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Christian Salablanca “no son razones sino motivos”

25.08.2014 | 19:47

El artista costarricense Christian Salablanca exhibe No son razones sino motivos, a partir del 14 de agosto 2014, Sala 1.1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo –MADC-, una propuesta curada por María José Chavarría, de fuerte carga crítica que implica la reflexión sobre el poder de los estereotipos y sus repercusiones en la vida actual.

Con frecuencia observo que los artistas actuales acuden al simbolismo de las hormas para hablarnos de escenarios de degrado, marginación y ofuscación existencial que influencia el germen de las paradojas sobre las conductas sociales del habitante. La idea de indagar acerca de estas temáticas me acercó a Christian –y con otros jóvenes del área centroamericana y de otras profesiones-, para dilucidar la naturaleza de esos lenguajes que impactan las manifestaciones creativas en la cultura contemporánea; pero además, valorar el tesón con que asume el reto de exhibir en un museo.

Christian Salablanca "Ni vueles tan alto que te pierdes de vista". Cerámica alambre negro enrollado con plastic termo deformado, 2013-14. Foto LFQ.

LFQ: ¿Cuál es la principal motivación hoy en día para los jóvenes artistas al hacer arte?
Christian Salablanca:
Yo considero que cada persona que se involucra con las artes visuales tiene diferentes inquietudes, diferentes posiciones. Lo que lo motiva es aquello que cree en su momento, y para alguien que lo ve como una forma de vida pienso que las motivaciones cambian con el tiempo. En mi caso creo que lo que me estimula hoy día es que me metí en este sistema y uno siente la necesidad de compartir ideas, y mis ideas giran alrededor de lo que vivo, de mis experiencias, de lo que siento y pienso. Nada más.

LFQ: ¿Cómo o dónde encuentras tus activadores emocionales o motivaciones?
CS:
En lo que me afecta. A veces quiero hablar de cosas sencillas como la lluvia, pero de repente algún problema muy fuerte forma parte de lo cotidiano, y te toca hablar de eso porque te abruma diario. Ahí es donde toda sencilla motivación se convierte más allá de ideas e intenciones. Por eso la mayoría del trabajado que he venido realizando parte de donde resido, porque se me hace imposible no hablar de ello.

Christian Salablanca "Mire y calle". Vaciado en resina, 2013-14. Foto LFQ.

LFQ: ¿Logras distinguir cuál es la naturaleza de las expresiones artísticas contemporáneas? ¿Dónde está su origen y qué las activa?
CS:
Si claro, uno es consciente de las modificaciones en las manifestaciones artísticas. Pero más allá soy consciente que hoy día existe una cantidad de medios que se ajustan a las ideas preconcebidas y por tanto entiendo que su “naturaleza” esta en el discurso, en lo que se plantea como mensaje y los recursos con los que se presentan las ideas.

LFQ: ¿Qué posición –de pensamiento o ideas-, asumes delante la alternativa de crear arte?
CS:
Creo que las artes visuales están por encima de todo a pesar de que es un oficio como cualquier otro, pero lo que si logra es que puede generar conocimiento, crear sintonías con diversos públicos y por que no es una alternativa para hacer dinero, si el propósito del artista es ese.

Christian Salablanca "De aqui, diallá y del otro lado". Foto LFQ.

LFQ: ¿Cómo cargas a cada pieza de esas posturas para generar interés y que sean el lenguaje del cual te sirves para comunicarte con los espectadores?
CS:
Esas son las posiciones, pero creo que la postura “mi postura”, es simplemente realizar objetos expresivos que son planteados a partir de un sistema de códigos específicos, entendiendo estos en el equilibrio entre forma-contenido, así poder valerme de diversos materiales y recursos que se ajusten a esas ideas preconcebidas.
Creo que en arte esos son los tres ejes específicos, hay artistas que les interesa la construcción del conocimiento a partir de medios visuales que sustentan las ideas, y otros que buscan el vínculo con el espectador a partir de mensajes y discursos visuales que pueden llegar a conmover, inquietar, reflexionar o simplemente disfrutar de la visualidad, es decir del lenguaje visual en sí mismo.
Si soy consciente de que muchos de los temas que he planteado en algunas piezas discursan sobre problemáticas socioculturales o lo marginal, pero entiendo que el arte no salva, ni resuelve los problemas del mundo, pero lo que si logra es que dignifica a todos aquellos involucrados, y mi posición está ahí, tal vez o no sé. ¡jajaja!

Christian Salablanca Trincheras y ramales. Trincheras y Ramales. Cera de abeja y block de concreto, 2013-14. Foto LFQ.

