Blog de Luis Fernando Quirós

diseñacr
Diseñacr, actualidad del diseño en Costa Rica, pretende abrir una ventana de actualidad para el diseño en Costa Rica, motivar la cultura del producto y ... [+]

Gerardo Selva Godoy: Diseño cerámico y vidrio

06.12.2013 | 09:30

Lo conozco desde hace muchos años por su dedicación a la cerámica, en la fabricación de productos funcionales de uso doméstico, pero también nos sorprende con sus objetos en vidrio: platones, copones y otras creaciones abstractas de fina técnica e imaginativo dominio formal. Su producción de los últimos años deja ver una fuerte influencia del lenguaje cerámico de nuestros pueblos originarios prehispánicos, pero repensados con sus técnicas, caracteres, calidad de fabricación. El año 2012, realizó una muestra en la Galería Nacional que fue distinguida con el Premio Nacional Aquileo Echeverría en la rama de Cerámica.
Selava Godoy se formó en Ravensbourne College of Art and Design, Chislehurst, Kent, Inglaterra en 1976, y obtuvo una maestría en Artes Plástias con énfasis en Vidrio en el Instituto Tecnológico de Rochester. Nueva York, USA en 1990. Además es un inquieto artista que se inició empíricamente en la producción audiovisual (video-filmes) en 1992 con una cámara VHS.
En este acercamiento a su labor creativa y de investigación, Selva expresa su preocupación por el desarrollo del ser humano como tal; sentido observable en el carácter de su pensamiento crítico, del cual rescata -su capacidad para equivocarse y vivir en la confusión que lo hace sufrir –y, como él mismo acota: hacer sufrir a quienes lo rodean, sea naturaleza o sociedad.



Platón en vidrio. Fotografía cortesía del autor. 

LFQ: Interesante observar que si bien inicialmente partió de una interpretación creativa de la iconografía de nuestros pueblos originarios, ahora lo subvierte, de manera que los personajes de esos jarrones trípode -ya no son el mono, la higuana o los felinos de los tiempos ancestrales, sino personajes que nos recuerdan el imaginario de los comics.
¿Qué te has propuesto con esa apropiación de la cerámica chorotega como lenguaje de tus diseños, y que hoy parece tomar otra vertiente expresiva?, y, ¿en qué radica la diferencia de hacer cerámica ayer respecto a hoy?
Gerardo Selva Godoy
: Más que proponérmelo, la influencia indígena-precolombina en mi trabajo ha sido espontánea. El simple hecho de poder ver en los museos las maravillosas obras de nuestros antepasados ha sido una inspiración que me ha llevado a tratar de emular (no imitar ni reinventar) su estética, su sentido de síntesis y su amor por el material.
Siendo una persona de hoy, sumergido en una era tecnológica, la incorporación de mayores temperaturas, de esmaltes sobre las piezas ha sido la tendencia lógica a seguir. El leguaje que uso en mi trabajo es el mismo de todos los ceramistas de todos los tiempos No es necesario reinventarlo sino usarlo. Porque la tierra y el fuego siempre hablaron, hablan y hablarán el mismo lenguaje. La diferencia entre ellos y nosotros está en el uso de la electricidad, el mayor control de las temperaturas y la posibilidad de conseguir materiales al alcance de una llamada telefónica y un viaje al banco más cercano.

LFQ: Quienes lo conocemos apreciamos su dinámica inquietud por obtener frutos, por investigar y probar tanto materiales como diversas maneras de expresión que son componentes activas de su carácter y personalidad. ¿De dónde viene esa motivación?
GSG:
La motivación viene desde el útero. La necesidad de crear, de gestar una idea, de trabajarla y plasmarla para compartirla. El proceso de idea-proceso-objeto lo descubrí desde muy pequeño, me atrapó y ha sido el combustible-motor de toda mi obra. Un día descubrí que era maravilloso tener ideas y que era aún más maravilloso verlas realizadas. Es satisfactorio enfrentarse a un reto, enfrentarlo y observar el resultado (sea positivo o negativo) Por eso me gusta el cine porque entre todas las artes es el reto más grande que existe. Involucra todas las artes (plásticas, dramáticas y musicales) hay que hacer malabares con ellas y ponerles atención a lo largo de un período relativamente largo de tiempo en el cual cualquiera de ellas puede caerse y estropear el resultado.



