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Montserrat Mesalles: Recuperar y reinventar

14.11.2013 | 08:12

La humanidad arriba a una encrucijada tal, que clama por saber qué hacer con tantos componentes de su cultura material, cuando abundan los productos nuevos y los ya en desuso, viejas fábricas abandonaron sus equipos por absoletos delante de lo digital y de última generación tecnológica. Debemos saber qué hacer con todo ese arsenal que fenece en bodegas, basureros o cementerios, donde incluso, es necesario llegar con actitud de “arqueólogo industrial” a recomponer un tiempo olvidado, perdido quizás en los anales del cine o de la fotografía que relató sobre el emporio forjado por la Revolución Industrial desde finales del siglo diecinueve. Hoy en día hay que sacarle provecho a todo esos vestigios y reinventar nuevos usos. Ese llamado lo escuchó la diseñadora costarricense Montserrat Mesalles quien exhibe en Klaus Steinmetz Contemporary, Escazú, a partir del 12 de noviembre 2013.



Montserrat Mesalles. Mesa de sala. Fotografía Roberto Van der Laat, cortesía de la diseñadora.

Montserrat Mesalles. Mesitas con sobre de vidrio. Fotografía Roberto Van der Laat, cortesía de la diseñadora. 

Montserrat Mesalles. Mesa de sala. Fotografía Roberto Van der Laat, cortesía de la diseñadora. 

¿Cómo explicarse los cambios?
El último cuarto del siglo pasado, se dieron transformaciones paradigmáticas para la humanidad, preparándonos para inaugurar el nuevo milenio al cual hemos querido ponerle un montón de etiquetas sin que ninguna calce por completo y lo defina: aun hay mucho que esperar, ver, probar y sorprenderse. A mediados de los noventas, sensibilidades como las de la Otredad -(Yo Soy Tu), cuando las diversidades culturales, étnicas y religiosas fueron vistas no como adversidades sino como puntos de quiebre para abordar la ufanada globalidad, y la actitud postmoderna de revisión nos motivó a pensar en que una sola componente del sistema social que desapareciera, la sociedad entera la resentiría, removieron viejas estructuras sociales y políticas en pro de transparencia -y, como en este caso-, de recuperación de “una cosecha de antaño”, para infundirle nuevas fuerzas en convivencia con los productos de la nueva tecnología. Las primeras muestras de diseño de mobiliario con estos caracteres de recuperación, trascendieron desde inicios de esos años noventas en Alemania; en Nueva York y Chicago se exhibió “Alto y Bajo”, muestra en la que también se sentía caer “las murallas” antes infranqueables entre arte y diseño.

Montserrat Mesalles. Porta vinos rotatorio. Fotografía Roberto Van der Laat, cortesía de la diseñadora.



Montserrat Mesalles. Asiento y Lámpara juguete. Fotografía LFQ. 

¿De dónde vienen las ideas?
Pero no se trata de solo extraer del contexto -“bajo”-, donde se descubre un objeto para elevarlo a la postura de lo –“alto”-, antagonismo que aún caldea fieros debates entre los defensores del arte puro con los de las nuevas visiones del objeto y sus espacios de existencia armoniosa; todo este complejo de pensamientos nos requiere mayor análisis, observación y reflexión de estrategias que nos posibiliten reinventar el pasado en el presente para proyectarse a un futuro que se dibuja con mayor claridad.
Al preguntarle a Montserrat Mesalles ¿dónde y cómo nacen sus ideas de diseñadora? –y, en el caso específico de esta muestra-, ¿cómo las persigue y define para concretarlas en un nuevo producto? Ella me explica que encontró en un basureo lo que parecía ser una puerta giratoria: Estaba acostada en el suelo en medio de un barrial, con lo que no se descifraba qué era ni para qué servía. Me la traje al taller, revisándola y poniéndola de pie me percaté que su eje central funcionaba perfectamente. A partir de ahí comencé a pensar la utilidad que le podría dar rescatando su funcionamiento original, que probablemente fue la puerta de entrada a un banco o un negocio importante de la capital, me propuse interpretarla como un contenedor de vinos.