LFQ: ¿Cómo incubas una idea a desarrollar, de qué manera las maduras y realizas?
CS:
En las escuelas de arte les enseñan diferentes maneras de proyectar las ideas a partir de diferentes sistemas metodológicos, pero estos cambian según la persona, inclusive pienso que en mi caso prefiero observar cosas, el entorno o las personas, ahí van surgiendo ideas. Creo que el significado uno lo encuentra y posteriormente lo construye. Por eso parto de un tema especifico y planteo un problema, que se va resolviendo a partir de exploración, experimentación e investigación. Es como si se tratara de diseñar un objeto, pero con un millón de estrategias en la manga, es decir muchas posibilidades para lograr el mensaje requerido.

Christian Salablanca Serie El Arrabal: “Fuera de lugar”. Soldadura, madera encontrada y tela, 2012. Foto LFQ.

LFQ: ¿Cómo te preparas emocionalmente para crear la obra? ¿Existe un clima emocional ideal? ¿Cuándo estás preparado para realizarla y en qué momento sabes que dicho proceso concluye?
CS:
Creo que es espontaneo independientemente de lo emocional, pero si hay un proceso de reflexión de las ideas en papel, es decir una bitácora de apuntes y pensamientos. Luego jugar con lo que hay, con las posibilidades que están a la mano y que pueden conectarse formal y conceptualmente.
Uno siempre debe de estar preparado para hacer las cosas, sino estamos jodidos.

LFQ: ¿Cuánto influye el medio: la ciudad, el barrio, nuestras habitaciones o entorno en la creación de sus obras?
CS:
Un montón, sino fuera por eso creo que haría otras cosas. Como dijeron mis amigos del barrio: “el barrio a uno lo marca, por eso uno lo quiere tanto y uno lo carga todos los días”.
Siempre voy a defender la experiencia, la vivencia y lo que nos afecta como personas, porque esto es el motor del quehacer y son los espacios que informan mi trabajo (hasta el momento).

Christian Salablanca "A la memoria de un lugar". Materiales orgánicos, 2013. Foto LFQ.

Christian Salablanca “A la memoria de un lugar II” Materiales orgánicos, 2013. LFQ.

LFQ: ¿Cuáles son los grandes temas a tratar por el arte de estos tiempos?
CS:
Esto nunca me lo he preguntado, pienso que cada persona es un mundo y le interesan cosas distintas. Pero si he visto que hay un grupo de generaciones, personas que conocí de Nicaragua y El Salvador, que les interesa plantear temas más íntimos y cercanos a una experiencia individual.

LFQ: ¿Qué le interesa a un joven artista como Christian Salablanca? ¿Qué busca? ¿Dónde sospecha que puede encontrar eso que persigue?
CS:
Aún no lo sé, sigo en proceso y eso me gusta.

Christian Salablanca. "Cucaracha", video, 2013. Foto LFQ.

LFQ: ¿Queda satisfecho con los logros de un proyecto, por ejemplo lo producido para la Sala 1.1, o permanece en estado de búsqueda?
CS:
Quedo satisfecho en una parte porque por fin he logrado ver un cuerpo de obra solida que da respuesta a mis inquietudes.
Uno siempre anda buscando cosas, actualizándose e investigando. Sin embargo, tuve la dicha de poder exponer en esa sala que en definitiva es un espacio flexible. Siento que me lo merezco porque es todo un proyecto que he venido realizado, y si bien soy joven con el tiempo todo puede cambiar. Me he tomado las cosas en serio y pues el museo me dio la oportunidad y la he tomado. Con esto no quiero decir que todo acaba acá (La exposición del museo), sino que es el camino para propuestas más ambiciosas como siempre me lo he propuesto.
Y cuando digo ambiciosas es en un sentido positivo, de verlo con más seriedad.

LFQ: ¿Cuánto pesa el pensamiento propio en la realización de un proyecto expositivo como el realizado en el MADC?
CS:
El MADC es una institución de mucho respeto, y creo que si uno pide una oportunidad y te la dan, lo único que queda es la autodeterminación y la confianza. Lo que yo piense es una posición que se refleja en el trabajo, libre de interpretación.
Pero es claro que en el museo existe mucho profesionalismo y hay que estar a la altura, en términos de propuesta; lo que sí creo que tiene su peso, más allá de lo que pienso, es la sinceridad con la que se plantea una propuesta de artes visuales y he sido sincero con esto, por eso creo que pesa mucho lo que hoy se exhibe en el MADC.

Christian Salablanca Ortopedias 2, Ortopedias 1, Ortopedias 3. Vaciado en yeso, 2013. Foto LFQ. 

LFQ: ¿Escucha a otros artistas durante el proceso, o se cierra en sus adentros para escuchar solo a su propia voz interior?
CS:
Claro, soy un necio. Siempre converso con artistas, muchos de ellos con gran trayectoria artística, en otras escucho a mis amigos que también están produciendo, pero los espacios de reflexión grupal sobre las propuestas son nulos y es lógico que uno se escuche así mismo y tome decisiones. Pero creo que lo más valioso en un proceso es enseñar lo que uno hace y escuchar críticas que lo edifican a uno, o por lo menos te hacen ver cosas que uno no ve en el proceso, tal vez.

