La Comunidad de Blogs

Arquitectura en proceso: Centro Indígena Kapaclajui

13.08.2014 | 16:55

Los arquitectos Michael Smith y Alejandro Vallejo son los responsables de diseñar y construir el Centro Indígena Kapaclajui, ingenioso proyecto comunal en Grano de Oro, distrito Chirripó, Turrialba, cordillera de Talamanca, al Sureste del país. Se trata de un centro de capacitación y albergue, de respetuoso enfoque cultural, social, ambiental, en tanto lo resuelven con el uso de maderas provenientes de cultivos forestales certificados, observando principios de sostenibilidad en el manejo del impacto climático, iluminación, conservación y participación de la comunidad en la adopción de los lenguajes formales, e innovación en el uso creativo de tales materiales.

Vista frontal lateral del acceso. Foto cortesía de los arquitectos MS y AV. 

LFQ: Delante de la estrechez de la crisis y competencia para ejercer la arquitectura hoy en día, ¿dónde encuentran oportunidades para realizar proyectos, construirlos y ver realizadas sus aspiraciones y los caracteres de ese sistema de ideas que emprenden cada día con ese carácter de retos?
Michael Smith y Alejando Vallejo: Surge quizás porque nosotros provenimos de un entorno común, de clase media, trabajadora y no tenemos familiares dueños de empresas constructoras o influyentes en el medio local. De ahí que al salir de la universidad y durante el proceso de tesis existía la mentalidad de utilizarla como una plataforma para generar trabajo para los siguientes años; en temas que poco a poco nos hemos especializado. Durante ese proceso realizamos contactos con el gobierno, empresas, academia y organizaciones que poco a poco nos han ayudado a consolidar una red de trabajo y colaboraciones. Por ejemplo consultorías y proyectos de investigación que desarrollamos con la Fundación HOLCIM Costa Rica, en la búsqueda conjunta de recursos financieros y estrategias de diseño para estimular necesidades latentes en el país, pero que requieren de la gestión del arquitecto que no es solamente diseñar el proyecto.
En fin, nos propusimos hacer contactos para realizarnos como emergentes en un campo de mucha y compleja competencia profesional. El desafío exigía pensamiento, manejo de tácticas de emprendedurismo, capacidad de negociación para comenzar a generar experiencia, en un inicio ad honorem, para poder demostrar nuestras fortalezas y talentos y de esa manera captar potenciales clientes.

Acceso al albergue. Foto cortesía de los arquitectos MS y AV. 

LFQ: Delante de la realidad actual y las enormes transformaciones empujadas por la tecnología, se dice que muchas profesiones van a desaparecer o van a ser mediadas por dichos adelantos o por enfoques específicos. ¿Es ése el enfoque de “Diseño con impacto social” y como lo explican desde su práctica de la arquitectura?
MS y AV
: Todo nace de nuestras vinculaciones con la academia, la empresa privada, el atreverse a participar en concursos y en espacios donde se mueven los recursos económicos para lanzar posibles anzuelos.
En nuestra oficina tenemos dos tipos de proyectos: los que dan de comer y los que no, pero gracias a esos contactos con otros profesionales y empresas, nos comienzan a contactar para brindar un servicio.
Resulta fundamental ver al diseño como un servicio que genera oportunidades y contactos con personas que andan en lo mismo. Los concursos que en arquitectura son abundantes, ganamos en unos y perdemos en otros, pero generan difusión y enganches para nuevas oportunidades.
“El concurso de diseño para las clases desprotegidas en barriadas en precario o zonas marginales, que ganamos Robert Garita y mi persona al graduarnos como arquitectos, aunado a otros proyectos que desarrollé en esta línea de trabajo, me impulsó a estas esferas profesionales –opina Michael.
Entonces, implica, cómo hacer la transición entre la visión que irradia desde la academia y la receptividad que posee el trabajo en la de oficina. Por ejemplo, publicamos el “Manual de la red de cuido”, que sirve a las municipalidades, al Colegio de Arquitectos, a HOLCIM; de ahí surgen estas redes de trabajo y posteriormente se dieron invitaciones a conferencias, a bienales, exposiciones y son referencias de trabajo muy importantes.

Modelos de estudios liminares para determinar el lenguaje, y detalle constructivo en el sitio. Foto cortesía de los arquitectos MS y AV. 

LFQ: ¿Cuál es el fruto de trabajar con dichas comunidades periféricas como las indígenas o zonas habitacionales con familias desfavorecidas en el ámbito económico-social: experiencia, intercambio?, ¿cómo caracterizarlo?
MS y AV:
Trabajar con esas comunidades genera una percepción diferente, que no se tenía como un profesional emergente: ahí nadie quiere que le regale nada, la idea central es compartir, hacer trueque y de esa dinámica surgen oportunidades y se ven coronados los esfuerzos con satisfacción al ver a los usuarios disfrutar aquellas ideas que surgieron en el proceso.

