Blog de Luis Fernando Quirós

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Diseñacr, actualidad del diseño en Costa Rica, pretende abrir una ventana de actualidad para el diseño en Costa Rica, motivar la cultura del producto y ... [+]

TEORéTica: Sala Poligráfica

07.09.2013 | 11:30

El arte gráfico, en los últimos años, experimenta un notable florecimiento. Quizás por la variable económica en el alto coste de una pieza de arte en la actualidad, el grabado ofrece la alternativa de adquirir un original seriado, numerado y firmado por el autor; ese razgo le confiere interés para ser coleccionado. En Costa Rica los talleres de “estampa” y escuelas que lo ofrecen son varios, y sobre todo se trata de un terreno cultivado por el arte joven. La fundación TEORéTica abrió recientemente su Sala Poligráfica, para albergar estas manifestaciones creativas, con una muestra que titula: “Matéria Primera” de Adrián Flores (CR 1986) y José Pablo Ureña (CR 1987).

Sala Poligráfica con la muestra Materia Primera de Adrián Flores y José Pablo Ureña. Foto cortesía de Teorética.

Intensidad de la experiencia
Ingresar a ese espacio no nos deja de asombrar, se exacerba lo emocional de un acontecimiento poco cotidiano, como si ingresáramos al laboratorio del botánico, zoólogo, entomólogo, o quizás y más preciso, de un estudioso de la biónica, en tanto uno se encuentra delante de una considerable cantidad de registros visuales, de hormas o moldes que conforman estructuras orgánicas que estos jóvenes sacaron a frutas, vegetales, semillas y animales comestibles, especímenes del universo natural estudiados durante un lapso de tiempo para observar los grados de vida, aplicabilidad y hasta la consumación misma del producto.
Se aprecian sus imágenes impresas con calidad y figuración creativa, todos colocados en anaqueles como si fuese una taxonomía en la cual deriva el carácter del pensamiento científico cuando se mezcla con la técnica y el estudioso del arte. En eso nos recuerda los protocolos de investigación del Renacimiento.
Como si fuese un estudio de la biomimética, aparecen esos desarrollos formales de un sujeto que se mueve y que en este caso el investigador quiso detener para estudiar sus propiedades motoras, de vuelo, de nado o de tracción; tanto es así que estamparon la figura de un pez, un pulpo y otras criaturas de intenso interés para quienes nos sumimos es ese pequeño pero gran espacio abierto por TEORéTica.

Sala Poligráfica con la muestra Materia Primera de Adrián Flores y José Pablo Ureña. Foto cortesía de Teorética.

El glosario de Materia Primera
Acompañan a esos yesos e impresos expuestos en la sala, un glosario de la terminología técnica, donde cada dato incrementa el concepto y ayuda a encontrar el sentido a la visita; nos consumen en esa armazón de significados y esas “metáforas” que al final no nos queda más que celebrar tantos pensamientos puestos por estos dos jóvenes en las paredes, estantes, estampados y hormas, que no están ahí solo para evocar a los sujetos orgánicos que motivaron la exposición sino para “hacernos” –sí, para hacernos a nosotros los espectadores-, en tanto en calidad de “estampos” adquieren el poder del vacío y el tiempo, con todas sus texturas y micro caracteres, sobre nuestras percepciones, emociones e interpretaciones o como “dobles” de sus intenciones conceptuales y creativas.

Sala Poligráfica con la muestra Materia Primera de Adrián Flores y José Pablo Ureña. Foto cortesía de Teorética.

Vivencialidad
Se trata de un proyecto o espacio para recordar y disfrutar, tal vez no solo en el instante mismo de visitar la instalación de la Sala Poligráfica, sino después, cuando aún uno se revuelca y trata de salir a flote de las aguas del río de la interpretación del arte, cuando a veces la experiencia se extiende y nos toma incluso meses, como en mi caso, que externo mi comentario para el cierre del evento; pues debo esperar que la transparencias y fluidez de dichas aguas me dejen ver la naturaleza de sus fondos.