Montserrat Mesalles. Mesa y mesitas. Fotografía LFQ.

Montserrat Mesalles. Mesa corazón. Fotografía LFQ. 

Montserrat Mesalles. Juego de asientos “valijas”. Fotografías de Roberto Van der Laat y LFQ. 

Estrategias para una nueva función
Es en ese espacio del taller -laboratorio donde se descubren nuevas funciones a los materiales y a los objetos-, donde se revive esa carga de emociones que los transforma y brinda una extensión de su utilidad. Cuando el visitante a la muestra los observa, se descubre en ellos y enciende su natural talento de la creatividad, se empodera y hasta quizás se siente capaz de hacer sus propias aproximaciones al rediseño de otros objetos. Sin embargo, hay que dominar un lenguaje de diseño, cada objeto por tosco o burdo que parezca es una palabra que será llenada a partir de lo emocional, en empatía con la memoria o experiencia que se tenga de aquello que se descubrió, como se dijo, en un basural perdido entre el olvido y la corrosión. Ahí se provoca la fuerza de la idea, lo que carga al objeto que dejó de ser lo que fue para revivir un espacio diferente, con otros matices y en cuyos planos gravita la idea.

Público asistente a la galería. Fotografía LFQ. 

La muestra motiva al espectador, observé esos gestos en los rostros de los espectadores exacerbados por la expectación que suscita lo expuesto y quizás el fuego de un vino durante la inauguración. Muchos de esos objetos fueron dados por inservibles e incomodaban a alguien en una oficina, casa, o fábrica, ahí –en el hermoso espacio de Klaus Steinmetz Contemporary-, son vistos como alternativa para cambiar de rol, para atisbar y sintonizarse con otros matices, con otros vocablos en este paradigmático borde entre el arte y el diseño actual.

 

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Luis Fernando Quirós

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Ricardo Ávila: Muebles y Arte

07.11.2013 | 14:36

En tiempos recientes, los muebles y otros objetos fabricados con carácter industrial comparten los escenarios con el arte, en galerías, museos, bienales. Se abrió un intersticio por donde la poética -con aquellas rosas rojas de plexiglas sumidas en el cuerpo transparente de la Miss Blanche de Shiro Kuramata-, motiva a sentarse sobre la metáfora misma, y desde entonces, los muebles también son portadores del relato, de la anécdota, o comentario social.
La mesa, el asiento, la poltrona, la silla, el librero, la lámpara, poseen la alternativa y sensibilidad de ser usados en nuestros espacios públicos o de intimidad hogareña, en su forma funcional original o en una o instalación o reinventando su diseño, empoderan al espectador, quien abren la llave de las emociones.

Ricardo Ávila, Recuerdos de infancia: El Aula, 2013. Fotografía LFQ.

Recuerdos de infancia: El Aula
Ricardo Ávila, artista costarricense, exhibe la instalación de una aula escolar, que por las características arquitectónica del museo donde se muestra, en la ciudad de Cartago, Costa Rica –que en su mayoría son sitios patrimoniales e históricos, rememora aquellos espacios educativos de ésta o cualquier ciudad del mundo. Consta de un pizarrón que de inmediato nos conecta con la memoria del sitio donde todos fuimos educandos, intervenido por niños –los hijos del pintor-, y “lienzo” para pintar rasgos de sus diversas series con el tema central de lo urbano y la ciudad. También compone esta propuesta un cuadro donde él pintó los distintos escudos de armas tenidos por la ciudad de desde la colonia e independencia de la corona española. Ávila intervino con pintura acrílico sobre la madera de esos muebles típicos de toda escuela, un grupo de pupitres, a los cuales cargó con íconos propios de la educación actual, como la computadora, la tablex, el celular, los símbolos patrios y otras apropiaciones de grandes obras de la historia del arte, recurrentes en el imaginario simbólico de su arte de carácter naif.

Ricardo Ávila, Recuerdos de infancia: El Aula, 2013. Fotografía LFQ.

Ricardo Ávila, Recuerdos de infancia: Detalle de instalación. Fotografía LFQ. 

