaboración de dichos recursos ediles contrapuestos al desgaste provocado por el paso del tiempo, cuando en el proceso, si no se atiende a un programa de investigación y mantenimiento, serán frutos destinados a la ruina. Suma en esta perspectiva el goce de la inmaterialidad, de la esencia de lo construido, espacios donde además de la habitabilidad y usabilidad exista solaz, esparcimiento, y deleite por lo estético.

Norman Morales: detalle de instalación Sala 1.1 del MADC. Fotografía LFQ. 

Detalles de instalación Sala 1.1 del MADC. Fotografía LFQ. 

La exposición motiva a evocar la estancia del maestro diseñador o arquitecto –elaborando esos sentidos y contrasentidos con ejemplares modelos de la construcción, maquetando andamios, escaleras, plantas, dibujos, con la experiencia del planeamiento sirviéndose de proyecciones diédricas y axonométricos, gestando espacialidad y otras reminiscencias del pensamiento “edilicio”.

Detalle de instalación Sala 1.1 del MADC. Fotografía LFQ. 

Norman Morales: “La ruina como motor”, detalle de instalación Sala 1.1 del MADC. Fotografía LFQ. 

La propuesta de Morales en la Sala 1.1 genera interés al intentar detallar lo encontrado delante de la retina, conexión con lo reconocido del ancestral arte de construir, motivo de reflexión, en tanto no está ausente de esta percepción su opuesto –no el deconstruir, que es otra manera de tratamiento de la forma, el espacio y el tiempo-, si no cuando todos esos recursos y frutos provocan roce, deterioro progresivo, detención, silencio, actuando además nociones del juego al apostar el avance delante de la existencia de tan fieros antagonistas.

Sincret/Istmos de Karlo Andrei Ibarra
De esta muestra me queda la intención de un recio minimalismo en cuanto al inventario de lo mostrado en el amplio espacio de la Sala 1 del MADC, con lo cual Ibarra aborda asuntos políticos, culturales, económicos y sociales de la realidad de los países latinoamericanos y en especial de Centro América y Caribe que irradian sentido al “corpus propositivo” manifiesto por la exposición.

Karlo Andrei Ibarra "SincretISTMOS", Sala 1 del MADC, pieza "Equipaje", 2013. Fotografía LFQ.

Es notable su pieza “Equipaje”, adoquín colonial y agarradera, en la cual se sirve de una materia dura de la construcción –y en eso dialoga con la propuesta de la sala adjunta-, para hablarnos del tema del saqueo y traslocación de objetos patrimoniales que representan un tiempo y un espacio (en este caso de las evocaciones de la colonia española) en el abordaje de nuestras realidades nacionales y de esta región en particular.

Karlo Andrei Ibarra,"Protaxis", 2013. Fotografía LFQ. 


Para traer a la sala el discurso de la dependencia –tecnológica y económica-, utiliza una pala con el mapa centroamericano calado en el metal, que a su vez arroja una sombra sobre la superficie del muro que le da soporte, se trata de “Protaxis, pala de construcción calada”, que de alguna manera (y especulo en el sentido que me permite la libertad de interpretación del arte) nos conecta también a los procesos de beneficiado del café -en tanto utilizan esa tipología de herramienta-, ligamen, además, con la explotación bananera que argumenta grandes discursos caracterizadores de las expresiones artísticas del Istmo.
Y, para sumar a los sistemas de dominación política y realidad social, exhibe una hermosa instalación de un ruedo de madera para pelea de gallos, “Pico y espuela”, con lo cual alude a la arena política, cuando al menor descuido del protagonista viene el piquetazo o el desliz de la espuela activando la conciencia emocional de que las vivencias del día a día, tanto como el contrincante, nos sorprenden en la fiera pelea.

Karlo Andrei Ibarra, "Pico y espuela", 2013. Fotografía LFQ. 

SincretISMOS ofrece varias instalaciones y un video sobre situaciones donde se advierte el choque de tensiones sociales y culturales, que de alguna manera son componentes activos en la construcción de nuestras identidades nacionales, de aquellos rasgos que nos reúnen como región, a pesar de las fuerzas antagónicas, como aquella gota abrasiva que poco a poco destruye las páginas de las “Constituciones de Centroamérica”, “Gotas de sal” -2013-, expuestos sobre unas estructuras de madera, juego en el cual nos aventuramos a someter lo propio delante de lo ajeno.

