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JAVIER PALACIOS. Naturaleza perceptiva

10.01.2014 | 05:23



La obra del artista Javier Palacios capta la esencia de lo visual, subrayando la naturaleza perceptiva de nuestra relación con el mundo, los otros, los objetos y las imágenes que lo componen. Su trabajo ha sido premiado en casi una veintena de certámenes entre los que podemos mencionar sus tres medallas de honor consecutivas en el Certamen BMW de Pintura, primer premio en el Certamen de Minicuadros, primer premio en el Certamen Salvador Soria o el primer premio Gredos de Pintura. Gracias a becas como la GrandTour DKV o la World Event Young Artists ha producido obra en Inglaterra y Polonia. En la actualidad vive y trabaja en Valencia, y acaba de ficharlo la galería Espai Tactel.



 

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Tactelgraphics Studio

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Diseño, gráfica, artesanía

07.01.2014 | 09:01

La mayoría de los comentarios publicados en este blog a lo largo de sus tres años, refieren a una cultura central del país, y en algunos casos al ámbito centroamericano. En tanto bitácora del cotidiano, registra exposiciones, ferias, entrevistas a diseñadores, arquitectos, congresos, presentación de libros y demás eventos. Para iniciar el 2014, quiero abrir con algunas manifestaciones creativas de extremos distintos del país: presentar al grupo de artesanas(os) “Bosquemar” de Corozalito e Islita, comunidades costeras del Pacífico Norte, Cantón de Nandayure; a José Jackson Guadamúz, quien diseñó la gráfica para las fiestas típicas de la ciudad de Santa Cruz, también en esa provincia de Guanacaste; al grupo “Diká” que elabora productos en madera de pejibaye, en la comunidad de Tucurrique, provincia de Cartago; a Magda Vargas, de “Arte/Sana”, Caribe Sur, comunidad de Volio, Bribrí, Cantón de Talamanca en la provincia de Limón. Ya había presentado, en un anterior post, el trabajo de doña Luz Alvarado, artesana textil de la zona de la Fortuna, cantón de San Carlos, provincia de Alajuela (enlace).


Arte de Bosquemar. Fotografía cortesía del Museo Islita.

Productos Bosquemar

Un grupo de habitantes de Corozalito, promovidos por el Museo Islita y apoyados por empresarios turísticos de la región, conformaron “Bosquemar”; su principal motivación fue proseguir el trabajo de don Félix Vásquez, constructor de marimbas y fabricante de bateas y pilones. En cierto momento, otro de los miembros fabricó los muebles para el Hotel Punta Islita, ejemplo que movió la oferta y demanda de este carácter de productos hechos en madera con técnicas manuales y fabricados en la misma zona. La idea central fue aprovechar las maderas del bosque, ramajes y troncos que con la erosión y las crecidas van a dar al mar, pero retornan a las playas como material de desecho. Por lo general, los pobladores queman esas maderas pues Corozalito es distinguida por ser playa de anidación de tortugas; los moradores necesitan facilitar el arribo en el momento de desove, y darles salida al mar a las recién nacidas.

Arte de Bosquemar. Fotografía cortesía del Museo Islita. 

El Museo Islita -dirigido por la artista Loida Pretis-, contrató al diseñador Rodolfo Morales en 2003, con fondos de FUNDECOOPERACION, organismo que aportó recursos para adquirir maquinaria y materiales para construir el taller; en contraparte, el grupo local puso la mano de obra y el lote para la construcción del taller.

Arte de Bosquemar. Fotografía Cortesía del Museo Islita. 

La gestión empresarial de la localidad de Islita, además del museo que atiende la visualidad del lugar, apoya la comercialización del arte local relacionando los productos con algunas empresas de Diseño Interior; gracias a estos contactos, los artesanos encabezados por la diseñadora Marta Figueroa, producen piezas de arte destinadas a engalanar varios hoteles, entre otros, los del Golfo de Papagallo, en esa provincia norteña de Costa Rica. Se trata de piezas muy armoniosas con el ambiente y la cultura guanacasteca, en tanto sus materiales fueron tratados por los abrasivos y arenas costeras, integrándoles cuerdas y otros componentes encontrados en el bosque, les brinda un carácter vibrante pero a la vez vivencial, como esa fuerza a la cual fueron sometidas las maderas cuando se sumieron en las aguas del río, o del mar, emergiendo con una fuerte expresión de la vida misma, de su lucha sin fin.