Platón cerámico. Fotografía cortesía del autor.

LFQ: Como se dijo, en sus piezas cerámicas es observable las reminiscencias de las expresiones de nuestros ancestros originarios ¿Cuáles son tus logros al asumir esa iconografía?
GSG:
Creo que la fusión de el color del Jade con la técnica de la Cera Perdida del Oro y las formas ancestrales que actualmente produzco son, tal vez no un logro, una consecuencia de los 40 años en los que he venido haciendo cerámica.

LFQ: ¿Cómo cargas de emoción a un producto tuyo para que los espectadores lo deseen tener para sí?
GSG:
El objeto se carga solo. La emoción, el amor, la dedicación, el cuidado, la atención que se le pone al objeto queda impresa en él y luego la irradia a lo largo de toda su vida como objeto. Realmente no me preocupa si mis objetos se venden o no. De hecho me encantaría no tener que venderlos y vivir con ellos para siempre. La necesidad me obliga a venderlos y creo que me siento un poco triste cuando se venden y me alegra mucho cuando sé que quien lo compra lo va a cuidar y apreciar como yo lo aprecio. También me alegra saber que gracias a que alguien quiere mi trabajo tengo la oportunidad de seguir haciendo más. Este es mi meta con la producción cinematográfica, quiero hacer cine que me permita hacer más cine. Que la producción sea sostenible. Por eso cuando escribo guiones pienso en mi como ser humano que cuenta una historia que otros seres humanos quieran escuchar e identificarse, entretenerse y divertirse con ella.



 

Jarrón trípode cerámico. Fotografía cortesía del autor. 

LFQ: Háblanos de tus experiencias con el video y el cine. ¿Cómo manejar dos artes tan diversas entre sí, donde en una (la cerámica) es para contemplar la trascendencia del tiempo en nuestra contemporaneidad, y el otro (la imagen) juega con el tiempo mismo, con los conflictos propios de esta época que vivimos?
GSG:
La cerámica es el arte mas permanente y concreto que existe. El cine es efímero e insustancial. La cerámica es relativamente rápida de hacer (unos cuantos días) mientras el cine toma meses a veces años. Hago cerámica solo y me trae satisfacción inmediata, no dice literalmente nada, no expresa ideas, es inerte y permanente. Me da una satisfacción impersonal, instintiva y espontánea. El cine pone a prueba mi paciencia, mi capacidad para comunicarme con otros seres humanos (el equipo de trabajo) y el reto de mantener una idea por un período largo de tiempo, sostenerla, comunicarla y expresarla con un grupo de personas (actores, músicos, técnicos) hacer malabares con el dinero y eventualmente verla terminada. Producen una clase de satisfacción como la del que sube montañas y es feliz cuando llega a la cima.

LFQ: Qué representó para vos recibir el Premio Nacional Aquileo Echeverría 2012, el primero con que se premia a esta rama creativa?
GSG:
La satisfacción de sentir que el trabajo, tenaz, perseverante y continuo es reconocido por otros, por el país. Además que la parte económica del premio inyecta la clase de energía que a veces es necesaria para seguir produciendo.


 

Copón cerámico en el Abierto de Cerámica 2011. Fotografía LFQ.

LFQ: Cómo distingues esos motivadores que te empujan a crear, a trabajar, de qué naturaleza son tanglibles o intangibles.

GSG: Los tangibles son los económicos, el intangible es la necesidad creativa que creo que es la que diferencia a un artista del que no lo es. Cuando la necesidad económica está por encima de la necesidad creativa tenemos a un artesano o a un comerciante. Cuando la necesidad creativa está por encima de la económica tenemos a un Artista. Porque un Artista no piensa en el dinero, ni en la inversión ni en la recuperación de la inversión. Solo tiene una idea y se lanza al vacío sin ningún otro pensamiento que el de “voy a hacerlo” y punto.