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Luis Fernando Quirós

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Algo más sobre la Bienal de Diseño de El Salvador

06.09.2013 | 12:04

Desde la década de los años ochentas del siglo pasado, cuando comenzaron a abrirse las primeras escuelas de diseño en la región, mucho se hablaba de la “institucionalización” del diseño; universidades, entes gubernamentales y no gubernamentales, gremios locales y regionales, se proponían el desafío de impulsar el modelo y la calidad de vida que ofrecía esa nueva disciplina. El Diseño –con mayúscula-, el que conquistó territorios de actuación profesional, pero su afanada “institucionalización” nos había quedado debiendo. Traigo estos argumentos a colación en tanto muchos de los graduados de nuestras escuelas -quienes alcanzaron éxito profesional-, deberían empujar más su propia valoración, y en algunas naciones, y aquí incluyo a mi país Costa Rica, se les siente dormir sobre sus laureles. Por fortuna siempre existen excepciones, nos percatamos de la existencia de organizaciones en las distintas naciones de la región que dan un paso adelante, tal es el caso de las y los organizadores de la Bienal de Diseño CONTEMPO de El Salvador, quienes encontraron impulsos para su diseñadores, y abren diversas ventanas para valorar e imbricar esas iniciativas privadas que contribuyan a la cimentación del mercado para su producción creativa. Aprovecho la reciente apertura de la Bienal de Diseño CONTEMPO en el museo MARTE, para entrevistar a Emma Schonenberg y preguntarle ¿cómo se gesta esa iniciativa?

Una de las salas de MARTE que alberga la Bienal de Diseño de El Salvador. Fotografía cortesía Bienal CONTEMPO. 

LFQ: 
¿Qué motivaciones les mueve?

Emma Schonenberg:
Varias cosas, primero que nada, ¡poner el nombre de El Salvador en alto! Mostrarle a los empresarios salvadoreños que localmente hay talento!
Mostrarle a los diseñadores del país que no sólo existen otras ramas del diseño ajenas a las ya conocidas.
Exponer al diseñador salvadoreño ante un jurado internacional de renombre, con la idea de que “practique” -en caso de tomar el rumbo de la exportación. En su mayoría, el jurado internacional sólo tiene elogios para la calidad de trabajo expuesto y sus comentarios los deja sorprendidos.

LFQ: ¿Cuál es la naturaleza de los retos?
Emma Schonenberg:
¡Existen muchos, pero son superables! Primero que nada no hay o más bien no había un lugar donde los diseñadores de mobiliario comercializaran sus piezas. Hoy existe “The Carrot Concept” -que consiste en un grupo de diseñadores (tres de ellos ganadores de pasadas ediciones de la bienal) que alberga y comercializa no sólo piezas de los diseñadores que conforman el consocio, también tienen trabajos de otros diseñadores incluso de otras ramas del diseño.
Tenemos que ver que hacer con esta nueva categoría, para que también tengamos un lugar donde comercializar el producto. Se está trabajando en un proyecto “diseño de superficies”, junto con la diseñadora Sara Hdz, apuntamos a aplicarlo al diseño de moda y accesorios.
Otro de los grandes retos es el patrocinio. Como es un concurso o bienal que trae jurado internacional, se concurre en gastos considerables, pero es necesario, en tanto lo sellan con el aval de profesionales de renombre para que nuestros empresarios confíen en la calidad del trabajo de los diseñadores, para posibles contrataciones.

Sala de mobiliario de la Bienal de Diseño de El Salvador. Fotografía cortesía Bienal CONTEMPO.  