Grupo Dikä
El vocablo Diká, de la lengua aborigen de los pobladores originarios de Tucurrique, Cantón de Jiménez, provincia de Cartago, es el nombre de la palma de pejibaye o chonta dura –Bactris gasipaes-, que a su vez da el nombre a este grupo de diseñadores. Tucurrique -Correque en la lengua ancestral de los Huetares orientales que se asentaron en el contrafuerte Norte de la cordillera de Talamanca, donde abunda dicha palma y de sus frutos deriva una gran variedad gastronómica-, ofrece una importante oportunidad al diseño que atrae las miradas del turismo nacional y extranjero.

Diseño Diká, espejo en madera de pejibaye. Fotografía cortesía del Grupo Diká. 

La iniciativa de Diká, se propuso tener un producto de calidad, con arraigo en los materiales naturales y en el lenguaje propio que encausa su historia, para ampliar la oferta utilizando, como se dijo, la chonta (madera de cañón). El Diseñador de Productos Rodolfo Morales (ganador de la Segunda Bienal del Mueble con la silla Aborigen fabricada totalmente en madera de pejibaye), la Diseñadora Industrial Alina Leiva, formada en la escuela de Diseño del Instituto Tecnológico de Costa Rica –ambos, han sido representantes del diseño local en las distintas ediciones de la Bienal Iberoamericana de Diseño de Madrid, España-, y Walter Prado, representante del comité agrícola local, oriundo de la zona, conocedor del cultivos y aprovechamiento de la palma, se propusieron rescatar el uso de la chonta de pejibaye formando a jóvenes del lugar en el manejo de la madera para fabricar productos tales como muebles u otros objetos del ámbito y uso doméstico.

Diseño Diká, floreros con base en madera de pejibaye. Fotografía cortesía del Grupo Diká. 

La motivación es muy noble en tanto las localidades de Tucurrique y Pejivalle, por alejadas de la meseta central, se encuentran aisladas de los centros de estudio y de trabajo, necesitan incrementar sus fuentes de empleo ofreciendo esa diversificación como estrategia para incrementar el turismo, el desarrollo comercial y humano de sus comunidades.

Diseño Diká, fruteros en madera de pejibaye. Fotografía cortesía del Grupo Diká. 

Las piezas diseñadas por el grupo -recién recibieron dos importantes galardones por su emprendimiento y calidad de productos-, son de elevado rigor formal, estilo minimalista, depurada técnica, y armoniosos con su naturaleza y valores culturales característicos de su entorno.

Gráfica para las fiestas santacruceñas
Una de las zonas folclóricas guanacastecas por excelencia, es el cantón de Santa Cruz, de extensas llanuras, diversas y ricas zonas costeras así como sistemas montañosos como el Parque Nacional Diriá, a unos 30 kilómetros al sur de dicha ciudad. Conocí a José Jackson Guadamúz (enlace), cuando ingresó a la Escuela de Artes Plásticas, Facultad de Bellas Artes de La Universidad de Costa Rica donde obtuvo su Licenciatura en Pintura, hoy en día es quizás el artista nacional que demuestra mayor arraigo a las tradiciones de la bajura, como la monta de toros, las festividades populares típicas de las distintas regiones, el color, el trazo y el carácter compositivo en el cual proyecta la esencia de una cultura ganadera, agrícola y de fuerte desarrollo turístico.

José Jackson Guadamúz, gráfica y diseño de camisetas. Fotografía cortesía del artista. 

José Jackson Guadamúz, pintura. Fotografía cortesía del artista.  

Para la edición de 2014 de las “Fiestas Típicas Nacionales de Santa Cruz”, Guadamúz ofrece un nuevo diseño de camisetas (tshirt), con la imagen de una iconografía creada a partir de su propia pintura, que convierte en símbolo de la algarabía y camaradería, pero también gallardía y valentía de los montadores y toreros en el festín popular, donde por las noches bañadas de luna en la costa o en las planicies-, treman las maderas de las marimbas, se advierte la nostalgia y extrañamiento por esa tierra y su historia, además de la espléndida gastronomía de la cocina guanacasteca.