LFQ: ¿Cómo caracterizas tu vida personal y profesional de diseñador, artista y cineasta?  
GSG: He vivido una vida sencilla, frugal, tratando de llenar mis necesidades y las de mi familia de la forma más directa y básica. Sin lujos, sin excesos. Esto me ha permitido también crear desde esa misma perspectiva. Pocos materiales, pocos colores, formas sencillas y directas. Y esta perspectiva fue la de nuestros antepasados (americanos o europeos). Por eso es que no me cuesta hacer arte de la misma forma y con el mismo sentimiento que ellos.

Gerardo Selva Godoy en la muestra Mayinca 2013.

Para concluir con este acercamiento al trabajo de Selva Godoy, quisiera decir que lo escuché a viva voz cantando canciones propias o regionales interpretadas con su propio estilo personal, y sabemos de su participación en grupos rockeros de la Zona Sur (él habita en la ciudad de San Isidro de Pérez Zeledón); además de sus experiencias como actor, por lo que se deduce tener por delante a un intenso creador contemporáneo. Tiene en su haber 2 largometrajes: “Chirripó” (ficción 93 min. 2000), “Tu No Estás en mis Zapatos” (ficción 93 min. 2009) y 2 medio-metrajes “Karma” (Ficción 35 min. 2011) y “El Hombre de la Ventana” (Ficción 35 min. 2012) Actualmente está en la pre-producción de “Semana U” la Película. (Comedia-Ficción) para ser filmada en febrero del 2014. Como canta autor inició su producción en el 2003 con “Lágrimas de un Don Nadie” (12 temas) luego “El Momento en que la Risa se Transforma en Carcajada” (12 temas) del 2004 seguido por “Vida y Muerte son Sinónimos” (7 temas 2009) y en el 2012 “Blanco Espacio”. 

0

diseñacr

Luis Fernando Quirós

Share

Diseño e ilusiones ópticas

27.11.2013 | 14:43

En estos días me motivó indagar el por qué nos aficiona reconocer caras en los objetos industriales o de uso cotidiano, ilusión óptica que los estudiosos llaman “pareidolia”. Éstos fenómenos siempre existieron, sin embargo, hoy en día, muchas personas se sorprenden e incluso expresan emociones tales como -“¡wuo!”, “¡super!”, o ¡qué chiva! -, cuando encuentran una fotografía u observan un determinado objeto portador de esa ilusión, algo que en realidad no existe.
Desde la década de los dos mil colecciono fotografías de esos objetos en los cuales nuestros patrones cerebrales de reconocimiento perciben gestos propios de la naturaleza humana; es suficiente que existan dos agujeros en una superficie para fijar la idea de ojos y uno tercero para identificar una boca, por lo tanto un rostro.
La mayoría de esta colecta de imágenes las publiqué en un “issuu” que pueden apreciar en el enlace. Meses atrás Pep Carrió publicó un post en su blog de este portal sobre el mismo fenómeno titulado “Caras encontradas”.



Caritas observadas en varias componentes de la electrónica. Fotografía LFQ.

Fenómeno de pareidolia. Fotografía LFQ. 

Prensas en el taller de mecánica. Fotografía LFQ. 

Experiencia cotidiana
Por lo general subo a mi página de Facebook fotografías de esos objetos, con lo que me cercioro del interés que provocan en los usuarios de las redes. La intriga desafía y estimula la búsqueda de certeza, a la vez de preguntar ¿de dónde proviene la motivación para buscar esos objetos y captar la ilusión en una fotografía? ¿Cuál será la explicación desde la ciencia que estudia los fenómenos perceptivos? ¿Cómo comprenderlos con racionalidad? Y, ¿cómo influye en la psicología humana el fenómeno observado?
La respuesta es sencilla, con la tecnología celular que posibilita enviar mensajes con imágenes por varios medios: mensajería, WhatsApp, correo electrónico y las mencionadas redes sociales, los usuarios por lo general concluyen sus mensajes subiendo una carita de las cuales el sistema ofrece enorme variedad y que revolucionan el uso de íconos en el lenguaje.