LFQ: Pero, me pregunto, y esto podría ser un tema central en la polémica por el rol profesional en la sociedad contemporánea: ¿esas labores de captación de recursos y de perseguir potenciales proyectos, no debilitan la componente creativa del arquitecto?, o sea, ¿no lo sacan de su estudio donde busca inmerso en modelos y proyecciones de sus ideas de cómo cambiar el mundo?
MS y AV:
No, al contrario, eso es precisamente lo que alimenta el flujo creativo, tener que resolver el proyecto con lo mínimo o inexistencia de recursos, es el detonante que nos empuja y desvela en la producción de los proyectos. Gastar tiempo en gestión, forjar la verdadera calidad a la solución de las ideas, es un estímulo no un limitante -acota Alejandro.

Detalles constructivos preliminares. Foto cortesía de los arquitectos MS y AV. 

LFQ: ¿Cuál es la naturaleza de estos proyectos de intervención con las comunidades indígenas: investigación, proyección social?, ¿de dónde nace ese interés?, ¿cómo o qué eventos lo estimulan?
MS y AV
: Es un fenómeno de inclusión que nos exige la profesión, un ideal por fomentar y consolidar un diseño participativo para con la comunidad. Compilar información, verificarla, plantearla, validarla, es una metodología que propicia la investigación.
En el caso de Grano de Oro, plantemos realizar un taller participativo entre las instituciones, HOLCIM, IMAS y los representantes del lugar, para atender sus necesidades como comunidad. Es una estrategia de negociación útil para que ellos se sientan parte responsable de la obra, y, cuando la vean progresar en el proceso de realización, exista empoderamiento.

LFQ: ¿Qué aspectos específicos les requirió al tratarse de una comunidad indígena?
MS y AV:
Atender las especificidades, hasta considerar el dialecto de los cabécar que pueblan Talamanca, para reconocer hacia dónde dirigir o fortalecer la naturaleza de esas transiciones. De ese estudio y acercamiento a los futuros usuarios, surgió el proyecto: un centro de capacitación y albergue, que se localiza en la parte alta de la edificación.

Detalles de ritmos visuales y cromáticos en paredes laterales. Foto cortesía de los arquitectos MS y AV. 

LFQ: Al ser proyectos personales de ustedes como arquitectos y de su estudio ¿quién costea viajes, desarrollo del concepto, anteproyecto y desarrollo de planos ejecutivos?, además, ¿con qué recursos se logró construir?
MS y AV:
Aportó la Fundación HOLCIM, el Instituto Mixto de Ayuda Social –IMAS-, el Grupo XILO; además de las organizaciones y asociaciones de desarrollo. Nuestra oficina en parte asume algunos de esos costes, o la misma academia que paga nuestros sueldos por el trabajo que desarrollamos en ella.

LFQ: ¿Se emprenden nuevos proyectos por esta iniciativa?
MS y AV:
IMAS, por ejemplo, nos pide diseñar una red de puentes peatonales, en tanto que esas comunidades en su mayoría están aisladas en la montaña, se comunican por trillos que no tienen puentes y en tiempos de crecidas se incomunican.

Taller de vinculación con miembros de las comunidades, medios de acceso y comunicación entre dichas comunidades. Foto cortesía de los arquitectos MS y AV. 

LFQ: ¿Qué implica el contacto con la industria de los materiales y la construcción, como el caso que nos ocupa?
MS y AV:
Trabajar con la industria eleva el nivel de la profesión y empodera al usuario.

LFQ: ¿Ese carácter de actuación profesional de dedicar esfuerzos a la actividad social es una tendencia de la arquitectura actual?
MS y AV:
El mercado es muy volátil, se expande y se contrae. Existen empresas muy importantes en América Latina cuya práctica dentro de esa tendencia es muy fuerte. Exige y fomenta un proceso de maduración, y eso se convierte en un activador de “estar en proceso”, de “estar al día”.

Fachada posterior en construcción donde se observa la transparencia y sistema de ventilación interior. Foto cortesía de los arquitectos MS y AV. 

LFQ: Michael Smith estudió en Inglaterra una Maestría en Sostenibilidad, de manera que las soluciones integrales son componentes activos de su realización profesional. ¿Cuáles implicaciones ambientales y culturales observaron al desarrollar este proyecto, considerando la tipología de construcciones que practican esos pueblos vernáculos?
MS y AV:
Los proyectos se tratan de contextualizar. Existe una lectura profunda de los simbolismos locales para que active el empoderamiento comunal, sostenible. Vivimos en un clima perfecto, sin tener que consumir energía a partir de soluciones mas prácticas y tolerantes con el medio y su cultura.
Tecnología simple, sin grandes máquinas, más bien tecnología manual o artesanal. La estructura del centro fue elevada por los obreros a esfuerzos humanos, no podíamos Trasladar una grúa a Grano de Oro.

LFQ: ¿Dónde está la innovación? ¿Será desde el punto de vista del lenguaje de la arquitectura actual o existen otros activadores?
MS y AV:
Volvemos a puntualizar en los talleres participativos que nos permitió comprender mejor las necesidades y deseos de dichas comunidades. Al interactuar con los usuarios, conocerlos como viven, cuáles son sus alimentos y de dónde los obtienen son un activador que se comporta como agente indispensable para innovar en arquitectura.
Incluir a los usuarios en el proceso de diseño, considerar a la industria de los materiales como la madera para que aporten su experticia respecto a su manejo y tecnología, son esos activadores que centralizan el carácter de innovación.