LFQ: ¿Cómo fue que se creó CONTEMPO y háblanos de su lógica evolución y estado actual?
Emma Schonenberg:
Nació durante el segundo período del Programa de USAID para Promoción de Exportaciones y su meta fue ver como se le ayudaba a diseñadores locales a exportar (mobiliario solamente en aquella época).
La finalidad de la Bienal no cambia! Creemos firmemente que si el aval del trabajo de los participantes viene de “afuera”, será más fácil que logre reconocimiento local (lo he vivido en carne propia -no por medio de CONTEMPO, sino más bien, por nuestras iniciativas de exportación “Surface Design o Diseño de Superficies”, como lo hemos bautizado acá, una traducción literal del inglés).
La bienal sigue este mismo camino: presentarle a los diseñadores otras opciones de desarrollo fuera de las fronteras salvadoreñas, y, se desea –desde la bienal-, que observen de primera mano cual es el mercado, en este caso las ferias de diseño, donde pudieran venderse sus diseños; por ende, los tres premios principales consisten en que los premiados reciban un boleto aéreo a Nueva York, específicamente para que visiten dos ferias: Para la categoría de Mobiliario asistan a “International Contemporary Furniture Fair (ICFF)”, y para la categoría de superficies a “SURTEX”. A estos dos eventos que se celebran en NY durante el mes de mayo, concurre al mismo tiempo el “Jacob Javits Center”.

Sala de la categoría de Superficies de la Bienal de Diseño de El Salvador. Fotografía cortesía Bienal CONTEMPO.   

LFQ: Ahí está el detalle, para el éxito de una bienal, salón, concurso: los patrocinios.
Emma Schonenberg:
Patrocinio para promocionar no sólo la Bienal en sí, también los “workshops” y presentaciones que dan el jurado nacional y el internacional (si, tenemos jurado nacional que se encarga de seleccionar a los participantes que serán evaluados por el jurado internacional. Este jurado nacional no sólo ha participado en CONTEMPO’s anteriores, también conoce bien los mercados internacionales de cada rama que ofrece la bienal, tiene clientes internacionales en EEUU y Europa y han exhibido en ferias como “Salone del Mobile” en Milán, el ICFF en Nueva York, así como SURTE y Printsource.

LFQ: ¿Cuál es el significado de impulsar una bienal de esas características en un museo del prestigio de MARTE?
Emma Schonenberg:
MARTE nos ha acogido bajo su ala albergando la Bienal CONTEMPO, por que sus autoridades creen en el potencial de los diseñadores nacionales. El prestigio que tiene MARTE en El Salvador también motiva a los participantes, quienes van a tener la exigencia de desarrollar sus mejores diseños y producir productos de calidad. -¿Qué significa para nosotros comoorganizadores?, pues “Meams the word”, no tenemos palabras para agradecer la confianza que depositan en nosotros y participantes.



Revital Guardado y David Guevara. Silla Chuza. Fotografía cortesía Bienal CONTEMPO. 

LFQ: ¿Cómo se estructura la bienal, o qué categorías agregan interés a la muestra?
Emma Schonenberg:
La bienal se divide en tres fases. La primera es el desarrollo de las ideas (a nivel de bocetos) de lo que se desea participe en la evaluación final.
La segunda fase comienza cuando se están escogidos los participantes que serán evaluados –como se dijo-, por el jurado internacional, pero ya fueron llevados de la mano con asesorías personalizadas impartidas por el jurado nacional, quienes aconsejan y exigen que las pulan y les saquen el mayor potencial resultando un producto de categoría mundial. -¿Ambicioso no?, eso “de categoría mundial”. ¡Pero lo es! Esta edición del 2013 es en verdad impresionante!
La tercera fase es la evaluación del jurado internacional.



Roberto Alonso Juárez Gómez. Banco Reunion Stoll Fotografía cortesía Bienal CONTEMPO. 