LFQ: ¿Quiénes son sus referentes?
CS:
Podría decir que hay muchos, pero los que considero que me han marcado con sus propuestas seria Juan Manuel Sánchez, Marisel Jiménez, Rafael Ottón Solís todos de Costa Rica, pero están otras artistas como María Fernanda Cardoso, colombiana que tiene un cuerpo de trabajo y le he dado seguimiento a su obra. Por otro lado Patricia Belli (Nicaragua) y Claudia Fontes (Argentina), que si bien conozco algo de sus trabajos, me interesa más la forma en que percibe la práctica artística y como piensan.
Creo que estos son mis referencias más próximas pero existen un montón.

LFQ: ¿Cómo explica la palabra proceso? ¿Qué implica? 

CS: Es Investigación e implica trabajar.

Christian Salablanca" No son razones sino motivos". Modelado directo yeso sobre gaza,
2013-14. Foto LFQ.

LFQ: Tal vez para cerrar con este intenso acercamiento a Christian Salablanca -y porque su obra es también intensa y profunda, carga un signo de interrogación para el lector-, le planteo estas preguntas conclusivas: ¿Qué tácticas posees para empoderar al espectador? ¿Se las plantea o no le interesa esa influencia? ¿Cómo y cuándo es consciente del resultado o frutos de esas estrategias?
CS:
Si existen tácticas, un montón de recursos, medios y estrategias. Yo he seleccionado la sistematización del trabajo y reflexionar sobre este para ver los puntos claves en los que se han cometido errores en la construcción de los discursos y las formas en que el mensaje se ha dislocado por alguna razón. Creo que la mejor táctica es la que reflexiona y la autocrítica, pero también la autodeterminación sobre lo que se hace. En el momento que se expone ahí creo que es el punto específico para ver las variables y los resultados, a partir de ahí existen los replanteamientos, “Pienso”. 

 

 

     

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Luis Fernando Quirós

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CRISTÓBAL BALENCIAGA | Un legado atemporal

25.08.2014 | 10:59

Cristóbal Balenciaga (1895 - 1972) es, sin duda, uno de los nombres de referencia de la moda occidental del siglo XX. Couturier perfeccionista y enigmático, con una maestría indescriptible por el corte y sobretodo por la innovación. Creador entre otros del vestido saco, el traje túnica o el vestido de silueta babydoll.

Influyente y precursor de lo que hoy es la moda. Su trabajo evolucionó hacia la pureza de las formas y por encima de todo la perfección sobria y elegante de la simplicidad.

La estructura del edificio y el diseño de la presentación de la colección hacen referencia al propio carácter de este genio. Elegancia, geometría, practicidad, texturas regulares y líneas puras e impecables. Amplitud. Unos principios que traspasan los diseños y se implantan en todo el proyecto museístico.

Balenciaga, esculpió sus diseños siempre en relación al cuerpo femenino, en constante búsqueda de la perfección de la silueta y la composición. “El arquitecto de la costura” como afirmó Hubert de Givenchy.

Recorrer la colección del Cristóbal Balenciaga Museoa, fundado en 2011 en su Getaria natal, es recorrer y entender su trayectoria vital y profesional. Desde sus inicios en el pueblo que lo vio crecer hasta su posterior desarrollo en San Sebastián y finalmente en la gran capital de la moda, Paris. Pero, por encima de todo, el recorrido nos aporta la posibilidad de entender su trabajo a través de sus raíces. Los olores, el paisaje, el clima, latentes en toda su producción. Referencias directas al color, los volúmenes y las formas que marcaron su carrera.

Vivir su tierra es revivir su trabajo, el trabajo del que muchos afirman ser el “auténtico couturier”, “el maestro de todos”. Un legado influyente tanto para sus contemporáneos como innovador y vigente en la actualidad.

 

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CRISTÓBAL BALENCIAGA MUSEOA 

La colección del Cristóbal Balenciaga Museoa reúne unas 1.600 piezas y constituye no solo la mayor colección de creaciones de Balenciaga en el mundo, sino la de mayor relevancia tanto por su amplia extensión cronológica como por la calidad de las piezas que la componen. 

INFO |  T. +34 943 00 88 40 

LOCALIZACIÓN | Aldamar Parkea, 6 | 20808 Getaria - Gipuzkoa  

 


  

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Laia Encinas

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Feria Arquitectura VÉRITAS 2014

21.08.2014 | 10:01

La Feria de Arquitectura FAV 2014, Escuela de Arquitectura, Universidad VÉRITAS, ofreció un importante programa de eventos tales como muestras, conferencias, talleres con invitados internacionales y espacios para compartir en amena velada con música y comidas. Al igual que otros años, en la muestra de experiencias didácticas se constata el rigor y calidad exigida en cursos y talleres en los diversos niveles del plan de estudios. Destacan los frutos del Atelier Colectivo, bloque de aprendizaje básico para las distintas carreras de diseño, y las experiencias de la Cátedra Holcim, compartida por las escuelas de Arquitectura, Espacio Interno y Diseño de Productos para buscar nuevas maneras de construir a base del concreto. El arquitecto Juan Carlos Sanabria, director y organizador del evento junto con los arquitectos Koky Loría y David Valverde, ofreció un amplio panorama de la FAV 2014, enfatizando el carácter formador de lo expuesto, que activa un autoanálisis crítico de esos resultados por parte de estudiantes y profesores.