LFQ: ¿Tienen alguna crítica a la formación de nuevos arquitectos?
MS y AV:
Muchas escuelas están llenas de teoría y de arquitectos teóricos, que no construyen, no interactúan con usuarios y comunidades, carecen de tácticas de negociación o estrategias para el mejor aprovechamiento de los recursos materiales, de las condiciones del medio y la cultura.

Vista del constructo. Foto cortesía de los arquitectos MS y AV. 

LFQ: ¿Además de calidad del espacio que lo construido forja, implica la emocionalidad e incluso la espiritualidad como fruto de lo diseñado y, en el caso específico de Grabo de Oro y el proyecto del albergue y centro de capacitación Kapaclajui, repito, implica a culturas originarias que son tan de caracteres animistas? ¿Cómo lo consideraron?
MS y AV:
Sensibilidad, eso se aprende del día a día, al observar y experimentar la materialidad, analizar los recursos como las texturas, los ritmos provocados por los colores, aspectos perceptivos, y de proponerse cómo con bajo costos se puede lograr mucho.
Tratamos de ser bastante prácticos, pero necesitamos de ser receptivos y sensibles en las dinámicas de inclusión, para –como se dijo-, leer las necesidades del otro, aspecto que nos requiere amplia reflexión. Poder explicarnos cuál es el impacto de sentir el sitio, la cultura, la espiritualidad, percatarse cómo la gente vive y experimenta el espacio, y esas observaciones requieren tiempo, reflexión, autocrítica y estar dispuestos al aprendizaje continuo.

Vista frontal lateral del acceso. Foto cortesía de los arquitectos MS y AV. 

LFQ: Tal vez, a manera de conclusión de este acercamiento con estos jóvenes y creativos arquitectos, graduados en la Universidad VÉRITAS, Costa Rica, donde en la actualidad ejercen la docencia, quisiera indagar en ellos ¿cuál es el principal ejemplo que esa intervención proyecta a las nuevas generaciones de arquitectos?
MS y AV:
Que el arquitecto tiene que cambiar su rol, él es parte de un engranaje vinculador de distintas profesiones. Debe ser accesible para todo el mundo, no debe ser visto como un lujo, sino como un profesional que responda a necesidades reales en la sociedad. Nos toca visitar zonas marginales de las ciudades o áreas rurales, y ahí, en ese medio de tantas necesidades, a la gente no le importa quien es un arquitecto, ni comprenden las posiciones “arquicentristas” del pasado. Implica una actitud de estar siempre dispuesto, ser autocríticos, asumir el manos a la obra, a echarse al agua para aprender siempre, y perder el miedo a equivocarse, caracteres que las sociedades del siglo XXI demandan, son talentos y competencias que da la vida y la experiencia del hacer lo que nos toca a conciencia.

 

  

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Luis Fernando Quirós

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HELL’O MONSTERS: COVER HISTORY

08.08.2014 | 05:21

En las nuevas obras del colectivo belga Hell’O Monsters, personajes zoomorfos han evolucionado de los ejemplos tomados de El jardín de las delicias de El Bosco, la anterior y primera exposición en Espai Tactel, a seres donde esta presencia híbrida se antoja una mascarada y una actitud continuada. La necesidad de ser otros es un argumento que todos hemos hecho propio. La cuestión sería desvelar si esa necesidad no es, en definitiva, el único modo de ser nosotros mismos. En unas palabras que el filósofo Miguel Morey tomó prestadas de Michel Foucault indicaba: “(…) mostrar las determinaciones históricas de lo que somos es mostrar lo que hay que hacer. Porque somos más libres de lo que creemos, y no porque estemos menos determinados, sino porque hay muchas cosas con las que aún podemos romper –para hacer de la libertad un problema estratégico, para crear libertad. Para librarnos de nosotros mismos.” (Miguel Morey, “La cuestión del método”, Introducción al conjunto de textos titulado Tecnologías del yo, Michel Foucault, Barcelona, Paidós, 1990, p. 44.)

El colectivo, formado por Jérôme Meynen, François Dieltiens y Antoine Detaille, profundiza en sus intereses formales y conceptuales vinculados a la relación entre arte y artesanía, por un lado, y a la innegable dependencia del ser humano y cualquier ser vivo con el medio natural transformado y construido. La naturaleza y la construcción de un relato que la domestique y, posteriormente, la transforme. La capacidad de “librarnos de nosotros mismos”, como indicaba el profesor Morey, es una auténtica liberación de sí, es un poder no ser uno/a mismo/a y, de esta forma, ser otros. La composición de Hell’O Monsters en tanto que colectivo, dispone en bandeja la disolución del yo artista en tanto que figura unívoca e individual, la posibilidad de ser más de uno y de que el resultado obtenido no corresponda exactamente a ninguno de ellos, sino más bien a la suma de sus partes diferenciadas que adquiere, al mismo tiempo, una coherencia estilística inusitada.