Karlo Andrei Ibarra, Sala 1 del MADC, 2013. Fotografía LFQ. 

El programa del MADC de fin e inicios de año nos ofrecen una tercera opción titulada Inquieta Imagen, un programa propio del museo que requiere observarlo con otra distancia y tiempo, quizás en un futuro abordaje. 

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Luis Fernando Quirós

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Gerardo Selva Godoy: Diseño cerámico y vidrio

06.12.2013 | 09:30

Lo conozco desde hace muchos años por su dedicación a la cerámica, en la fabricación de productos funcionales de uso doméstico, pero también nos sorprende con sus objetos en vidrio: platones, copones y otras creaciones abstractas de fina técnica e imaginativo dominio formal. Su producción de los últimos años deja ver una fuerte influencia del lenguaje cerámico de nuestros pueblos originarios prehispánicos, pero repensados con sus técnicas, caracteres, calidad de fabricación. El año 2012, realizó una muestra en la Galería Nacional que fue distinguida con el Premio Nacional Aquileo Echeverría en la rama de Cerámica.
Selava Godoy se formó en Ravensbourne College of Art and Design, Chislehurst, Kent, Inglaterra en 1976, y obtuvo una maestría en Artes Plástias con énfasis en Vidrio en el Instituto Tecnológico de Rochester. Nueva York, USA en 1990. Además es un inquieto artista que se inició empíricamente en la producción audiovisual (video-filmes) en 1992 con una cámara VHS.
En este acercamiento a su labor creativa y de investigación, Selva expresa su preocupación por el desarrollo del ser humano como tal; sentido observable en el carácter de su pensamiento crítico, del cual rescata -su capacidad para equivocarse y vivir en la confusión que lo hace sufrir –y, como él mismo acota: hacer sufrir a quienes lo rodean, sea naturaleza o sociedad.



Platón en vidrio. Fotografía cortesía del autor. 

LFQ: Interesante observar que si bien inicialmente partió de una interpretación creativa de la iconografía de nuestros pueblos originarios, ahora lo subvierte, de manera que los personajes de esos jarrones trípode -ya no son el mono, la higuana o los felinos de los tiempos ancestrales, sino personajes que nos recuerdan el imaginario de los comics.
¿Qué te has propuesto con esa apropiación de la cerámica chorotega como lenguaje de tus diseños, y que hoy parece tomar otra vertiente expresiva?, y, ¿en qué radica la diferencia de hacer cerámica ayer respecto a hoy?
Gerardo Selva Godoy
: Más que proponérmelo, la influencia indígena-precolombina en mi trabajo ha sido espontánea. El simple hecho de poder ver en los museos las maravillosas obras de nuestros antepasados ha sido una inspiración que me ha llevado a tratar de emular (no imitar ni reinventar) su estética, su sentido de síntesis y su amor por el material.
Siendo una persona de hoy, sumergido en una era tecnológica, la incorporación de mayores temperaturas, de esmaltes sobre las piezas ha sido la tendencia lógica a seguir. El leguaje que uso en mi trabajo es el mismo de todos los ceramistas de todos los tiempos No es necesario reinventarlo sino usarlo. Porque la tierra y el fuego siempre hablaron, hablan y hablarán el mismo lenguaje. La diferencia entre ellos y nosotros está en el uso de la electricidad, el mayor control de las temperaturas y la posibilidad de conseguir materiales al alcance de una llamada telefónica y un viaje al banco más cercano.