Productos ArteSana
La zona del Baja Talamanca. Colindante con la República de Panamá, ofrece localidades costeras como Cahuita (Parque Nacional Cahuita) Playa Negra, Puerto Viejo, Cócles, Uva, Manzanillo (Refugio Nacional de Vida Silvestre Manzanillo-Candoca) donde se encuentran una buena cantidad de productos, sobre todo artesanales tales como cestería, camisetas, joyería con materias primas del lugar, cuyo estilo demuestra la influencia afro-caribeña. También es importante considerar la producción artesanal de los pobladores indígenas, rica en matices culturales y del entorno natural.

Magda Vargas, muñecos en madera. Fotografía LFQ.  

Magda Vargas es una artesana muy sencilla, así como su taller ubicado en la vía de acceso a Cataratas Volio de la cabecera del cantón, Bribrí. Produce muñecos de madera, pintados a mano con articulaciones en cuero, además del modelo en madera del “bus Sureyka”, que también comercializa en pequeño formato en forma de llaveros.

Magda Vargas, bus en madera. Fotografía LFQ.   

En las imágenes pintadas ella representa personajes afrocaribeños, en cuyos vestuarios recrea la animalística propia de la zona como la rana, la tortuga, la higuana, el mono, y flores silvestres como la heliconia. Quizás, en este particular caso habría que motivarla a elevar los valores cualitativos y cuantitativos de esa producción de objetos, en tanto ella demuestra creatividad y disciplina, pero se encuentra muy aislada, y podría convertirse en un importante semillero de artesanos que reinvente la producción artesanal de la región, e integre a la juventud tan carente de oportunidades para producir sus propias riquezas.

En conclusión
Es en este último aspecto que los diseñadores, investigadores, instituciones culturales y organizaciones no gubernamentales –y, en especial-, las escuelas universitarias estatales y privadas, deberían propiciar iniciativas que proyecten su quehacer e involucren a estos productores culturales tan importantes, pues es ahí donde se comienza a forjar la imagen del país, en sus productos, iniciando por los artesanales hasta aquellos de mayores rigores tecnológicos que impacten las economías locales y se sumen a la producción destinada a la exportación.
Se requieren estudios a alto nivel que observen las amenazas y las fortalezas de estos grupos para insertarse en el mercado local e internacional, apoyar a estos grupos para que aprendan emprendedurismo, mercadeo y tácticas de comercialización, divulgación y proyección de sus proyectos y productos.
Observamos amenazas tales como las distancias en que se encuentran sus localidades respecto de los principales centros de trabajo, producen aislamiento, como es el caso de Doña Luz Alvarado en La Fortuna, doña Magda en Bribrí, Diká en Tucurrique, o los mismos artesanos de Bosquemar en Corozalito Nandayure que son quienes poseen mayor apoyo de las empresas turísticas.
Las fortalezas son obvias: abundancia de materias primas naturales, técnicas vernáculas, tecnologías apropiadas respetuosas de la naturaleza y cultura. Pero siempre hay que tener como Norte aumentar los rigores y estándares de calidad –un buen ejemplo son los productos en madera de pejibaye que elabora Diká, que como se dijo, ya alcanzaron importantes distinciones y se han mostrado en los grandes centros donde se exhibe lo mejor del diseño, ese siempre será la mejor estrategia para alcanzar éxito.
  

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Luis Fernando Quirós

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Objetos evocadores

31.12.2013 | 08:32

Los podemos apreciar en la Galería Nacional, Museo de los Niños, San José -entre Diciembre y Enero 2013-2014-, exhibición curada por Luis Chacón, Rodrigo Rubí y Vita Cascante, en la cual participan unos cincuenta artistas, arquitectos y diseñadores con poco más de una centena de testimonios de cuando la creatividad humana los transforma para enriquecer nuestra vivencia con el entorno, material y/o natural.

Gran Sala de la Galería Nacional, con piezas de artistas varios. Fotografía LFQ.