La dicotomía arte/artesanía no pretende revivir las ascuas de una rivalidad entre idea, actitud y técnica, como si aún pudiera defenderse lo uno sin lo otro o influyera en su lectura final hacerlo, sino que de lo que se trata aquí es de la utilización del saber hacer como herramienta principal de la obra artística. Ésta funciona de manera concisa y transparente precisamente por su ejecución técnica y deriva de la práctica del graffiti del propio grupo de artistas. Las obras se entremezclan en el espacio con elementos dibujados y pintados en los muros de las salas donde exponen, como una lectura amplificada del espacio y de su obra. Por un lado, las paredes se plantean como soporte donde incidir con dibujos, objetos, pinturas que repercuten en los propios dibujos enmarcados, en las pinturas realizadas sobre soportes exentos. Y las obras, a su vez, se integran en los muros con la normalidad con que vemos, por ejemplo, la coexistencia de arquitectura y graffiti en el espacio público. Esta combinación de factores, donde quedan desdibujados los límites, así como las funciones primigenias de las obras y su soporte mural, es lo que hace consistente el trabajo de los belgas y el motivo por el que sea interpretado como algo más que ilustración de unas ideas previas.

Cover History plantea algunas ideas al respecto de las apariencias y lo que subyace por debajo. En la exposición de hace ahora dos años, Two sticks and a cross are easily confused (Es fácil confundir dos palos con una cruz) el título remitía directamente a la importancia de la simbología en la pintura integrada dentro de la historia del arte, pero también al hecho fortuito y casual que se genera por el imaginario colectivo, en relación directa con la ideología y la religión. También el juego de palabras y el intercambio de símbolos construía la ironía. En este caso, la polisemia del título Cover Historypuede dirigirse al hecho mismo de encubrir alguna cosa, la Historia, al igual que refiere la mascarada que supone emplear una u otra máscara para determinadas situaciones personales, sociales o políticas. Elementos todos ellos similares entre sí, pero claramente diferenciados.

Álvaro de los Ángeles

 

+info:
www.espaitactel.com

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Engel Leonardo: Pedernales

04.08.2014 | 14:06

En la medida de lo posible comento en mi blog Diseñacr la considerable agenda de eventos culturales, y en especial de exposiciones que se realizan en la ciudad de San José y zonas circunvecinas, es demasiado amplia; para este mes de julio los espacios paralelos de TEORéTica: arte + pensamiento y el Museo Virginia Pérez Rattón inauguraron seis muestras; también, el mismo día, DESPACIO abrió una singular exhibición de videos de los panameños Jonathan Harker y Donna Colon, que también me interesaría comentar en algún momento. Una de las propuestas abiertas y que ya comenté fue “Entre Concreto”, pero también son de enorme interés “Emergencia – contextos volcánicos”, proyectos ganadores de las Convocatorias 2014, y el nuevo programa “Organización-en-Residencia” de Teorética.

Pedernales de Engel Leonardo en Teorética. Foto LFQ.

PEDERNALES
La propuesta de “Pedernales” creada por Engel Leonardo de República Dominicana, exhibe tres estructuras geométricas y otros objetos que utilizan la técnica de los tejidos artesanales de la cestería, de enorme sensorialidad y valor, en tanto son producidas por las manos de artesanos que habitan las zonas fronterizas entre Haití y República Dominicana, delante de la creciente proliferación de productos industriales que competen con estos. El artista se apropia de la técnica y sintetiza dicha producción cultural observada en su investigación y documentación necesaria para plantear este proyecto, al recorrer dichas fajas fronterizas entre esos pueblos de ambas naciones caribeñas.

Pedernales de Engel Leonardo en Teorética. Foto LFQ. 

Tensiones entre bordes
El asunto de lo fronterizo resulta coyuntural, por ser uno de los temas que centraliza el arte contemporáneo: las migraciones de uno y otro lado de las fronteras de las naciones, o de los grandes bloques que también generan alta tensión no solo a nivel micro o de una nación a otra, sino en las situaciones macro como sucede entre Centroamérica, México y Estados Unidos, con el patético caso de los niños migrantes que se desplazan desprotegidos sin sus padres. Pero en el caso de esta exposición titulada “Pedernales”, incrementa además el debate sobre los bordes porosos del arte con el diseño, entre el objeto artístico y el objeto funcional, en tanto las estructuras paralelipípedas expuestas asemejan o simbolizan sillas, asientos o esculturas geométricas que implican gracia, buena configuración técnica y estética. Se exhiben también los sombreros que son fabricados con esos procesos artesanales de la cestería, utilizando fibras naturales propias de aquellos pueblos.

Pedernales de Engel Leonardo en Teorética. Foto LFQ. 

Pedernales de Engel Leonardo en Teorética. Foto LFQ. 

Las técnicas, materiales y su procedencia
Es una muestra caracterizada por la fuerte intención minimalista: las tres estructuras dispuestas en la sala, cada una con distinto acento cromático, y tejidos en diversas situaciones espaciales, evidencian diagonales –las cuales contienen los tejidos-, y activan el campo o espacio vacío de la sala para generar interés compositivo y discurso, además de los sombreros cuyo tejido ennoblece la naturaleza propia del material.
Un detalle fundamental y que predica esta tendencia es que con muy poco que se tenga se dice mucho: nos hablan de las fortalezas de las materias primas vernáculas utilizadas para producir riqueza para los artesanos que las fabrican y el factor cultural que atañen; por otro lado, encienden la llamita del debate de su protección y difusión, y, como se dijo, ese traslape benéfico entre el objeto que por un lado pisa las fronteras del arte y por otro las posibilidades de dicha producción creativa que, bien conducida, podría representar una mejor fuente de empleo y riquezas en el mercado para esos grupos humanos –una vez más-, fronterizos, y hasta quizás con dicho fin logren arraigo en sus propias lindes.