LFQ: Quienes lo conocemos apreciamos su dinámica inquietud por obtener frutos, por investigar y probar tanto materiales como diversas maneras de expresión que son componentes activas de su carácter y personalidad. ¿De dónde viene esa motivación?
GSG:
La motivación viene desde el útero. La necesidad de crear, de gestar una idea, de trabajarla y plasmarla para compartirla. El proceso de idea-proceso-objeto lo descubrí desde muy pequeño, me atrapó y ha sido el combustible-motor de toda mi obra. Un día descubrí que era maravilloso tener ideas y que era aún más maravilloso verlas realizadas. Es satisfactorio enfrentarse a un reto, enfrentarlo y observar el resultado (sea positivo o negativo) Por eso me gusta el cine porque entre todas las artes es el reto más grande que existe. Involucra todas las artes (plásticas, dramáticas y musicales) hay que hacer malabares con ellas y ponerles atención a lo largo de un período relativamente largo de tiempo en el cual cualquiera de ellas puede caerse y estropear el resultado.



Platón cerámico. Fotografía cortesía del autor.

LFQ: Como se dijo, en sus piezas cerámicas es observable las reminiscencias de las expresiones de nuestros ancestros originarios ¿Cuáles son tus logros al asumir esa iconografía?
GSG:
Creo que la fusión de el color del Jade con la técnica de la Cera Perdida del Oro y las formas ancestrales que actualmente produzco son, tal vez no un logro, una consecuencia de los 40 años en los que he venido haciendo cerámica.

LFQ: ¿Cómo cargas de emoción a un producto tuyo para que los espectadores lo deseen tener para sí?
GSG:
El objeto se carga solo. La emoción, el amor, la dedicación, el cuidado, la atención que se le pone al objeto queda impresa en él y luego la irradia a lo largo de toda su vida como objeto. Realmente no me preocupa si mis objetos se venden o no. De hecho me encantaría no tener que venderlos y vivir con ellos para siempre. La necesidad me obliga a venderlos y creo que me siento un poco triste cuando se venden y me alegra mucho cuando sé que quien lo compra lo va a cuidar y apreciar como yo lo aprecio. También me alegra saber que gracias a que alguien quiere mi trabajo tengo la oportunidad de seguir haciendo más. Este es mi meta con la producción cinematográfica, quiero hacer cine que me permita hacer más cine. Que la producción sea sostenible. Por eso cuando escribo guiones pienso en mi como ser humano que cuenta una historia que otros seres humanos quieran escuchar e identificarse, entretenerse y divertirse con ella.



 

Jarrón trípode cerámico. Fotografía cortesía del autor. 

LFQ: Háblanos de tus experiencias con el video y el cine. ¿Cómo manejar dos artes tan diversas entre sí, donde en una (la cerámica) es para contemplar la trascendencia del tiempo en nuestra contemporaneidad, y el otro (la imagen) juega con el tiempo mismo, con los conflictos propios de esta época que vivimos?
GSG:
La cerámica es el arte mas permanente y concreto que existe. El cine es efímero e insustancial. La cerámica es relativamente rápida de hacer (unos cuantos días) mientras el cine toma meses a veces años. Hago cerámica solo y me trae satisfacción inmediata, no dice literalmente nada, no expresa ideas, es inerte y permanente. Me da una satisfacción impersonal, instintiva y espontánea. El cine pone a prueba mi paciencia, mi capacidad para comunicarme con otros seres humanos (el equipo de trabajo) y el reto de mantener una idea por un período largo de tiempo, sostenerla, comunicarla y expresarla con un grupo de personas (actores, músicos, técnicos) hacer malabares con el dinero y eventualmente verla terminada. Producen una clase de satisfacción como la del que sube montañas y es feliz cuando llega a la cima.

LFQ: Qué representó para vos recibir el Premio Nacional Aquileo Echeverría 2012, el primero con que se premia a esta rama creativa?
GSG:
La satisfacción de sentir que el trabajo, tenaz, perseverante y continuo es reconocido por otros, por el país. Además que la parte económica del premio inyecta la clase de energía que a veces es necesaria para seguir produciendo.


 

Copón cerámico en el Abierto de Cerámica 2011. Fotografía LFQ.

LFQ: Cómo distingues esos motivadores que te empujan a crear, a trabajar, de qué naturaleza son tanglibles o intangibles.

GSG: Los tangibles son los económicos, el intangible es la necesidad creativa que creo que es la que diferencia a un artista del que no lo es. Cuando la necesidad económica está por encima de la necesidad creativa tenemos a un artesano o a un comerciante. Cuando la necesidad creativa está por encima de la económica tenemos a un Artista. Porque un Artista no piensa en el dinero, ni en la inversión ni en la recuperación de la inversión. Solo tiene una idea y se lanza al vacío sin ningún otro pensamiento que el de “voy a hacerlo” y punto.