LFQ: ¿De qué manera se inscriben y seleccionan los participantes y háblanos de posibles planes de expansión?
Emma Schonenberg:
La inscripción es abierta para diseñadores, arquitectos, quienes tengan interés y habilidad para desarrollar prototipos finales -por el momento salvadoreños-, pero quisiéramos hacer la bienal a nivel centroamericano, aunque aún somos pocos los organizadores y para ese esfuerzo necesitamos más “funding” y más gente .
-¿Cómo se seleccionan? Pues las ideas que se presentan y los prototipos que se desarrollan van dirigidos a un mercado específico. Este año en particular, para la categoría de “Superficies” tiene un cliente identificado que es “Orphan Kisses” productor de carteras de cuero. Este cliente quiere ampliar su producción a accesorios de mujer para “Saks 5th Avenue!”. Son evaluados considerados si caben dentro del mercado los hogares del consumidor final.

LFQ: Uno de las críticas que se hacen a las bienales, a nivel del mundo, y que llaman “bienalitis” es que a veces se reducen solo a la inauguración: tomar un vinito que activa la espinita de la conversación, pero nada más. ¿Cómo proyectar a la comunidad regional esos logros alcanzados?, ¿cuál es la idea para ustedes los organizadores de hacer bienal?, ¿qué otros eventos asociados se piensan?, ¿cómo ampliar la conciencia del público receptor acerca de lo que se está ocurriendo en el museo?
Emma Schonenberg:
Es curioso que nos pregunte esto, tanto Isabel Muyshondt, como yo misma comenzamos este proyecto cuando trabajábamos con el programa “USAID para la Promoción de Exportaciones”, jamás pensamos que llegaría al nivel en el que se encuentra hoy. Los “días” que más audiencia siempre han sido para las clausuras -por que viene el jurado internacional y el público desea escuchar de primera mano sus opiniones respecto a lo evaluado. ¡Este año en la inauguración hubo más de 500 personas! ¿¡Cuántas llegarán a la clausura!? Nos emociona la reacción este año y creemos que se debe en gran medida a que los participantes son jóvenes. En su mayoría estudiantes -eso nos tiene muy impresionados. Estas generaciones utilizan las redes sociales. “Word of mouth” es de las herramientas utilizadas para esta edición de la dienal! Los patrocinadores consolidados a lo largo de los años, observan una evolución y cada vez más se suman nuevos, cuesta, pero con el tiempo y la constancia se logra mayor conciencia en lo que el museo proyecta. De nuevo –“word of mouth”. ¡El tiempo y ser constante es clave! Contar con una asociación de diseñadores como CROMA –revivida después de 12 años de estar dormida-, hace la diferencia.

Bufanda, colección Veris. Carmen María Benítez Alfaro. / Andrea Campos Torres. Ana María Guidos Cáceres. Cartera, colección Vuelta urbánica. / Bufanda, cartera y sandalias, colección Escamas de luz. / Fotografía cortesía Bienal CONTEMPO. 

LFQ: Mencionas a Isabel Muyshondt, aprovechemos la oportunidad para que expliques su rol en la organización de la Bienal de Diseño Contempo.
Emma Schonenberg:
Con Isabel comenzamos esto en el 2008 por cuestiones de trabajo. Cuando el programa de USAID cerró sus puertas -su segunda fase sólo duraría 3 años-, Isabel se puso al pie del cañón, para consolidar la competencia. Para CONTEMPO III, ella produjo el concurso sola, recaudó fondos para traer al jurado internacional, para la promoción, visitó las escuelas de diseño para pegar carteles e informaba sobre CONTEMPO, en aquel entonces no era Bienal todavía.
En el 2009 MARTE decidió acoger el concurso y lo convirtió en Bienal. Fue entonces que Isabel me reclutó para que incorporara la categoría de Superficies -ella conoce de cerca mi trabajo y sabía que tengo contactos y conozco bien la industria -aunque todavía tengo mucho que aprender.
Aclaro que Isabel no es diseñadora, pero aunque no lo es, asumió el desafío de promover a los diseñadores por medio de la bienal, por que no sólo cree en ellos, si no también por que es una manera de poner a El Salvador en alto. Isabel fue quien consiguió el apadrinamiento de Jerry Helling -presidente de Bernhadt Design- para CONTEMPO. Ella le hizo el contacto a los diseñadores locales que ahora trabajan con Bernhardt Design licenciando sus diseños.
Al final del día, Isabel es la goma, cerebro y corazón de la organización.