Pedernales de Engel Leonardo en Teorética. Foto LFQ. 

Cartográficas
Lo expuesto subsume un discurso que me encanta encontrar, observar, analizar, comentar, y en este espacio es mostrado con lucidez conceptual y por ello fue distinguido por TEORéTica para ser parte de su programa expositivo. Demuestra que aún existen tópicos por investigar, colectar, documentar, exhibir, curar para generar una propuesta de elocuente presencia e identidad. La visión del curador es creíble en tanto organiza los asuntos que nos unen, no los que nos separan, como la idea de hablar de “contextos volcánicos” en un archipiélago como el caribeño y del istmo centroamericano, de enormes disensos como enjambre político o social, pero conectados subterráneamente por esos flujos de fuego que se encienden entre las capas tectónicas terrestres y de vez en cuando nos recuerdan nuestra pequeñez o fragilidad humana delante de esas contingencias de la naturaleza, pero que también activan visiones que el arte estará dispuesto a atender con la posibilidades intrínsecas de generar pensamiento.

  

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Luis Fernando Quirós

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#BlogsxArte: Nuevas tecnologías para la difusión cultural

31.07.2014 | 09:13

El pasado domingo 27 de Julio 2014, se realizó la mesa redonda #blogsxarte: Blogs y nuevas tecnologías para la difusión del Arte, como parte del programa de actividades de Arte Santander 2014, realizada en el Palacio de Exposiciones y Congresos de aquella ciudad española.
En la mesa y posterior debate intervinieron Míriam Callejo, coordinadora junto con Angélica Millán, conocida por su blog “La musa del Arte”, quien además actuó como moderadora; Rosa Marzo de la Agencia Internacional Española de Cooperación para el Desarrollo, destacada en Costa Rica, y quien coordinó la participación de bloggers nacionales; la costarricense Dinorah Carballo del blog “Suave un Toque”; Semíramis González del blog “Semíramis en Babilonia”; Francisco Porto del blog “Lata muda”; Sara Bono quien con Rosa Marzo presentan el blog “Gestión y cultura crítica”; Susan Campos también de Costa Rica con “Red Cultura”; Marcos Tamargo artista español quien se refirió a estos avances para la difusión cultural. Además participó en la parte técnica Bezoar Studios, y finalmente Luis Fernando Quirós del blog “diseñacr”, quien escribe.

Dilucidar y generar conexiones en las sinergias actuales de los bloggers dedicados a la crítica de arte, y su difusión por redes sociales, fueron consideraciones tratadas en la mesa, donde se habló además de vigencia y realización, de aspectos económicos, culturales, sociales, y de la responsabilidad del blogger como agente en las transformaciones actuales mediadas por las tecnologías de la comunicación. El debate fue seguido en línea a través de Youtube.com, y por #blogsxarte en Twitter.
Es oportuno explicar que esta mesa realizada en Santander, fue continuación de un primer conversatorio #blogsxcultura ocurrido en el 2013 en el Centro Cultural de España en San José, Costa Rica.
Angélica Millán, en su exposición, introdujo un importante enfoque de Pilar DM de el blog “el dado del arte”, el cual cito por su fundamento: “Se trata de un pensamiento respecto al futuro del blogger de arte, el cual pasará convertirse en un “Knowmad” –nómada del conocimiento. Se refiere –agrega Angélica interpretando dicho enfoque-, a aquellas profesiones que en la actualidad surgen cada día como consecuencia de la evolución de las nuevas tecnologías en esta sociedad. Suelen caracterizarse por ser imaginativos, creativos, innovadores, crean contenidos únicos de la información que recogen de las redes, conectando a personas, organizaciones e ideas. Acota que el término “knowmad” se adecúa a muchos otros tipos de profesiones actuales”.

Fotogarafía del video de LFQ, 2014

Mi posición de blogger
Amplío lo expuesto en el video que corrió por las redes y se presentó en el evento, el cual versó sobre mis experiencias a lo largo de los últimos cuatro años con “diseñacr” en el portal web de la revista española de arquitectura y diseño Experimenta, abierto en 2010 gracias a la oportunidad que me brinda esa revista de estar al tanto del acontecer en materia de diseño, arquitectura y arte contemporáneo en Costa Rica y la región. Experimenta no es una revista exclusiva de arte, sin embargo, no puedo dejar de lado esas repercusiones del arte en el contexto de nuestra cultura contemporánea, ya entrados en la segunda década del siglo XXI, es además un actuante coyuntural en el contexto centroamericano, que forja su identidad y presencia, por lo que aprovecho mis vínculos con artistas, diseñadores y arquitectos de América Latina para acercarme a su pensamiento a través de entrevistas, análisis y comentarios. Hablo de “rol coyuntural de mi país”, en la medida de la amplísima producción que estas prácticas creativas agendan, con un nutrido número de exposiciones, foros, conferencias, encuentros, ferias, congresos, bienales, concursos, los cuales en la medida de mis posibilidades reseño, comento, e incluso critico desde la brecha abierta por la tecnología.