Caritas observadas en prensas de los talleres de mecánica. Fotografía LFQ. 

Tapas de plomería y materiales del taller. Fotografía LFQ.

Sacacorchos el cual ofrece una lectura de bicho marino. Fotografía LFQ. 

Diferentes objetos donde observar el fenómeno. Fotografía LFQ. 

¿De dónde vienen?
Algunas parecen ser hechas a propósito, otros son gestos espontáneos sobre todo cuando se suma el carácter emotivo, pero lo cierto es que los diseñadores industriales y de productos, deberían considerar a fondo esta variable perceptiva, para incrementar la comunicación entre el producto y el usuario. Se busca agregar interés, catexia, en tanto el observador reconoce el gesto y experimenta empoderamiento y empatía, argumento que agrega valor al producto en su penetración al mercado.
Nuestra estructura cerebral posee una trama de patrones psicoperceptivos que fueron estudiados desde inicios del siglo XX por la Teoría Gestalt, se recuerda la “Ley de la Experiencia” – que se gesta por la capacidad humana de conocer y tener experiencia de dichos patrones, lo que motiva a reconocerlos por forma, color, cercanía, entre otras variables. Por ejemplo, si en un patrón de puntos color negro existe la excepción de dos puntos en distinto color respecto al resto, es suficiente para que el ojo asimile la tensión existente entre estas dos formas y genere la ilusión de cierre –Ley de la forma cerrada-, deduciremos entonces la existencia de una línea recta o un hilo óptico de carácter virtual.


Fotografías de objetos donde se observa el fenómeno de pareidolia. Fotografías de LFQ.
 

Talentos emocionales
A menudo los objetos que usamos en el cotidiano presentan esos rasgos en los cuales los usuarios observamos el fenómeno, pero no solo eso, también reconocemos emociones. Teóricos de la percepción como Rudolf Arnhein decían que “uno ve lo que sabe”. Es natural a nuestra conducta humana expresar esas emociones y por lo tanto también reconocerlas. Hablamos de la mirada y el enjambre cerebral que procesa lo que el ojo ve, cuaja la inteligibilidad de lo visto y brinda una respuesta cognitiva que fundamenta el proceso de comunicación y aprendizaje.

Fotografías de objetos donde se observa el fenómeno de pareidolia. Fotografías de LFQ. 

Jeff Hawkins en “Sobre la Inteligencia” (2004), explica que el cortex cerebral es responsable de memorizar lo que percibimos a través de la vista o el tacto, u otros sentidos, y relacionarlo con lo que nos queda o permanece en la memoria de dicha percepción, lo que se aprende y ejerce el factor de reconocimiento de datos similares. El fenómeno existe también en elementos naturales, rocas, maderas, firmamento, ríos, mar, arenas; es muy común observarlos en los troncos de los árboles donde en ocasiones se aprecian partes corporales con las cuales la mirada conecta con lo emocional y sexual, pero este es tema que bien podríamos tratar en otra oportunidad.


 

Fotografías de objetos donde se observa el fenómeno de pareidolia. Fotografías de LFQ. 

Para cerrar presento algunas fotografías colectadas en la ciudad, en el taller donde trabajo y exploro las posibilidades de la visualidad, en la universidad, y con ello explico a quienes me observan por las calles detenerme y tomar una foto a un objeto, acción que a algunos parecerá burdo y sin sentido.
Mucho se ha teorizado sobre estos aspectos cerebrales que provocan errores de lectura, pero que de igual manera generan interés. Las personas, como se dijo, dicen ver un rostro en una roca o en el jaspe de la madera, y no sólo son captados rasgos humanos, sino expresiones, a veces parecen sonrientes como en otras demuestran tristeza o temor. Se relacionan con lo sensitivo, con el lado de los sentimientos y afectos que exigen estudio por parte nuestra como diseñadores, responsables del diseño de los objetos y entornos, quienes debemos saber enfrentar la fuerza y poder de las llamadas inteligencias emocionales. 