 

Proyecto escala 1:1 “Cascadas de luz”, construido por estudiantes de la Escuela de Arquitectura, bajo la guía del arquitecto Benjamín García Saxe. VÉRITAS. Fotografías de Andrés García Lachner.  

Las conferencias y el taller
Iniciaron con la presentación de Izaskun Chinchilla, destacada arquitecta española, cuyos abordajes a la investigación y conceptualización en arquitectura contemporánea, empoderó a los escuchas quienes rebasaron la capacidad del auditorio, además, por el uso creativo en sus proyectos de las tecnologías de construcción, y por el carácter innovador que implica la oferta de nuevos ejes temáticos en sus intervenciones, con rasgos genuinos, poéticos, del vivir lo construido y sus espacios.
Benjamín García Saxe -de quien ya presenté en 2011 un comentario de su casa de Avellanas, Guanacaste-, es arquitecto asociado de la prestigiosa firma inglesa Rogers Arquitectos, graduado en esta escuela de VÉRITAS. Además de una de las conferencias de fondo de la FAV, García Saxe ofreció el taller preliminar en el cual los participantes tuvieron un sustancial acercamiento a materiales alternativos, para reconocer sus voces y caracteres dentro de las posibles utilizaciones en nuevas maneras de construir, y que llamaron “experiencia 1:1”.

Proyecto escala 1:1 “Cascadas de luz”. 

“Construyendo la esencia”
Estuvo a cargo del ya mencionado Benjamín García Saxe y Laura Morelli, quienes plantearon búsquedas con diversas tipologías de materiales no convencionales en la construcción -incluidas las materias vernáculas, como el coco-, pero también fibras y subproductos de desecho que aportan ejes de intervención de los futuros profesionales al tratar de contribuir a recuperar el planeta, preocupación central en toda práctica de la arquitectura respetuosa del hábitat.

Proyecto escala 1:1 “Cascadas de luz”. 

Seleccionaron dos propuestas para construirlas a escala 1:1: “Cascadas de Luz” y “Destellos Ocultos”. Los equipos de estudiantes descubrieron –como se dijo-, novedosas visiones y valorizaciones de las materias primas.
En el texto conceptualizado por los mismos estudiantes, aprecian como “Enmarcar y desvanecer se convierten en la pauta para la imaginación; donde se construye un escape de la ciudad y se transporta a un mundo ficticio que baila con el viento, absorbe la luz a través de sus hilos y juega a atrapar entre sus marcos un paisaje cambiante”.

Proyecto escala 1:1 “Destellos Ocultos”, producido por estudiantes del Taller “Construyendo la esencia”, a cargo de Benjamín García Saxe y Laura Morelli, Fotografía de Andrés García Lachner 

Entorno revitalizador
“Cascadas de luz” construida en la plazoleta e instalaciones de VÉRITAS en Zapote, fue instalada por un lapso de tiempo en un parquesito aledaño, llamado “Parque los mangos”, por poseer cuatro enormes árboles de este fruto tropical a la vista de miles de traseíntes que a diario circulan por ese ángulo de la ciudad, sin percarse siquiera de la belleza, altura y caracteres propios de esa especie de árbol frutal, y que gracias a esta intervención del taller “Buscando la esencia”, activó al parquesito como un espacio público donde experienciar percepciones y activar emociones como usuarios del diseño y arquitectura de pensamiento actual.

Proyecto escala 1:1 “Destellos Ocultos”, Taller “Construyendo la esencia”, a cargo de Benjamín García Saxe y Laura Morelli, Fotografía de Andrés García Lachner.

Las imágenes de dicha experiencia fueron captadas por el fotógrafo Andrés García Lachner –también graduado de la Escuela de Fotografía de esa universidad- quien capturó los caracteres creativos y uso innovador de los materiales para mostrarnos un lado singular del entorno urbano, en el cual pondremos otras miradas, quizás para descubrirlo con los ojos de la poesía del sitio, que desvanece los límites del material o de la estructura en singular transparencia, y que permite al usuario levitar en el espacio de lo ilusorio, bajo la cascada de luz y hasta con la lluvia estacional que impactó aquella notable transformación del sitio.

Proyecto escala 1:1 “Destellos Ocultos”. Fotografía de Andrés García Lachner.