¿Por qué me convertí en blogger?
Soy un asiduo usuario por la prontitud y eficacia con que trasciende la información en las redes, por su actualidad y correspondencia con los tiempos de transformación activados por la tecnología en materia de comunicación. Antes de su existencia, publiqué varios libros de ensayo y narrativa, artículos en revistas especializadas y catálogos, pero cansado de esperar tanto tiempo para verlos publicados, y cohesionar sus contenidos con actualidad, encontré que este era el medio buscado, óptimo para externar ideas y compartir conocimientos.
Comencé aplicándolos en el campo educativo, y en cada post publicaba las experiencias en la clase, utilizando fotografías y videos, para poner una especie de espejo al educando y confrontarlo con lo aprendido, elevando su estima propia, aspecto que va tan de la mano con la asimilación cognitiva y el aprendizaje. Además, porque estos medios están transformando la comunicación de masas.
El diseñador y especialista en tecnologías y procesos de impresión, el argentino Hugo Máximo Santarsiero, con quien tuve un reciente conversatorio ( http://www.experimenta.es/blog/hugo-santansiero-vuelta-la-pagina-4532 ) publicado en mi blog, respecto a lo que puede marcar la desaparición de medios tradicionales como el diario impreso, indica lo siguiente: “hoy en día, el celular sustituye al periódico: las personas –sobre todo las edades juveniles, pero aclaro que yo mismo, a mi edad, soy adepto de estos procedimientos-, leen los grandes encabezados y se percatan del acontecer por las redes sociales. Si nos interesa un determinado tema, ahí mismo encontramos un enlace que nos lleve al periódico en línea, donde se puede hundir en la información, leer la noticia completa, e incluso si se desea atender los comentarios de terceros acerca de la discusión generada por el tema, puede que encontremos enlaces a “x” o “y” blogs”.
Deriva de este comentario la enorme responsabilidad histórica de nuestro trabajo, en la formulación de criterios y toma de conciencia acerca de las problemáticas mundiales, y en nuestro caso desde las perspectivas del arte, el diseño y la arquitectura. Los críticos de los diarios -al menos en el caso de Costa Rica, del periódico La Nación-, desaparecieron, quizás ello anuncia el proceso de migración hacia las redes.
Otra idea central, es que los blogs se deben administrar como una medicina, en dosis relativamente cortas, de entre 700 a 1500 vocablos, identificando sus respectivas palabras poderosas para advertir a los buscadores, resúmenes e hipervínculos que nos permitan comportarnos como “mineros” escavando bajo los estratos de la información, disponiéndonos a estar en constante estado de (in)formación, pero esta labor debe hacerse con constancia en el tiempo, de otra manera no se adquiere la esperada presencia en internet o lo que los teóricos de las TICs llaman “ubicuidad”. Aclaro que aunque ya existe tecnología especializada para la lectura de libros, como los lectores y tablex, la tendencia de la información que trasciende a uno de estos espacios interactivos, es que el posteo no sea demasiado extenso, si una persona entra a un post profundo en cuanto a la densidad y extensión del lenguaje, migra, en tanto los usuarios de las redes buscan estar informados, hasta participar en la formulación de la noticia opinando por estos conductos mediáticos para estar al día, como se estila en twitter, con ideas cortas y enlaces a las plataformas de blogger. Si lo que se busca es especializarse, para eso estará siempre el libro o la revista impresa, que no pierden vigencia.
Otro aspecto a rescatar es que el acto de estar sumido en la sinergia de las redes, navegando o actuando como mineros en busca de las betas del oro del conocimiento, activa un estado donde lo buscado, y las palabras necesarias para comunicarlo, colman los contenidos en un estado de claridad conceptual y teórica, que los teóricos de la comunicación llaman –INSIGH-, que la interactividad estimula.
Respecto a malas prácticas, soy crítico de personas que abren un blog y con toda pompa lo divulgan en RRSS, pero no vuelven a postear un solo comentario. Por ello asevero que ser bloguero requiere compromiso y responsabilidad social para mantener la comunicación y de ese accionar se logra estimular el crecimiento propio y de la comunidad, además de rendir ante la alternativa que el medio –la revista, la plataforma, blogger- ofrece de albergar un espacio propio de pensamiento que activa el consenso o el disenso al ser usuario de dicha tecnología de punta.
Considero necesario estimular a los seguidores para que se produzca un cambio positivo al interactuar mas en el proceso. En mis blogs, aunque las personas comentan, no lo hacen con frecuencia. Pero sí son esperados, y los comparten en sus propias páginas en redes sociales. Aunque no clickeen “me gusta”, “retwitteen” o respondan con un comentario, si lee y generan conciencia sobre el trasfondo.
Desde esa experiencia abierta, soy invitado por galerías o museos a las conferencias de prensa que convocan y donde brindan los datos para elaborar la información, una vez publicado el post, los comparten en las páginas web y el respectivo evento. Lo mismo hacen los artistas involucrados en el comentario o crítica, comparten su enlace, de esa manera se mueven en la sinergia de buscar-encontrar.