LFQ: ¿Cómo caracterizas tu vida personal y profesional de diseñador, artista y cineasta?  
GSG: He vivido una vida sencilla, frugal, tratando de llenar mis necesidades y las de mi familia de la forma más directa y básica. Sin lujos, sin excesos. Esto me ha permitido también crear desde esa misma perspectiva. Pocos materiales, pocos colores, formas sencillas y directas. Y esta perspectiva fue la de nuestros antepasados (americanos o europeos). Por eso es que no me cuesta hacer arte de la misma forma y con el mismo sentimiento que ellos.

Gerardo Selva Godoy en la muestra Mayinca 2013.

Para concluir con este acercamiento al trabajo de Selva Godoy, quisiera decir que lo escuché a viva voz cantando canciones propias o regionales interpretadas con su propio estilo personal, y sabemos de su participación en grupos rockeros de la Zona Sur (él habita en la ciudad de San Isidro de Pérez Zeledón); además de sus experiencias como actor, por lo que se deduce tener por delante a un intenso creador contemporáneo. Tiene en su haber 2 largometrajes: “Chirripó” (ficción 93 min. 2000), “Tu No Estás en mis Zapatos” (ficción 93 min. 2009) y 2 medio-metrajes “Karma” (Ficción 35 min. 2011) y “El Hombre de la Ventana” (Ficción 35 min. 2012) Actualmente está en la pre-producción de “Semana U” la Película. (Comedia-Ficción) para ser filmada en febrero del 2014. Como canta autor inició su producción en el 2003 con “Lágrimas de un Don Nadie” (12 temas) luego “El Momento en que la Risa se Transforma en Carcajada” (12 temas) del 2004 seguido por “Vida y Muerte son Sinónimos” (7 temas 2009) y en el 2012 “Blanco Espacio”. 

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Luis Fernando Quirós

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Diseño e ilusiones ópticas

27.11.2013 | 14:43

En estos días me motivó indagar el por qué nos aficiona reconocer caras en los objetos industriales o de uso cotidiano, ilusión óptica que los estudiosos llaman “pareidolia”. Éstos fenómenos siempre existieron, sin embargo, hoy en día, muchas personas se sorprenden e incluso expresan emociones tales como -“¡wuo!”, “¡super!”, o ¡qué chiva! -, cuando encuentran una fotografía u observan un determinado objeto portador de esa ilusión, algo que en realidad no existe.
Desde la década de los dos mil colecciono fotografías de esos objetos en los cuales nuestros patrones cerebrales de reconocimiento perciben gestos propios de la naturaleza humana; es suficiente que existan dos agujeros en una superficie para fijar la idea de ojos y uno tercero para identificar una boca, por lo tanto un rostro.
La mayoría de esta colecta de imágenes las publiqué en un “issuu” que pueden apreciar en el enlace. Meses atrás Pep Carrió publicó un post en su blog de este portal sobre el mismo fenómeno titulado “Caras encontradas”.



Caritas observadas en varias componentes de la electrónica. Fotografía LFQ.

Fenómeno de pareidolia. Fotografía LFQ. 

Prensas en el taller de mecánica. Fotografía LFQ. 

Experiencia cotidiana
Por lo general subo a mi página de Facebook fotografías de esos objetos, con lo que me cercioro del interés que provocan en los usuarios de las redes. La intriga desafía y estimula la búsqueda de certeza, a la vez de preguntar ¿de dónde proviene la motivación para buscar esos objetos y captar la ilusión en una fotografía? ¿Cuál será la explicación desde la ciencia que estudia los fenómenos perceptivos? ¿Cómo comprenderlos con racionalidad? Y, ¿cómo influye en la psicología humana el fenómeno observado?
La respuesta es sencilla, con la tecnología celular que posibilita enviar mensajes con imágenes por varios medios: mensajería, WhatsApp, correo electrónico y las mencionadas redes sociales, los usuarios por lo general concluyen sus mensajes subiendo una carita de las cuales el sistema ofrece enorme variedad y que revolucionan el uso de íconos en el lenguaje.