Objetos de Arte. Galería Nacional, con piezas de Moyo Coyatzín, Luis Chacón, Loida Pretis, entre otros. Fotografía LFQ. 

Desde hace poco menos de una centuria –para muchos distinguida como el Siglo de las Luces-, los productos de la industria gravitaron, y aun lo hacen, al interno de la esfera del arte. La razón es pura y sencilla, la Revolución Industrial maravilló a los habitantes de ese entonces, impresionados con el confort de su uso, la creciente variable función vrs costos y la valorización del principio de calidad, fueron signos indiscutibles de vitalidad y coexistencia en el entramado urbano de aquellos y éstos tiempos; suman -por supuesto-, invenciones tales como la electricidad, la radio, el teléfono, la aviación –entre otros avances-, que incrementaron las posibilidades de comunicación, central a la vida moderna.

Zoleila Solano y Luis Fernando Quirós. "Los zapatos del pintor" y Visicitudes", 2013.  Fotografía LFQ. 

En nuestro caso actual, probados nuevos materiales y tecnologías, advertimos cierto grado de nostalgia por esos sujetos, en tanto fueron y son componentes activos del cotidiano en el cual tiene lugar la vida en sociedad. Sin embargo, aquellos que guardan alguna memoria o porque estuvieron quizás olvidados en un rincón del espacio habitacional, se cuelan en el ámbito de la mirada del artista o diseñador, quienes se atreven a reinventarlos en una lámpara o florero, e incluso, en tanto son signos de dicha cultura material que da carácter a esta civilización, cargados de reminiscencias y memorias, intentamos cambiarles de lenguaje sumiéndolos en el imaginario simbólico del arte.

Victoria Montero. "Espejo de mano", 2013. Fotografía LFQ. 

Objetos que, vistos de una manera pueril serían basura, en la conciencia del individuo creativo emerge el deseo de recrearlos y los carga de la fuerza de su poética, él es quien los ensambla con gracia y sentido de originalidad para generar diálogos entre sí. La pieza “Espejo de mano” de Victoria Montero, expuesta en la exhibición es un buen ejemplo, en tanto observamos la intrínseca relación entre el contenido asimilado en el título, y el objeto mismo -un renegrido brazo de muñeco que tal vez encontró tirado en algún basurero público, ahora es acoplado en intensa unidad al espejo de mano.

Alexander Chávezs. Fotografía LFQ. 

Esas experiencias en el vivir cotidiano, generan historias presentes en la piel del objeto, éstos se vuelven portadores, evocadores, provocadores de ideas o conceptos, como aquella hamaca “Vicisitudes” de Zoleila Solano, la cual sumida en el jardín por más de tres o cuatro décadas, cuando sus hijos se recrearon en su infancia, y mientras crecieron el objeto se transparentó, emergió su poesía dejando además apreciar las contradicciones de la vida que nos afectan o afectaron no solo a ellos, sino a todos; al final, el sujeto un día fabricado sugiere convertirse en una maraña ensortijada en sí misma e invadida por las formas de vida de la naturaleza.

Dinorah Carballo y Mariano Prada. Fotografía LFQ. 

Xinia Matamoros. Fotografía LFQ. 

Lo transformado por los artistas en algunas de estas piezas, las vuelve críticas pues al tratar de entablar su lectura cuestionan los asuntos que atañen a tantas problemáticas sociales y del vivir contemporáneo, tan mediado por la tecnología, nos enfrentan al otro espejo donde la mirada parece escabullir para no delatarse, cuando dichos facilitadores del vivir -como son esos productos tecnológicos-, en el inminente combate mercantil de cada momento y de todos los días, también nos hacen sumisos de sus intensiones y usos. Aunque algunas piezas expuestas carecen de estrategias para anclar lo mirado, no es suficiente instalar aquello que en determinado momento parezca oportuno exponer, esa táctica debe ser comunicativa y activadora emocional para que lo visto sume a “Objetos de Arte” en la Galería Nacional; cuando no existe esa provocación o conexión, uno se pregunta –y esto, ¡qué hace aquí! ¡Eh ahí la paradoja!, se trata de motivar una reflexión sobre nuestras relaciones actuales con aquello que producimos y fabricamos para generar riquezas, empleo o calidad de vida, y, que nos motiva a recordar, una vez más, aquel famoso grabado de Escher en el cual una mano se dibuja a sí misma, o sea que en tanto hacemos, fabricamos, construimos, lo hecho se convierte en una horma, materia dura, que al mismo tiempo nos hace. 