Lo concerniente a la retribución económica inexistente, es y será un punto álgido que siempre genera acalorados debates, tal y como ocurrió en la mencionada mesa allá en Santander; además, me sirve para concluir con este comentario. En mi caso, aprovecho ser jubilado, pero las entradas por este rubro alcanza solo para lo básico y no para andar jugando de crítico de arte paseándome por galerías y museos. El lugar de habitación, en mi caso, está en el campo lejos de los centros donde irradia el “oro” del conocimiento, debo trasladarme a la capital y eso tiene un costo; sin embargo, pesa mucho la pasión por contribuir con el debate coyuntural sobre las prácticas creativas actuales y poder externar en tiempo real los pensamientos. ¿A quién trasladar esos costes?, ¿al productor cultural?, ¿al medio? ¿al Estado? ¿O es que también nosotros tenemos que buscar patrocinadores como lo hace el museo y el artista? Quizás esa sea una opción menos comprometida o complaciente, que puede implicar la nefasta crítica tibia. Escribir un post requiere investigar, escribir el ensayo, asumir la responsabilidad y una posición en el ajedrez social y cultural de cada país donde actuamos, pero además de “mineros”, se nos requiere comportarnos como migrantes en busca de un mejor rayito del sol, o como se dijo ahí en la mesa de Santander, de “nómadas del conocimiento” ¡Queda abierto el debate!

 


  

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Luis Fernando Quirós

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“Entre concreto”: hormas urbanas

24.07.2014 | 17:20

En décadas pasadas me encantaba observar cuando los constructores emprendían la restauración de algún edificio, colocaban una enorme tela en la fachada con una fotografía impresa del mismo inmueble, pero detrás de esa escenografía estaban los andamios, tuberías, cables, y los trabajadores se movían de uno a otro punto con sus carretillos cargados de concreto; o sea, detrás de aquella gran mampara sucedían cosas, acaecían quizás las contingencias cotidianas y el transeúnte ni siquiera se percataba de las vicisitudes que ahí podían ocurrir. Me parecía presenciar otra piel distinta de lo urbano, careta para la edificación que los constructores inventaron para curar los posibles escenarios del construir, cuando por lo general existe incomodidad y hasta ofuscación durante el proceso.

Fachada de TEORéTica y detalle de pieza de Darién Montañéz . Foto LFQ. 

Todo aquello me instigaba, y aún instiga, activa el pensamiento para reflexionar sobre lo implica el transcurrir cotidiano. Un día ya muy lejano se dijo (Platón, La República) que la vida urbana nació, en tanto todos nos necesitamos: el albañil, el arquitecto, el diseñador, el artista, el artesano, el escritor, el periodista, pero también el relojero, el hojalatero, el vendedor y comprador de dólares, el que dispensa los periódicos y en su táctica de venta canta –en la “opera” del día día-, los titulares de las noticias. Se trata de una “aria” donde tienen voz las texturas sonoras, visuales, olfativas, gustativas y táctiles de la vivencias diarias, y ahí existen sinestesias, lenguajes no verbales, kinésica y kinestésica que imbrican la comunicación humana. Nos necesitamos todos, el caminante, las señoras que se detienen a mirar las vitrinas de los negocios, el predicador que apropiándose de un ángulo del parque o la plaza clama por su credo, el vendedor de helados o de golosinas hace lo suyo y hasta el que todas las mañanas recorre este entramado con un carrito de supermercado, exprimiendo naranjas para ofrecer un complemento del desayuno. Todo esto significa profunda “intensión humana” que ocurre al otro lado de esas cartografías y caretas urbanas que están delante, atrás o entre sus “intersticios” de concreto.

Moe Satt . “Memory back abd forth”, 2011. Video y performance. Foto LFQ. 

Francisco Tún. “Sin título conocido, ca”, 1980. “Sin título conocido, ca”, 1983. “Sin título conocido, ca”, 1984. Facsímiles, cortesía de Colección Monesco (Guatemala). Foto LFQ. 

Lo expuesto en Teorética Arte + Pensamiento
Quizás por ello comprendo aquella fotografía adherida a la fachada intervenida con motivos arquitectónicos grecorromanos de Darién Montañez (Panamá 1977), quien sobrepone un fragmento de columna tirada, como si fuera parte de un dique a una distancia considerable delante de Panamá, la Capital, constructo vertical en contraste con la horizontal marina que se vuelve escenario del auge edilicio y lo que sucede en el corazón palpitante de nuestra vecina República. O aquel video de Moe Satt (Myanmar, 1983), el cual filma la gesticulación de los vendedores de comida y todo tipo de mercancías en el trajín callejero. Como también se comprende la naturaleza de la pieza de Helen Zeú Araya (Etiopía, 1987) “Manos alrededor de Yangón”, 2012, videoacción de quien exhuma los restos de su propia madre, en fuerte tensión dramática, en tanto donde existió el cementerio serán edificados nuevos espacios (Auge, los No Lugares), y cuyo monitor en el cual corre el video se dispuso dentro de un cajón de madera, para aludir a la morada final y signo más de la agitada transformación actual, cuando nos encontramos inmersos en procesos migrantes buscando alcanzar nuestro propio horizonte. También, al fondo de la sala, se muestra la instalación de Cao Fei (China 1978), escenarios de la “Second Life” escenificada en el gigante asiático, que implica factores económicos y la visualidad asumida en dichos lenguajes.