Caritas observadas en prensas de los talleres de mecánica. Fotografía LFQ. 

Tapas de plomería y materiales del taller. Fotografía LFQ.

Sacacorchos el cual ofrece una lectura de bicho marino. Fotografía LFQ. 

Diferentes objetos donde observar el fenómeno. Fotografía LFQ. 

¿De dónde vienen?
Algunas parecen ser hechas a propósito, otros son gestos espontáneos sobre todo cuando se suma el carácter emotivo, pero lo cierto es que los diseñadores industriales y de productos, deberían considerar a fondo esta variable perceptiva, para incrementar la comunicación entre el producto y el usuario. Se busca agregar interés, catexia, en tanto el observador reconoce el gesto y experimenta empoderamiento y empatía, argumento que agrega valor al producto en su penetración al mercado.
Nuestra estructura cerebral posee una trama de patrones psicoperceptivos que fueron estudiados desde inicios del siglo XX por la Teoría Gestalt, se recuerda la “Ley de la Experiencia” – que se gesta por la capacidad humana de conocer y tener experiencia de dichos patrones, lo que motiva a reconocerlos por forma, color, cercanía, entre otras variables. Por ejemplo, si en un patrón de puntos color negro existe la excepción de dos puntos en distinto color respecto al resto, es suficiente para que el ojo asimile la tensión existente entre estas dos formas y genere la ilusión de cierre –Ley de la forma cerrada-, deduciremos entonces la existencia de una línea recta o un hilo óptico de carácter virtual.


Fotografías de objetos donde se observa el fenómeno de pareidolia. Fotografías de LFQ.
 

Talentos emocionales
A menudo los objetos que usamos en el cotidiano presentan esos rasgos en los cuales los usuarios observamos el fenómeno, pero no solo eso, también reconocemos emociones. Teóricos de la percepción como Rudolf Arnhein decían que “uno ve lo que sabe”. Es natural a nuestra conducta humana expresar esas emociones y por lo tanto también reconocerlas. Hablamos de la mirada y el enjambre cerebral que procesa lo que el ojo ve, cuaja la inteligibilidad de lo visto y brinda una respuesta cognitiva que fundamenta el proceso de comunicación y aprendizaje.

Fotografías de objetos donde se observa el fenómeno de pareidolia. Fotografías de LFQ. 

Jeff Hawkins en “Sobre la Inteligencia” (2004), explica que el cortex cerebral es responsable de memorizar lo que percibimos a través de la vista o el tacto, u otros sentidos, y relacionarlo con lo que nos queda o permanece en la memoria de dicha percepción, lo que se aprende y ejerce el factor de reconocimiento de datos similares. El fenómeno existe también en elementos naturales, rocas, maderas, firmamento, ríos, mar, arenas; es muy común observarlos en los troncos de los árboles donde en ocasiones se aprecian partes corporales con las cuales la mirada conecta con lo emocional y sexual, pero este es tema que bien podríamos tratar en otra oportunidad.


 

Fotografías de objetos donde se observa el fenómeno de pareidolia. Fotografías de LFQ. 

Para cerrar presento algunas fotografías colectadas en la ciudad, en el taller donde trabajo y exploro las posibilidades de la visualidad, en la universidad, y con ello explico a quienes me observan por las calles detenerme y tomar una foto a un objeto, acción que a algunos parecerá burdo y sin sentido.
Mucho se ha teorizado sobre estos aspectos cerebrales que provocan errores de lectura, pero que de igual manera generan interés. Las personas, como se dijo, dicen ver un rostro en una roca o en el jaspe de la madera, y no sólo son captados rasgos humanos, sino expresiones, a veces parecen sonrientes como en otras demuestran tristeza o temor. Se relacionan con lo sensitivo, con el lado de los sentimientos y afectos que exigen estudio por parte nuestra como diseñadores, responsables del diseño de los objetos y entornos, quienes debemos saber enfrentar la fuerza y poder de las llamadas inteligencias emocionales. 

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Luis Fernando Quirós

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