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Luis Fernando Quirós

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MADC/CR: Morales e Ibarra

16.12.2013 | 10:07

Visitar el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), entre noviembre 2013 y febrero 2014, ofrece una superposición de argumentos asimilados desde realidad y cultura actual; se trata de un abordaje intenso de pensamientos los cuales exigen al espectador conciencia de lo que transparenta, y considerar su entendimiento, o lo que nos queda de la percepción: qué creer de lo visto para adherirlo a la memoria y explicarnos a sí mismos el sentido de tal provocación motivada por ese singular enjambre de signos en tensión, los cuales claman por la intención primaria de esculcar sus significados y atender a posibles diálogos entablados entre las salas del museo. Hablamos de las muestras “La ruina como motor” del guatemalteco Norman Morales en la Sala 1.1, y “SincretITSMOS” del puertorriqueño Karlo Andrei Ibarra, en la Sala 1. Aún rondan en mi memoria la carga evocativa de las piezas que me anclaron y a las cuales llegué de vuelta para dis/sentir su energía emanadora; en mi caso personal cuando no vuelvo una u otra vez a detenerme ante las propuestas es porque no me interesaron y su vista pasó desapercibida en la experiencia de visitar el museo.



Norman Morales: “La ruina como motor”, detalle de instalación Sala 1.1 del MADC. Fotografía LFQ.

Norman Morales, mural en la Sala 1.1 del MADC. Fotografía LFQ. 

Norman Morales: “La ruina como motor”
Quizás uno de los testimonios del alto potencial y capacidades del pensamiento creativo son las grandes construcciones registradas por la historia de la humanidad, desde el coliseo romano, a las arquitecturas edificadas en las urbes de hoy en día. Cuenta, en este análisis, el dominio tecnológico aplicado a la ingeniería de la construcción, desde el diseño de los andamios, hormas modulares y complejos sistemas estructurales, hasta las potentes grúas que posibilitan elevar materiales a alturas impresionantes, sin dejar de lado las técnicas de elaboración de dichos recursos ediles contrapuestos al desgaste provocado por el paso del tiempo, cuando en el proceso, si no se atiende a un programa de investigación y mantenimiento, serán frutos destinados a la ruina. Suma en esta perspectiva el goce de la inmaterialidad, de la esencia de lo construido, espacios donde además de la habitabilidad y usabilidad exista solaz, esparcimiento, y deleite por lo estético.

Norman Morales: detalle de instalación Sala 1.1 del MADC. Fotografía LFQ. 

Detalles de instalación Sala 1.1 del MADC. Fotografía LFQ. 

La exposición motiva a evocar la estancia del maestro diseñador o arquitecto –elaborando esos sentidos y contrasentidos con ejemplares modelos de la construcción, maquetando andamios, escaleras, plantas, dibujos, con la experiencia del planeamiento sirviéndose de proyecciones diédricas y axonométricos, gestando espacialidad y otras reminiscencias del pensamiento “edilicio”.

Detalle de instalación Sala 1.1 del MADC. Fotografía LFQ. 

Norman Morales: “La ruina como motor”, detalle de instalación Sala 1.1 del MADC. Fotografía LFQ. 

La propuesta de Morales en la Sala 1.1 genera interés al intentar detallar lo encontrado delante de la retina, conexión con lo reconocido del ancestral arte de construir, motivo de reflexión, en tanto no está ausente de esta percepción su opuesto –no el deconstruir, que es otra manera de tratamiento de la forma, el espacio y el tiempo-, si no cuando todos esos recursos y frutos provocan roce, deterioro progresivo, detención, silencio, actuando además nociones del juego al apostar el avance delante de la existencia de tan fieros antagonistas.