Salas expositivas de MARTE. Fotografía cortesía Bienal CONTEMPO. 

LFQ Con esta entrevista a una de las personas involucradas con la realización de la Bienal de Diseño CONTEMPO de El Salvador, sabemos más de lo que sucede en el istmo, más que sus problemáticas asociadas a guerras pasadas, a movimientos de narcos y sus fuertes registros migratorios. Conocemos más de su lado amable, del pensamiento creativo y frutos emergentes que conquistan nuevos espacios y visibilidad en el panorama internacional del diseño y la cultura. ¡Así se institucionaliza la profesión, así se hace camino!

 

  

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Luis Fernando Quirós

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Muestra de origami: “Instrucciones para plegar un sueño”

02.09.2013 | 18:11

Cuando visito una muestra como “Instrucciones para plegar un sueño” de Greivin Umaña -grabados, camisetas, pinturas, esculturas, cientos de grullas y otros bichos en origami-, y permanece una ración de la idea que me instiga con sus contingencias acerca del significado de la creatividad, y si al llegar a casa no me abandona dicha percepción, busco a ese artista o diseñador para conversar con él acerca de su trabajo.

LFQ: ¿De dónde viene tu afición por el origami?
Greivin Ureña:
Desde niño, el papel tuvo esa fascinación, cuando estaba en la escuela, creaba naves -aun recuerdo su forma básica de plegar-, y agregándole papel iba creando una super nada y mis viajes al espacio se hacían reales. 

Galería Nacional, Museo de los Niños, San José. Muestra de Greivin Ureña. Foto cortesía del artista.

LFQ: ¿Qué significado le das a plegar un cuadrado de papel para obtener una figura?
Greivin Ureña:
¡Uff!, hay mucho, pero uno de los principales es alejarse de todo, al plegar se encuentra la libertad y el gran reto de hacer que esa hoja se convierta en el animal que deseo; es similar a cuando pinto o dibujo o grabo, una simple hoja puede ser el capullo de la mariposa que esta por nacer.

LFQ: En tus grabados las figuras dialogan, entablan un lenguaje que solo a estos les pertenece. ¿Sientes ese lenguaje del cual te apropias?
Greivin Ureña:
Cuando uno crea, las obras han hablado primero con uno, al final suena raro pero de la magia de crear ya sea origami, escultura, pintura o grabado, el espectador solo se lleva una tercera parte, que es la visual y algo de la sentimental, porque esas otras dos terceras partes nacen en la cabeza y en el proceso de creación -que es una de las cosas mas bellas que existe, y cosas que muchas personas no entienden-, al final para uno es un vicio, cuando dejamos de crear o dialogar con la obra nos deprimimos.
Estos grabados tiene voz propia, cuentan las historias de nosotros entre ellos y el espectador, me imagino la galería en la noche y podría ser la misma casa de “La fisgonas de Paso Ancho” (se refiere a una novela del dramaturgo costarricense Samuel Rovinski, que precisamente falleció este fin de semana), cuando se encienden miles de noticias de que murió tal, que paso esto y esto otro. Los grabados literalmente tiene noticias.

Grabados de Greivin Ureña. Fotografía cortesía del artista.

LFQ: ¿Qué posibilidades te ofrece el grabado de incrementar el interés por ese arte de plegar papel para corporizar figuras y generar estructuras tridimensionales donde también tocas el asunto del espacio o espacialidad de la galería?
Greivin Ureña:
De hecho tengo muchas ideas que estoy trabajando muy relacionadas con el grabado, ahorita investigo soportes de papel para hacer impresiones en los mismos y plegarlos, ya olvidé que el grabado es bidimensional para convertirlo en tridimensional. Siempre he creído que la obra -sea pintura o grabado-, puede pasar de bidimensional a tridimensional en tanto se acerca mas al espectador que lo incorpora a su realidad y a ese viaje del sueño.