0

diseñacr

Luis Fernando Quirós

Share

Costa Rica: Bienarte

22.11.2013 | 08:42

Desde sus eventos iniciales, esta bienal fue asumida por las manifestaciones de los artistas jóvenes que han transformado las artes visuales costarricenses de las últimas dos décadas, y esta novena Bienarte, no es la excepción; carácter que proyecta la complejidad de la cultura en que vivimos, profunda de lectura, cuando nos preguntamos o respondemos sobre las incógnitas que se ciernen en las problemáticas sociales, políticas, económicas, y de repente pareciera estar todo claro pero a la vez esa certeza es subvertida por la incertidumbre, no como adversidad si no como provocación para cargarla de interés, en tanto la obra de arte es un signo del pensamiento del tiempo, tiene vigencia Kandinsky cuando decía: Toda obra de arte es hija de su tiempo y muchas veces madre de nuestros sentimientos.

Se trata de la plausible programa de un grupo de empresarios, quienes la organizan para escoger a los artistas que representarán al país en la Bienal Centroamericana –también promovida por empresarios del istmo-, la próxima será en ciudad de Guatemala en 2014. El jurado internacional, compuesto por Rocío Aranda -del Museo del Barrio en Nueva York-, y Emiliano Valdés -curador independiente-, propusieron a Diana Barquero Pérez con la instalación “Cinchona: La ruina como memoria del suceso histórico: El fragmento y la memoria”; a Javier Calvo Sandí con su serie titulada “Nublados del día”; a Carlos Fernández Rodríguez con “Receta para una acción micropolítica”; a Oscar Figueroa Chaves con su pieza “Inferior race by virtue of [its] subjugation”; a Priscila González con “El comedor”; a Marco Guevara con su video “Manifiesto”; a Edgar León con “Ventanas No 1”; a Victoria Marenco Herrera con “Imitación para el detalle de una memoria atmosférica”; a Anna Matteucci con “pt2pt: point-to-point” y a Stephanie Williams con “Prácticas del Saqueo”. 

Entrando, en la primera sala, Victoria Marenco invita a apreciar un video sobre las posibilidades de la mirada: “Imitación para el detalle de una memoria atmosférica”. Busca captar nuestra atención con un video en el cual proyecta los procesos de luz y tiempo -no el métrico o del reloj, sino la calidad del tiempo-, habla de lo cambiante de las situaciones que se adhieren a la memoria, además de jugar con la idea de lo atmosférico que es otra manifestación de lo temporal. 

Anna Matteucci, “pt2pt: point-to-point”. Fotografía LFQ.

En esta misma sala se aprecia un sistema de trazos en la pared y una especie de cortina con dicha simbología recortada en la superficie, con un foco luminoso que arroja diversas cantidades y cualidades de luz sobre la penumbra. En esta pieza de Anna Matteucci “pt2pt: point-to-point”, los signos superponen su transparencia en la oscuridad activando una percepción poética, vibrante; atañe a los fenómenos de la visión y a la “experiencia” tenida con el lenguaje que nos estimula la asimilación y aquello que jamás se borra de los sistemas cerebrales.

Carlos Fernández Rodríguez, "Receta para una acción micropolítica”. Fotografía LFQ.

En la segunda sala, Carlos Fernández Rodríguez expone “Receta para una acción micropolítica”, con la cual confronta al público a la gran discusión actual sobre los transgénicos. Es una pieza compuesta elementos difíciles de anudar, donde tiene voz la planta de maíz, el color, las formas dispuestas en la pared y piso, además de fotografías, una pala o herramienta agrícola, otros productos entre ellos el maíz, unos envoltorios dispersos, una mesa y una tinaja de arcilla que sirvieron en la acción inaugural al artista al repartir chicha y tortillas de maíz. Clava la espinita de la duda sobre lo que se nos (in)forma y la realidad social: de lo micro a lo macro no todo es una verdad completa. Fernández cuestiona nuestras posiciones delante de los conflictos hegemónicos de hoy y de siempre, como un día los conquistadores hicieron trueque con los pueblos originarios cambiándoles espejitos por su oro.