Llevar el aula de una escuela al museo, motiva la memoria, no solo del pintor que le lleva a rememorar su infancia cuando cursó los años escolares, sino de cada uno de nosotros los visitantes al museo. Conlleva un pensamiento crítico muy actual, cuando los modelos de la educación de estos tiempos son repensados ante el auge de la tecnología, en tanto el educando aprende en espacios alternativos de múltiples estímulos –como puede ser su propia casa, conectado por internet con otros niños, y posteriormente asista a la escuela a recibir retroalimentación por parte de sus maestros.
Esta propuesta -y aunque él no se lo propuso en su idea liminar-, quizás toca varios puntos en sintonía con las situaciones que redimensionan la educación delante de los grandes retos sociales, culturales y políticos advertidos en el horizonte de estos tiempos. Quizás él no implique esta compleja temática, pero nosotros los visitantes al museo, en la libertad que nos permite el arte de leer los signos que entreteje y al hacer conexiones, discursa acerca de esos enunciados y abordajes.

Ricardo Ávila, Recuerdos de infancia: Detalles de instalación. Fotografía LFQ. 

El Museo Municipal de Cartago, para esta versión 2013 de la Bienal de Pintura Marco Aurelio Aguilar (uno de los pioneros del arte local), brinda homenaje a este artista nacional, quien recibió el Premio Nacional de Pintura Joaquín García Monge 2012 por su muestra “Ciudades 2012, en la Galería Nacional de San José, Costa Rica.

Ricardo Ávila, Recuerdos de infancia, instalación. Fotografía LFQ. 

La propuesta Ávila pone un pensamiento de madurez, alude de nuevo a los objetos, carácter que ya hacía tiempo no observábamos en sus exhibiciones, se recuerda la muestra Cómo Vamos 2008 en la Galería Joaquín García Monge, Murales y Objetos -2009- en Galería de la Universidad VÉRITAS, sus propuestas de Bienarte 2003 que también fueron distinguidas por el jurado (entre ellos el padre del conceptualismo latinoamericano Luis Camnitzer), que le permitieron estar presente en la Bienal Centroamericana 2004, en el Museo de Arte Contemporáneo de ciudad de Panamá. Hoy en día vuelve a afinar sus visiones de intervención del objeto, en este caso y como se dijo del mueble escolar, con esta jocosa y lúdica percepción de lo urbano que cohesiona lo social, vivencia lo cultural, y nuestras formas de identidad.
  

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Luis Fernando Quirós

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Rodolfo Morales: Ocres y lapislázuli

31.10.2013 | 17:20

No imagino al diseñador de muebles Rodolfo Morales sentado esperando que alguien lleve a su taller un trozo de madera para que produzca un mueble. ¡Jamás! ¡Se dice que quien busca encuentra!, y él es uno de esos individuos creativos que va por las vías de la ciudad o a través del verdor del campo, habilitando la amplitud de sus dos focos de diversas miradas: una es la que advierte las situaciones de la vida cotidiana, como el conducir el auto, percatarse de la gente que pasa, observar y hasta disfrutar el paisaje circundante, y la otra, la mas exclusiva, única, solo ve maderas, sus formas, armoniza con los jaspes, las texturas, las historias en cada hilo pues también trabaja con materiales de demolición aprovechando sus ensambles, accidentes y detalles que luego, en el taller, les ofrece una segunda y hasta tercera vida.


Bufetera y lámpara diseñadas por Rodolfo Morales. Fotografía LFQ.

Lámpara diseñadas por Rodolfo Morales. Fotografía LFQ. 

Cualquier tronco es bueno para tener la base de una lámpara, un determinado corte de la madera se convierte en banca, o una fina mesa de sala que en algo nos evoca el diseño contemporáneo japonés.
Sus productos se distinguen por los exquisitos acabados, a veces refuerza las texturas y/o los jaspes propias de la especie que elabora, y en otras los minimiza para tener un todo armonioso que solo él logra escuchar en conexión con lo visto, con su propio lenguaje y las tendencias del diseño de hoy en día.