LFQ: ¿Cuestionas algo, o buscar clamar atención del espectador por este arte?
Greivin Ureña:
Los cuestionamientos siempre están es el arte, el grito de denuncia tienen su mayor fuerza en cualquier expresión del arte, como dijo Jorge Debravo. Pero también creo que el arte puede ser la escapatoria de la triste realidad -como es el caso de la muestra “Instrucciones para viajar en un sueño la 1 y 2”-, que es invitación a esa paz. En otras obras, si se busca denunciar que no debemos dejar de gritar las atrocidades que se cometieron y se cometen contra muchos pueblos inocentes.

Grabados de Greivin Ureña. Fotografía cortesía del artista. 

LFQ: El arte casi siempre es provocador de reflexión, de pensamiento, de cuestionamientos, de críticas. ¿Cómo defines lo que andas buscando con el origami?
Greivin Ureña:
El origami cualquier persona creería que es una simple representación y nada mas, pero al integrarlo en mi obra artística le doy ese grito que faltaba, busco esa lucha que el puede emprender y lo hago ser mas activo, medio para decir lo que quiero transmitir.

LFQ: ¿Qué te desafía?
Greivin Ureña:
¡Uff!, el origami es siempre desafío por querer buscar hacer las cosas mas complejas, es como el científico que busca respuestas y cuando las encuentra no se queda sentado, y dice -ya lo hice-, no festeja pero en medio de la satisfacción por el logro está buscando en su cabeza otro reto. El mundo que hay detrás del origami es apasionante, son la aplicación de las matemáticas de una manera muy clara, si se enseñara origami en matemáticas, le juro que no se aburrirían nadie y no le tendrían tanto miedo. 

Camisetas diseñadas por Greivin Ureña. Fotografía cortesía del artista. 

LFQ: ¿No te cansa el reto de plegar una y otra vez la misma figura, la misma estructura, el mismo movimiento?
Greivin Ureña:
En el origami es muy curioso pero siempre hay muchas variantes para llegar a un mismo fin, de allí que uno lo vuelva monótono o divertido, en el proceso de la creación se encontraron casi siete formas diferentes de hacer la grulla, unas mas complejas que otras, pero fue divertido puesto que junto a mis colegas de este arte en Costa Rica, una de las dinámicas de grupo es ponernos retos: buscar como hacer la figura diferente: En uno de los talleres, abstrayéndome de las conversaciones, me di cuenta de que quien nos oye hablar pocos comprenderían la terminología; en origami -trabajádolo profesionalmente-, se escribe, tiene su propio lenguaje; era muy vacilón escuchar hablar de cosas como -"Cps, analicemos el inserto, los bloqueos, el box pleating, colapsar"-, y tantas otras cosas que tiene este mundo.

LFQ: Su lenguaje te acerca a una narrativa de símbolos como el perro, la paloma el o pájaro, el caballo, entre otras, ¿qué mas deseas contar o hacia dónde quieres direccionar tu arte?
Greivin Ureña:
Al final no es que me acerca, comprendo mas la estilización, el origami puede ser el cubismo dentro de la escultura, en muchos casos, es la representación clara de la figura en muy pocos trazos.

Instalaci{on de Greivin Ureña. Fotografía cortesía del artista. 

Este acercamiento al pensamiento, y a la obra de este joven creador costarricense Greivin Ureña, constata el universo aun por conocer: cada cabeza en un mundo. No existen límites para la imaginación, la creatividad y el hacer; cuando el artista o diseñador se enfrenta a toda situación problemizadora y lo hace con sagas actitud de aprender del reto, satisface plenamente la vivencia, la comprensión y el significado de “Instrucciones para plegar un sueño”.
  

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Luis Fernando Quirós

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