Diana Barquero Pérez con la instalación “Cinchona: La ruina como memoria del suceso histórico: El fragmento y la memoria”. Fotografía LFQ.

En esa misma sala se aprecia la pieza de Diana Barquero, una instalación con impresos y escombros del evento sísmico que destruyó una de las comunidades rurales emblemáticas del Norte del Valle Central: Cinchona, cuya restauración aún es una incógnita y se vuelve provocativo de profundo extrañamiento; se recuerda la fragilidad de lo material ante lo inevitable de las fuerzas naturales, intensifica la poética del fragmento, lo que sobrevive y se recoge como una reminiscencia capaz de recordarnos lo diminuto que somos los humanos ante la inmensidad del Caos eterno, pero somos productores culturales y en esa sinergia nos es donado el talento para saber evocar e interpretar los contenidos de la historia.

Priscilla González, "El Comedor". Fotografía LFQ.

También, en esa sala, observamos “El Comedor” de Priscilla González, se trata de un pieza que asemeja a esos manteles blancos finamente bordados que se disponen para centralizar en los espacios familiares, institucionales, religiosos, sociales, el significado ceremonial de “la mesa”. El espectador, al apreciar las figurillas recortadas en el papel, con asombro reconoce el elemento que subvierte dicho ceremonial: representaciones que atañen a los juegos sexuales y a esos tabúes sociales. Es una pieza que motiva el lado cerebral de las emociones en el espectador para activar su capacidad de sorprenderse ante lo que tiene delante de la retina.


Stephanie Williams “Prácticas del saqueo”. Fotografía LFQ.

La pieza de Stephanie Williams “Prácticas del saqueo”, nos habla de esa problemática de la demolición ilícita de la arquitectura patrimonial, tan actual en las ciudades más antiguas del país, como Cartago, donde además de la destrucción, existe el saqueo de materiales nobles, como en este caso los mosaicos del piso, que se muestran tal y como fueron extraídos. En el fondo de la pared se aprecia un texto de las crónicas escritas por los conquistadores españoles que nos confrontan al acto discernir -una vez más en esta muestra de tantas provocaciones-, para disertar sobre las tensiones hegemónicas y las tácticas del poder tan presentes en la historia de este continente.

Javier Calvo Sandí , “Los nublados del día”. Fotografía LFQ.


La obra “Los nublados del día” de Javier Calvo Sandí opera al desdibujar la idea de nación, a veces intangible ante las grandes tensiones políticas y sociales de la actualidad. Creo que la articulación del tema político, como un asunto casi central de la muestra, es una estrategia perceptible en el hilo museográfico. “La Patria” -representada por el Monumento Nacional-, desvanece en una memoria “acuareleada”, que se disuelve en el agua o se vuelve borrosa, aguas que no volveremos a ver pasar delante de nuestra mirada. Esta percepción nos ancla también en la noción de lo patrimonial, y evoca aquella campaña televisiva sobre la pérdida de identidad cuando los edificios históricos de la capital se volvían invisibles.



Edgar León, "Ventanas". Fotografía LFQ.

Edgar León con “Ventanas” atañe a una memoria de antagonismos de los últimos caudillos políticos de mediados del siglo pasado. Paradójicamente, esta instalación se sirve de una ventana extraída de la demolición de la escuela José Figueres Ferrer ocurrida a inicios del presente año, y se exhibe en el Museo Calderón Guardia, el principal contrincante político de Figueres. León dibuja el detalle de los ojos de ambos presidentes en una especie de conciliación histórica, sin embargo los traza con barro, materia muy noble pero que una vez seca, como se sabe, se resquebraja y vuela con el viento. Además de esa lectura oficial de la pieza es imposible separar el significado del poder de la mirada hoy en día, experimentado en redes sociales y en los sistemas noticiosos sobre los conflictos internacionales por el acto de ver y de ser visto, o el quisquilloso tema del espionaje.

Marco Guevara, "Manifiesto". Fotografía LFQ.