 

Muebles y lámpara de Rodolfo Morales. Fotografía LFQ. 

Lo hemos visto trabajar en conjunto con otras u otros diseñadores, como las propuestas que produjo con la Diseñadora Industrial Alina Leiva, utilizar maderas, corchos, maderas alternativas como la de la palma de pejibaye (Bactris gasipaes), que, a propósito, con una de esas propuestas ambos fueron seleccionados para representar el diseño local en la anterior Bienal Iberoamericana de Diseño Madrid 2012.


Bufetera y lámpara diseñadas por Rodolfo Morales. Fotografía LFQ. 

Hace unos días visité una exhibición con estos muebles apreciables en estas fotografías, y una vez más me confirma su ingenio personal, su estilo de decir las cosas en el diseño, forjado en la brecha cotidiana donde se encienden las ideas, trabajando, no sentado esperando a estas se avisten al final de la línea del horizonte.


 

Mesita de sala diseñada por Rodolfo Morales. Fotografía LFQ. 

Quizás la astucia es su principal motivante emocional, de cómo resolver un determinado ensamble, o como cerrar una rajadura que ya traía la pieza como materia prima, como en el caso de la mesita de sala, la cual cerró con resina teñida de lapislázuli, tal y cual fueran aguas ultramarinas, reventando sus espumas en las ocres aristas del mueble. 

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Luis Fernando Quirós

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“PANSY & LOWBROW” Exposición colectiva

31.10.2013 | 07:06

 “PANSY & LOWBROW” 

RICARDO FUMANAL / MARIO GONZÁLEZ / SITO MÚJICA
AGUSTÍN ESTESO / JOSÉ PUNZÓN / DAVID SÁNCHEZ

Del 8 de noviembre al 4 de enero de 2013.

La exposición “Pansy & Lowbrow” de Ricardo Fumanal, Mario González, Sito Mújica, Agustín Esteso, José Punzón y David Sánchez podrá verse en la Galería ESPAI TACTEL de Valencia hasta el 4 de enero de 2014.

 Ricardo Fumanal (Huesca, 1984) genera una producción que va desde el campo del dibujo manual a la imagen en movimiento. Tras una formación centrada en el diseño y la gráfica publicitaria ha colaborado en diversos estudios, trabajando como ilustrador en diferentes medios y soportes.

Mario González (Alicante, 1988) basa su trabajo en el lenguaje plástico de los lápices de colores, el rotulador desgastado y el collage como forma de composición, inspirándose en el inventario visual de la moda y sus efebos. Su trabajo se desarrolla dentro del campo de la ilustración y ha colaborado en publicaciones nacionales e internacionales.

 Sito Mújica (Barcelona, 1971) reproduce de forma sistemática la obra fotográfica de autores que forman parte de su ideario personal, para ello emplea técnicas tradicionales dotándolas de un significado propio y ensalzando la figura masculina. 

Agustín Esteso (Valencia, 1984) tras trabajar en varios estudios y agencias de comunicación desarrolla su carrera como ilustrador colaborando con varios artistas nacionales e internacionales. Su trabajo como envuelve al espectador en un mundo naïf repleto de humor adulto y corrosivo.

 José Punzón (Almería) ha expuesto sus obras a nivel internacional bajo el nombre de “3501”, su seudónimo anterior. Su trabajo, producido con grafito y tinta, ha sido publicado en revistas, portadas, carteles y merchandising de bandas nacionales e internacionales.

David Sánchez (Madrid, 1977) es un ilustrador y diseñador que ha colaborado con publicaciones como Rolling Stone, EP3, Man o Cinemanía. Se ocupa del diseño de portadas de la editorial Errata Naturae. Responsable de la imagen de la popular serie de camisetas Mong.

 En un contexto caracterizado por el auge de la ilustración, ésta ha conseguido desvincularse del texto superando su función decorativa o supletoria. Ha conseguido una autonomía propia como manifestación artística haciéndose habitual encontrarla  en espacios expositivos.