Destellos ocultos
Otra de las propuestas exhibidas en la galería del auditorio Roberto Sasso de VÉRITAS, fue “Destellos Ocultos”, una instalación con materiales muy distintos a la anterior, más opaca y sólida si se quiere pero que plantea signos y significados necesarios de vivenciar: “Lo sólido, lo natural y lo cálido que proyecta el material hacen cuestionarse el motivo de su elaboración. Las suaves líneas simétricas de su composición trazan las aperturas de pequeños rayos de luz que se asoman en su interior, al entrar se plasman todas la sensaciones en un mismo espacio. El vértigo de resbalar entre el puntillismo de cada uno de los elementos punzantes en contraste a la tranquilidad y pasividad de la luz que se refleja proyectando su sombra y doble cara”.

Taller “Construyendo la esencia”, a cargo de Benjamín García Saxe y Laura Morelli, Fotografía de Andrés García Lachner. 

Miradas a la ciudad
Cuando damos una ojeada a las intervenciones en espacios públicos de la ciudad de San José, impactan pero con valor negativo una serie de esculturas de voluptuosas carnosidades que representan talvez la paz, la patria, la nobleza del ciudadano, y otros simbolismos de discursos muy gastados y que costaron fortunas al Estado, pagadas por todos nosotros los contribuyentes, pero que encierran el mal gusto y miopía por parte de las autoridades municipales o de la cultura nacional que las seleccionaron.
Pienso que propuestas como las ya mencionadas en este comentario, consideradas a otras escalas en concordancia con las dimensiones de los espacios públicos existentes y que urge su intervención antes del nefasto degrado, pueden ser regenerados o reinventados para premiar al traseunte con experiencias de este caracter perceptual, que puedan vivenciar de otra manera los nuevos materiales para valorar el tiempo y el concepto de diseño urbano. Imagino esas cascadas bajar entre árboles –tal y como se percibe en las fotos de García Lachner-, común unión entre natualeza y ciudad. Son actitudes que deben ser repensadas para no convertirlas en disparadores de conductas insanas forjadas por las “hormas” que nos hacen, o continuar siendo “sociedades vulnerables” de las que habló Izaskun Chinchilla en la conferencia inicial en el auditorio Roberto Sasso de VÉRITAS, que trazó un signo de interrogación sobre la necesidad de nuevos lenguajes que agreguen función pero también poesía a las prácticas creativas de la arquitectura, el diseño y el arte contemporáneo.

  

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Luis Fernando Quirós

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Feria Arquitectura VÉRITAS 2014

21.08.2014 | 10:00

La Feria de Arquitectura FAV 2014, Escuela de Arquitectura, Universidad VÉRITAS, ofreció un importante programa de eventos tales como muestras, conferencias, talleres con invitados internacionales y espacios para compartir en amena velada con música y comidas. Al igual que otros años, en la muestra de experiencias didácticas se constata el rigor y calidad exigida en cursos y talleres en los diversos niveles del plan de estudios. Destacan los frutos del Atelier Colectivo, bloque de aprendizaje básico para las distintas carreras de diseño, y las experiencias de la Cátedra Holcim, compartida por las escuelas de Arquitectura, Espacio Interno y Diseño de Productos para buscar nuevas maneras de construir a base del concreto. El arquitecto Juan Carlos Sanabria, director y organizador del evento junto con los arquitectos Koky Loría y David Valverde, ofreció un amplio panorama de la FAV 2014, enfatizando el carácter formador de lo expuesto, que activa un autoanálisis crítico de esos resultados por parte de estudiantes y profesores.

 

Proyecto escala 1:1 “Cascadas de luz”, construido por estudiantes de la Escuela de Arquitectura, bajo la guía del arquitecto Benjamín García Saxe. VÉRITAS. Fotografías de Andrés García Lachner.  

Las conferencias y el taller
Iniciaron con la presentación de Izaskun Chinchilla, destacada arquitecta española, cuyos abordajes a la investigación y conceptualización en arquitectura contemporánea, empoderó a los escuchas quienes rebasaron la capacidad del auditorio, además, por el uso creativo en sus proyectos de las tecnologías de construcción, y por el carácter innovador que implica la oferta de nuevos ejes temáticos en sus intervenciones, con rasgos genuinos, poéticos, del vivir lo construido y sus espacios.
Benjamín García Saxe -de quien ya presenté en 2011 un comentario de su casa de Avellanas, Guanacaste-, es arquitecto asociado de la prestigiosa firma inglesa Rogers Arquitectos, graduado en esta escuela de VÉRITAS. Además de una de las conferencias de fondo de la FAV, García Saxe ofreció el taller preliminar en el cual los participantes tuvieron un sustancial acercamiento a materiales alternativos, para reconocer sus voces y caracteres dentro de las posibles utilizaciones en nuevas maneras de construir, y que llamaron “experiencia 1:1”.

Proyecto escala 1:1 “Cascadas de luz”. 