Helen Zeú.“Manos alrededor de Yangón”, 2012, video e instalación. 

Cao Fei. “RMB City: A Second Life City Planning”, 2007. Video / “Naked Idel in RMB , City”, 2010, video. Foto LFQ. 

Modelos de vida actuales
Fuimos y somos constructores de moldes o modelos donde calzan todas nuestras actividades humanas -tal y como lo predicó la psicología social de la segunda parte del siglo XX (Mischerlich), que en tanto fueron y son construidos con materias duras, como el concreto, tienen la propiedad de modelarnos en un fuerte interaccionismo simbólico.
Eso me dice que ese entorno habitacional o comercial que conocemos, se trasviste y adquiere otra corporeidad, que en el fondo tampoco conocemos. Decimos conocerla, pero a veces son escenografías ficticias que nos clavan un fuerte signo de interrogación. Quizás hasta ser un escenario como Villa Adriana, entre Tíboli y Roma, sueño del Emperador Adriano (Yourcenar), construida con ladrillos, piedras, morteros romanos a inspiración de todas aquellas “megápolis” que sus ejércitos conquistaron, y quizás hasta él se paseó por sus placitas y calzadas al lado de Hermógenes –su médico-, pero que en el fondo de todo aquel trasfondo cultural y político, él fue el conquistado en aquellos entretelones de la dominación y las hegemonías de la Antigüedad.

Alfredo Ceibal. “Kaminal, Naranjo”, 2009/2014. Corte Transversal, dibujo mixtas sobre papel y pared. (Detalles) Foto LFQ. 

Darién Montañez, “Matías Hernández, 2013, video.

“Entre Concreto”
Al avistar esta muestra curada por Inti Guerrero de TEORéTica, con actuantes conceptuales de varias nacionalidades y culturas, con materias duras o blandas, como un caminante y habitante más, nos confrontamos a dicha visión de escenarios donde el yo calza tanto como lo hace el tuyo, o cualquier otro individuo independientemente de su nacionalidad, condición política, religiosa o preferencia sexual, en tanto somos quienes a cada paso, marcamos la jugada.
Ahí encontré aquellos paisajes de un pueblo solitario pero de fuerte signo cromático de Francisco Tún (Guatemala 1948-1989) Sin título, 1983, acrílico sobre madera. Ahí también encontré la fabulosa metáfora urbana redibujada in situ por Alfredo Ceibal (Guatemala 1954), que se extiende más allá de los límites del papel, trazando en el muro visiones de nuevas utopías arquitectónicas reinventadas con evocaciones al pasado Maya: las deidades que sostienen el Axis Mundi o poderosa ceiba la cual marca el espacio vivencial de las cuatro direcciones cósmicas y eje que conecta el supramundo e inframundo. El video “Matías Hernández” 2013, tmbién del panameño Darién Montañez, atañe al nombre de un hospital psiquiátrico y un río donde flotan los desperdicios de una gran barriada del este capitalino panameño, para hablarnos de las problemáticas asociadas a la neurosis e esquizofrenia propias de la alta tensión urbana que nos afecta a todos.

Stephanie Williams. “Basamentos (ilustres) estacionados”, 2014, instalación. Foto LFQ. 

En todas estas visiones y prácticas sobre el nicho habitado, la horma vivenciada, coexisten tramas muy porosas de esta sociedad simbolizados por el cine, la tv, la fotografía, la realidad virtual, el glamour de los escaparates de su mega-malls; realidad del entorno existencial que nos implica en sus juegos de poder que instigan al disenso. Todas son una, indescriptible, la que es sustantivo o a la vez verbo, que a diario nos movemos en ella, que al construirla nos construye; es signo -como hemos repetido en este comentario-, gesto de la mayor intensión humana, donde nuestras conductas se disparan como vectores engatillados desde la dimensión interior de la mirada, la que cuestiona lo que tenemos delante, al lado, atrás, de cuyo germen soy portador, e intrinca cada posición en el ajedrez de esta sociedad.
Antes de concluir, extraño sensiblemente repasar el significado de la poética pieza de Stephanie Williams (Costa Rica 1987) hecha de tierra y pasto, modelada como un detalle del muro remanente del edificio donde en un tiempo se protegió el saber científico e intelectual de la Patria, la Antigua Biblioteca Nacional, pero que de la noche a la mañana terminó siendo sócalo perimetral de un parqueo de autos, como muchos edificios emblemáticos de nuestra San José, otro signo que se mueve por su calles y avenidas entre el asfalto o el concreto, y un tracto más de esta materia dura con que fue hecha, la innombrable Ciudad.

Vistas de la Sala de Teorética. Foto LFQ.

  

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Luis Fernando Quirós

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