 “Pansy & Lowbrow” ofrece al espectador la oportunidad de reflexionar acerca de su formato, intención y  referentes a partir del trabajo de seis ilustradores que descontextualizan los iconos de cultura popular y reinterpretan sus significados de una forma personal. Bajo el concepto de “Pansy” los artistas Ricardo Fumanal, Mario González y Sito Mújica se recrean en la sensualidad de la figura masculina, en contraposición a Agustín Esteso, José Punzón y Ricardo Fumanal que aproximándose al movimiento “Lowbrow” satirizan su propio contexto con imágenes próximas al diseño gráfico y el cómic.

+info:
www.espaitactel.com

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Tactelgraphics Studio

Tactelgraphics
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ARA MayInca: Arte + Diseño

21.10.2013 | 11:36

La muestra MayInca (palabra formada por los vocablos Maya + Inca), observa una notable expresión creativa en términos de diseño y arte actual, motiva la validación del referente autóctono -arte de nuestros antepasados indígenas-, y se proyecta como una iniciativa a continuar en el tiempo. Lo curado por Rolando Castellón en la Galería Roberto Sasso de la Universidad VÉRITAS en este mes de octubre, con más de treinta diseñadores, aristas -costarricenses y regionales-, elevó un altar (Ara) a la trascendental memoria de lo vernáculo y sus formas de creatividad, sumado a esta naturaleza que manifiesta diversidad de matices culturales, materiales e históricos.

Arriba instalaciones de la Galería Roberto Sasso, Universidad VÉRITAS con la muestra MayInca. Abajo varias personalidades presentes en la apertura. Foto LFQ.

Pero el enigma a descubrir dentro del vocablo MayInca acuñado el curador Castellón, es reivindicar la celebración del Día de las Razas (celebrado el 12 de Octubre), resaltando el ingenio y pericia de dichas expresiones creativas las cuales deben ser el centro de la conmemoración anual.

La visión del universo y las esferas de piedra (aludiendo a las esferas originales del Valle del Diquís) Fotografía LFQ.

En una nutrida propuesta se exhiben pinturas, instalaciones, esculturas, muebles, camisetas, libros, carteles, acciones, fotografías, donde se advierte la fuerte presencia del amor, el odio, la tragedia, la naturaleza, el universo, pero también “la esperanza vivenciada en nuestra América”, -como aprecia la doctora Ana Cecilia Arias -antropóloga con especialidad en arqueología e investigadora de la Universidad de Costa Rica-, quien estuvo presente en la apertura junto con la doctora María Eugenia Boccioli, otra de las notables estudiosas del legado de nuestras culturas autóctonas costarricenses.



Esculturas y la silla "Abor{igen" del diseñador nacional Rodolfo Morales. Fotografía LFQ.

Varias muestras con una sola esperanza
Se realizaron en el país, para estas fechas, varias muestras tendientes a resaltar el mismo fin. Además de Mayinca, su curador Rolando Castellón organizó una interpretación personal en el espacio ARTSéum La Garita, en Alajuela. El Museo Cultural e Histórico de San Ramón organizó “Remanente Precolombino, Arte + Diseño”, curada por el doctor Henry Vargas. También, aún está en cartelera la comentada muestra “Jarrones Trípodes” en los Museos del Banco Central. Estos eventos repercuten con celebraciones afines realizadas or artistas y diseñadores de los vecinos países centroamericanos.



Pintura y un tejido de Berta Alegría, presentes en la muestra. Fotografía LFQ.