“Construyendo la esencia”
Estuvo a cargo del ya mencionado Benjamín García Saxe y Laura Morelli, quienes plantearon búsquedas con diversas tipologías de materiales no convencionales en la construcción -incluidas las materias vernáculas, como el coco-, pero también fibras y subproductos de desecho que aportan ejes de intervención de los futuros profesionales al tratar de contribuir a recuperar el planeta, preocupación central en toda práctica de la arquitectura respetuosa del hábitat.

Proyecto escala 1:1 “Cascadas de luz”. 

Seleccionaron dos propuestas para construirlas a escala 1:1: “Cascadas de Luz” y “Destellos Ocultos”. Los equipos de estudiantes descubrieron –como se dijo-, novedosas visiones y valorizaciones de las materias primas.
En el texto conceptualizado por los mismos estudiantes, aprecian como “Enmarcar y desvanecer se convierten en la pauta para la imaginación; donde se construye un escape de la ciudad y se transporta a un mundo ficticio que baila con el viento, absorbe la luz a través de sus hilos y juega a atrapar entre sus marcos un paisaje cambiante”.

Proyecto escala 1:1 “Destellos Ocultos”, producido por estudiantes del Taller “Construyendo la esencia”, a cargo de Benjamín García Saxe y Laura Morelli, Fotografía de Andrés García Lachner 

Entorno revitalizador
“Cascadas de luz” construida en la plazoleta e instalaciones de VÉRITAS en Zapote, fue instalada por un lapso de tiempo en un parquesito aledaño, llamado “Parque los mangos”, por poseer cuatro enormes árboles de este fruto tropical a la vista de miles de traseíntes que a diario circulan por ese ángulo de la ciudad, sin percarse siquiera de la belleza, altura y caracteres propios de esa especie de árbol frutal, y que gracias a esta intervención del taller “Buscando la esencia”, activó al parquesito como un espacio público donde experienciar percepciones y activar emociones como usuarios del diseño y arquitectura de pensamiento actual.

Proyecto escala 1:1 “Destellos Ocultos”, Taller “Construyendo la esencia”, a cargo de Benjamín García Saxe y Laura Morelli, Fotografía de Andrés García Lachner.

Las imágenes de dicha experiencia fueron captadas por el fotógrafo Andrés García Lachner –también graduado de la Escuela de Fotografía de esa universidad- quien capturó los caracteres creativos y uso innovador de los materiales para mostrarnos un lado singular del entorno urbano, en el cual pondremos otras miradas, quizás para descubrirlo con los ojos de la poesía del sitio, que desvanece los límites del material o de la estructura en singular transparencia, y que permite al usuario levitar en el espacio de lo ilusorio, bajo la cascada de luz y hasta con la lluvia estacional que impactó aquella notable transformación del sitio.

Proyecto escala 1:1 “Destellos Ocultos”. Fotografía de Andrés García Lachner.

Destellos ocultos
Otra de las propuestas exhibidas en la galería del auditorio Roberto Sasso de VÉRITAS, fue “Destellos Ocultos”, una instalación con materiales muy distintos a la anterior, más opaca y sólida si se quiere pero que plantea signos y significados necesarios de vivenciar: “Lo sólido, lo natural y lo cálido que proyecta el material hacen cuestionarse el motivo de su elaboración. Las suaves líneas simétricas de su composición trazan las aperturas de pequeños rayos de luz que se asoman en su interior, al entrar se plasman todas la sensaciones en un mismo espacio. El vértigo de resbalar entre el puntillismo de cada uno de los elementos punzantes en contraste a la tranquilidad y pasividad de la luz que se refleja proyectando su sombra y doble cara”.

Taller “Construyendo la esencia”, a cargo de Benjamín García Saxe y Laura Morelli, Fotografía de Andrés García Lachner. 

Miradas a la ciudad
Cuando damos una ojeada a las intervenciones en espacios públicos de la ciudad de San José, impactan pero con valor negativo una serie de esculturas de voluptuosas carnosidades que representan talvez la paz, la patria, la nobleza del ciudadano, y otros simbolismos de discursos muy gastados y que costaron fortunas al Estado, pagadas por todos nosotros los contribuyentes, pero que encierran el mal gusto y miopía por parte de las autoridades municipales o de la cultura nacional que las seleccionaron.
Pienso que propuestas como las ya mencionadas en este comentario, consideradas a otras escalas en concordancia con las dimensiones de los espacios públicos existentes y que urge su intervención antes del nefasto degrado, pueden ser regenerados o reinventados para premiar al traseunte con experiencias de este caracter perceptual, que puedan vivenciar de otra manera los nuevos materiales para valorar el tiempo y el concepto de diseño urbano. Imagino esas cascadas bajar entre árboles –tal y como se percibe en las fotos de García Lachner-, común unión entre natualeza y ciudad. Son actitudes que deben ser repensadas para no convertirlas en disparadores de conductas insanas forjadas por las “hormas” que nos hacen, o continuar siendo “sociedades vulnerables” de las que habló Izaskun Chinchilla en la conferencia inicial en el auditorio Roberto Sasso de VÉRITAS, que trazó un signo de interrogación sobre la necesidad de nuevos lenguajes que agreguen función pero también poesía a las prácticas creativas de la arquitectura, el diseño y el arte contemporáneo.