Uno de los retos más fieros a la interpretación la generó la pieza “Manifiesto” de Marco Guevara. Escuché por ahí a personas conmocionadas por no comprender el por qué del video y sobre todo del título “Manifiesto”. El artista habla de “inconsistencias, incompatibilidades e incongruencias” como experiencias cotidianas donde todos nos vemos envueltos, ante lo cual alude al ritmo vivencial, al tiempo como activador emocional cuyo paso da temple a actitudes y fundamenta convicciones, y que él, como artista, tiene la libertad de manifiestar su creencia o postura personal. Aprovecha la técnica del video para incrementar el desafío de comprender la idea del continumm -aquello que no tiene principio ni fin-, que puede exasperar los ánimos de muchos, pero también proyectar una percepción desenfadada, de sentir cada brinco y gestos del personaje.

Oscar Figueroa Chaves con su pieza “Inferior race by virtue of [its] subjugation”. Fotografía LFQ.

Finalmente Oscar Figueroa nos propuso la reflexión histórica de la construcción del ferrocarril al Caribe, con el desarrollo cultural, social y económico que conllevó, a pesar de las múltiples choques raciales y nacionalidades que lo forjaron e intervinieron, y que contradice el nombre dado a esas enormes piezas de madera llamadas “durmientes”, sobre las cuales Figueroa talló a gubia y martillo las inscripciones tomadas de un texto de Harper's Monthly Magazine en 1885: (inferior race by virtue of [its] subjugation) de la época en que se construyó esa ferrovía. Se vuelve objeto de sentencia, u objeto que se carga hasta el patíbulo para que sea el propio verdugo. Quizás, de alguna manera asoma la connotación de las naciones bananeras con que se ha etiquetado a los países del área, y que han sido tratadas intensamente desde las múltiples miradas del arte.

Lo seleccionado requirió talento e investigación a sus autores, decisión y claridad al expresar el centro nudal de la propuesta y sus conexiones con la realidad; manifiesta que en materia de arte no todo está dicho y hecho; en quienes hemos seguido la evolución de esta bienal, acrecienta la esperanza en lo que vendrá y el reto que representa. Tanto los conceptos como los caracteres de la producción de las obras expuestas, recursos materiales y técnicos no son los mismos en cada edición, el arte se reinventa en sí mismo, se transforma constantemente y nos reta; puede que nos guste o no, pero el pensamiento que lo concibe, cambia, como lo hacemos todos ante el proceso en el cual entró la sociedad de inicios de siglo y milenio, y que nadie sospecha hacia dónde nos conduce.

(Explico que no es mi intensión asumir la labor de un crítico de arte -no trabajo para ningún diario, revista, ni represento institución alguna-, lo hago desde la libertad que ofrece el arte de hacer una lectura más, aprovechando las posibilidades de la tecnología e internet, y sobre todo de Experimenta Magazine que me permite tener este blog de comentarios sobre diseño, arquitectura y arte; representa una bitácora que actualizo semanalmente con el acontecer cultural en el país -y, cuando se pueda-, de la región). 
  

0

diseñacr

Luis Fernando Quirós

Share
Experimenta_planet es una red colaborativa de empresas que apuestan por compartir estrategias y generar valor añadido para sus proyectos y sus experiencias. Una red formada por firmas de reconocido prestigio que consideran el diseño y la calidad como valores irrenunciables de su actividad y la colaboración cómo la mejor respuesta a las presiones del mercado.

Nuestros Blogs

Tactelgraphics Studio
aXtemporal
Fashion
Nebulosa Conceptual
Experimenta, cultura del proyecto e innovación creativa
Diseño, naturalmente

Experimenta tv

See video
Replic_Age 2014
01.07.2014
See video
Experimenta con Mariscal y su banda
25.06.2014
See video
Benedetta Tagliabue, Clase magistral en nuestra escuela
27.11.2012

Lo más visto

Clique Editions, mobiliario inteligente con diseño italiano
23.06.2014
La Maison des Fondateurs, Big para Audemars Piguet
04.07.2014
Bestiario de autoproductores
15.07.2014