Antecedentes
Rolando Castellón evoca que “en una reunión de trabajo (1994) en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC) entre Virginia Pérez Ratton, la desaparecida Directora fundadora, Luis Fernando Quirós, Curador de Diseño y el suscrito, Curador general, coincidimos titular la Exposición Anual del Museo: Mesótica. La segunda versión de Mesótica hizo un recorrido por Europa durante el período 1995~97 y estableció la realidad artística del Istmo Mesoamericano en el ambiente global del arte contemporáneo. Casi veinte años después un evento similar se lleva a efecto. Esta vez el tema se refiere específicamente a la influencia de la cultura indígena original del área sobre el arte moderno y contemporáneo.
El año 2012 –acota Castellón-, trae una noticia acerca de una profecía que designaba una fecha, Diciembre 2012, como el día del fin del mundo. Esa noticia resultó ser solo un proyecto publicitario turístico, que exaltaba la posibilidad de visitar el área en esa fecha específica. En realidad, varios antropólogos y arqueólogos profesionales habían discutido públicamente estudios que establecían científicamente, que el período 2012 - 2013 indicaba el fin de un ciclo en la cultura Maya y el inicio de un nuevo ciclo, una nueva Era en su calendario. Tomando ésta información en serio, un grupo de artistas centroamericanos decidieron investigar el tema y organizar exposiciones en cada país del Istmo en relación a la influencia de las raíces antiguas de las etnias del área sobre el trabajo intelectual y artístico actuales. La propuesta pretende convertirse en un evento trienal para discutir eventos actuales sociales, educativos y culturales que nos atañen e influencian
”.

Instalación de Moyo Coyatzín. Fotografía LFQ.

Pieza de

Henry Vargas y tejido Inca con jícaro de Moyo Coyatzín.

Gerardo Selva Godoy, diseñador, ceramista, artista y Rolando Castellón -curador de la muestra, realizando una acción. Fotografía LFQ:

Artistas participantes
En la muestra de la Galería Sasso de VÉRITAS exhibe Carolina Valencia, Henry Vargas, Luis F. Quirós, Joaquín Rodríguez del Paso, Nelson Díaz, Luis Morales Alonso, Berta Alegría, Rodrigo Muñoz, Gerardo Selva Godoy, Rafael Chamorro, Gabelo Cordero, Rafael Montoya, Grace Herrera Amighetti, Lil Mena, Eugenio Murillo, Maribel Sánchez Grijalba, Javier Calvo, Rodolfo Morales, Edgar León, Eugenia Rudín, José Sancho, Eliza Rodríguez Santos y Lorenzo Palacios, Otto Apuy, Juan Luis Rodríguez, Mainor Arias Uva, Adolfo Siliézar, Mario Maffioli, Rodolfo Uder, Glenn Jampol, Fabio Herrera, Héctor Burke, Adela Marín y Moyo Coyatzín.



Muestra de diseño de libros con motivos de los petrograbados de Guayabo. Fotografía LFQ.

Libros diseñados por estudiantes
Además se abre una exposición paralela en los espacios de la universidad, dedicados a exhibir propuestas estudiantiles, en este caso de la Escuela de Diseño Publicitario, quienes, al volver sus miradas hacia este carácter de manifestaciones históricas, diseñaron en el curso de Producción Gráfica, varios libros con rediseños y aplicaciones de los petroglifos descubiertos por los arqueólogos y antropólogos del Museo Nacional en el Monumento Arqueológico Guayabo, Turrialba, y que fueron publicados en el libro Los Petrograbados de Guayabo, con la colaboración de Ana Cecilia Arias, Grace Herrera y Floria Castrillo.



Frutas presentes en las muestras curadas por Rolando Castellón, en este caso en ARTSéum La Garita. Fotografía LFQ.

Instalación de Rolando Castellón en ARTSéum La Garita. Fotografía LFQ. 

Dibujos a carboncillo de Rolando Castellón, expuestos en ARTSéum La Garita. Fotografía LFQ.  

A manera de conclusión
Este comentario sobre el evento, además del que se tendrá el viernes 25 de octubre “MayInca Poética”, con lecturas de poesía y narraciones con esta misma temática y algunos de autores indígenas, se puede decir que el mencionado “fin del mundo” no ocurrió, pero la “nueva era de luz” predicha por los Mayas activa una importante reflexión sobre el espíritu creativo de los diseñadores y artistas regionales, observar las genialidades del arte de nuestros antepasados truncadas por las tensiones hegemónicas de un pasado que no se puede olvidar pero que se multiplican en el presente y por lo tanto nos catapultan hacia las incógnitas que aún debemos despejar.



Muestra Remanente Precolombino, curada por Henry Vargas, Museo Cultural e Histórico de San Ramón. Fotografía cortesía de Carolina Valencia.

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Luis Fernando Quirós

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