  

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Luis Fernando Quirós

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Arte Salvadoreño Contemporáneo: La Generación del Encierro

20.08.2014 | 09:28

El Lavo V de Teorética ofrece la muestra La generación del encierro, arte salvadoreño contemporáneo, curaduría: In Situ (Mauricio Esquivel y Jaime Izaguirre), con los artistas Colectivo Arca, Abi Reyes, Jaime Izaguirre, Javier Ramírez, Luis Conejo, Mauricio Esquivel, Mayra Barraza, Melissa Guevara, Rodrigo Dada, Sandra Leiva, Virginia Cortez y Walterio Iraheta. El evento es componente de “EMERGENCIA: Contextos Volcánicos” y el programa “Organización-En–Residencia” de la Fundación Teorética de Costa Rica.

Entre otras aproximaciones a la cultura urbana actual donde intensifica el rol del diseño, la arquitectura y el arte, me motiva indagar sobre la naturaleza de esas expresiones que llamamos arte contemporáneo, y sobre todo la producción creativa de los jóvenes artistas que aportan a esa cultura; zona de incertidumbres tan desafiantes, pero que me encienden, activan en mí muchas interrogantes, como tratar de explicarme ¿cuáles son las motivaciones de dichos jóvenes creadores?, ¿dónde se originan esas visiones de lo urbano en particular y una sociedad vulnerable?, y ¿qué les activa a enfrentarse o posicionarse delante de un arte que redimensiona el signo de los materiales, lenguajes y espacios donde clava la espinita para intentar comprender sus significados?, pero, sobre todo ¿cómo y dónde se gestan las ideas que llevan a crear sus imaginarios y simbolismos?

Sala con la muestra "Generación del encierro: arte salvadoreño. Foto LFQ.

La muestra en Lado V de Teorética ofrece intensos anclajes, en su mayoría me detuvieron a observar y esculcar dichos significados, a preguntarme sobre sus repercusiones de lo que el colectivo titula “La generación del encierro” en El Salvador actual, nación afectada por el embate de la guerra durante el último tracto del siglo pasado, la aparición de las agresivas maras, el incontrolable trasiego de drogas, el fenómeno de la migración y hasta las adversidades de la misma naturaleza. La propuesta repercute con signos presentes no sólo de San Salvador, sino en las demás capitales del istmo centroamericano, sacudidas por situaciones de violencia, pobreza, robos, secuestros, cuando al habitante urbano no le queda más que refugiarse en una tirante sensación de paz, la que irradia su propia intimidad pero paradójicamente encerrado tras rejas o bajo el control de todo tipo de mecanismos de seguridad privada.

Los significados no están del todo a flor de piel en las piezas exhibidas e incluso algunas discursan con la fogosidad de los opuestos: La fotografía “Limbo”, 2013, de Rodrigo Dada, admite interpretar ciertos grados de libertad con tres rostros juveniles flotando en las aguas de una piscina, sin embargo, nadie conoce en qué condiciones se encuentran y si el perímetro de la aparente libertad esté cercado de púas, o lo que implica la cámara de video en esta sociedad mediada o vigilada ante la acuciosa mirada del poder. La segunda pieza del autor es “Serie Loop”, donde una mano masculina pareciera inerte ante las contingencias del día a día, sin embargo al mirarla con detención se advierte un pulso marcado por el golpe de su muñeca.

Melissa Guevara,  "Sin título, 2014, vértebra humana metalizada sobre almohada”. Foto LFQ.

Lo tematizado por curadores y artistas centralizan ese carácter de la cultura urbana en estas décadas iniciales del siglo XXI, mediada por la tecnología que instiga a la discordia –como predijo Mischerlich ya en la década de los sesentas del siglo anterior-, en un forcejeo de caracteres de identidad que impiden reconocer al vecino, paradoja de la Era de la Comunicación, cuando la existencia de mecanismos comunicativos es la más amplia jamás conocida, en similar medida estamos inmersos en la incomunicación, sucede incluso cuando una pueril mirada del otro ofende, puede que hiera o hasta pervierta.

Al focalizar esta exposición, me invadió otra paradoja: las propuestas -que por lo general suelo fotografiar yo mismo para acompañar estos comentarios-, en “La generación del encierro” no logré hacerlo, en tanto al estar cautivas tras el material del enmarcado -otra manifestación del signo de encierro, en este caso de la imagen-, me devolvían la mía, con la cámara en mano tratando de traspasar el vidrio para captar mejor los contenidos.

 Virginia Cortez, “Sin título 2014” . Fot6o LFQ.

La fotografía de Walterio Irhaeta titulada “Diálogo con Magritte, de la serie mis pies son mis alas 2008”, en tanto el calzado ayuda a desaparecer de la escena en cuestión, pero a veces se nos quedan perdidos delante del azul firmamento, como si nada ocurriera ante la gran pantalla escenográfica del trajín de la vida.

La pieza “Sin título, 2014, vértebra humana metalizada sobre almohada” de Melissa Guevara, evoca esas épocas de masacres, guerras, dictaduras y maras, gestos evidentes de una historia cercana de El Salvador –pero, como se dijo-, nada aislada si abrimos el visor hacia el resto de naciones del área, y aquel resto humano dispuesto sobre una almohada roja, se vuelve trofeo en esa lucha cotidiana por subsistir.

Los platos de Virginia Cortez, “Sin título 2014” fijan mi pensamiento en el sentido de la mesa, subvertido por el aparente vacío, pero con cierta pericia visual se aprecian sutiles trazos impresos en blanco, incertidumbre que discursa sobre el estado de vernos, con las miradas de frente ante la mesa, amenazados por la corrupción de lo externo que intenta colarse hacia los íntimos adentros.

Jaime Izaguirre, “Cielos de bolsillo 2013”. Foto LFQ.

“Cielos de bolsillo 2013” de Jaime Izaguirre es una libreta de anotaciones con un trazo muy sensible, quizás silencioso de nubarrón, advertencia quizás de las contingencias de la naturaleza pero también de aquello que hace vulnerable la libertad, como el Caballo de Troya que podemos portar en nuestro propio bolsillo.

La pieza “Prelibri, de la serie Prelibri” de Abi Reyes nos vuelve a sumir en esos espacios de lo propio para discursar con nostalgia o extrañamiento por esos sentidos que entretejen los intersticios existentes entre las palabras, esas que a veces se rozan entre sí, nos penetran, o nos “muerden” hasta instigan.

Abi Reyes, “Prelibri, de la serie Prelibri”. Foto LFQ.

“Nadie, solo existen las personas que he besado” 2012. Foto LFQ.

En el recorrido de las salas advertí esos seres dibujados por el Colectivo ARCA, mostrando sus miembros o exhibiendo posiciones en un espacio donde a pesar de demostrar una mejor posición admitida por la sociedad, nos retrotraemos ensimismados o conmocionados y por ello deambulan por los resquicios o reptan por el repello de las paredes.

“Nadie, solo existen las personas que he besado” 2012, es un texto impreso en papel bond del cual hay un buen fajo dispuesto sobre un banco. “Nadie” nos deja desguarnecidos intentando saborear el gusto y perfume del último trago de un buen tinto, como aquel vino de Costantino Kavafis en “Recuerda cuerpo”: “recuerda cuanto te amaron…”, “cuántas miradas se posaron en ti”.

Mayra Barraza, Retratos. Foto LFQ.

Conmovedoras, las miradas de los retratos de Mayra Barraza, me recordaron sus trabajos de los años noventas cuando dibujó a los mareros, quizás hasta las tizas quisieran diluirse en esos trazos transparentes de la psique de cada personaje, o cualquier otro miembro anónimo de esta sociedad incomunicada donde advertimos gestos y especulamos significados.

El dibujo en mixtas de Luis Cornejo “Melting carrot 2013”, recrea o quizás “encierra”, a través del poder de la imagen, impresiones de revistas entremezcladas con íconos del comic, animados, videojuegos, o retratos construidos desde las posturas que facilita la fotografía digital, recursos con los cuales reconstruye la idea de los clásicos retratos al óleo, y a sumirnos en una reflexión sobre el tiempo, el que de alguna manera puede afectar a los personajes.

Luis Cornejo “Melting carrot 2013”. Foto cortesía de In Situ.

Mauricio Esquivel. "Estéticas del encierro". Foto cortesía In Situ.

“Estéticas del encierro” 2014 es una fotografía digital de Mauricio Esquivel. El mismo autor explica: “The Innocent Eye Test”, es una pintura de Mark Tansey de 1981 que presenta una escena en la que una vaca se presenta a observar un conocido cuadro del barroco holandés de Paulus Potter, llamada “El Toro” (1645). La reinterpretación juega con la escena y la vaca de juguete mirando a un toro, para invitarnos al juego de ver, buscar y reconocer esos nuevos paisajes o escapes ante la incertidumbre que genera lo externo.

A manera de cierre de este comentario quisiera decir que escribir sobre arte contemporáneo -como muchas de las cosas que suceden al interior de esta caparazón que protege nuestros pensamientos y entendimientos-, es un acto libre pero sesgado; subsisten fricciones, choques y tensiones que tratan de acomodarse a lo visto, analizado e interiorizado; activan el cuestionamiento y la emocionalidad de lo observado y que se recuerda, enciende la certeza o se crispa la duda y las interrogantes que me plantee al inicio, y por ello investigo sobre la fuerza impresa por los mismos artistas para contestármelas.

  

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Luis Fernando Quirós

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