Sincret/Istmos de Karlo Andrei Ibarra
De esta muestra me queda la intención de un recio minimalismo en cuanto al inventario de lo mostrado en el amplio espacio de la Sala 1 del MADC, con lo cual Ibarra aborda asuntos políticos, culturales, económicos y sociales de la realidad de los países latinoamericanos y en especial de Centro América y Caribe que irradian sentido al “corpus propositivo” manifiesto por la exposición.

Karlo Andrei Ibarra "SincretISTMOS", Sala 1 del MADC, pieza "Equipaje", 2013. Fotografía LFQ.

Es notable su pieza “Equipaje”, adoquín colonial y agarradera, en la cual se sirve de una materia dura de la construcción –y en eso dialoga con la propuesta de la sala adjunta-, para hablarnos del tema del saqueo y traslocación de objetos patrimoniales que representan un tiempo y un espacio (en este caso de las evocaciones de la colonia española) en el abordaje de nuestras realidades nacionales y de esta región en particular.

Karlo Andrei Ibarra,"Protaxis", 2013. Fotografía LFQ. 


Para traer a la sala el discurso de la dependencia –tecnológica y económica-, utiliza una pala con el mapa centroamericano calado en el metal, que a su vez arroja una sombra sobre la superficie del muro que le da soporte, se trata de “Protaxis, pala de construcción calada”, que de alguna manera (y especulo en el sentido que me permite la libertad de interpretación del arte) nos conecta también a los procesos de beneficiado del café -en tanto utilizan esa tipología de herramienta-, ligamen, además, con la explotación bananera que argumenta grandes discursos caracterizadores de las expresiones artísticas del Istmo.
Y, para sumar a los sistemas de dominación política y realidad social, exhibe una hermosa instalación de un ruedo de madera para pelea de gallos, “Pico y espuela”, con lo cual alude a la arena política, cuando al menor descuido del protagonista viene el piquetazo o el desliz de la espuela activando la conciencia emocional de que las vivencias del día a día, tanto como el contrincante, nos sorprenden en la fiera pelea.

Karlo Andrei Ibarra, "Pico y espuela", 2013. Fotografía LFQ. 

SincretISMOS ofrece varias instalaciones y un video sobre situaciones donde se advierte el choque de tensiones sociales y culturales, que de alguna manera son componentes activos en la construcción de nuestras identidades nacionales, de aquellos rasgos que nos reúnen como región, a pesar de las fuerzas antagónicas, como aquella gota abrasiva que poco a poco destruye las páginas de las “Constituciones de Centroamérica”, “Gotas de sal” -2013-, expuestos sobre unas estructuras de madera, juego en el cual nos aventuramos a someter lo propio delante de lo ajeno.

Karlo Andrei Ibarra, Sala 1 del MADC, 2013. Fotografía LFQ. 

El programa del MADC de fin e inicios de año nos ofrecen una tercera opción titulada Inquieta Imagen, un programa propio del museo que requiere observarlo con otra distancia y tiempo, quizás en un futuro abordaje. 

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Luis Fernando Quirós

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Gerardo Selva Godoy: Diseño cerámico y vidrio

06.12.2013 | 09:30

Lo conozco desde hace muchos años por su dedicación a la cerámica, en la fabricación de productos funcionales de uso doméstico, pero también nos sorprende con sus objetos en vidrio: platones, copones y otras creaciones abstractas de fina técnica e imaginativo dominio formal. Su producción de los últimos años deja ver una fuerte influencia del lenguaje cerámico de nuestros pueblos originarios prehispánicos, pero repensados con sus técnicas, caracteres, calidad de fabricación. El año 2012, realizó una muestra en la Galería Nacional que fue distinguida con el Premio Nacional Aquileo Echeverría en la rama de Cerámica.
Selava Godoy se formó en Ravensbourne College of Art and Design, Chislehurst, Kent, Inglaterra en 1976, y obtuvo una maestría en Artes Plástias con énfasis en Vidrio en el Instituto Tecnológico de Rochester. Nueva York, USA en 1990. Además es un inquieto artista que se inició empíricamente en la producción audiovisual (video-filmes) en 1992 con una cámara VHS.
En este acercamiento a su labor creativa y de investigación, Selva expresa su preocupación por el desarrollo del ser humano como tal; sentido observable en el carácter de su pensamiento crítico, del cual rescata -su capacidad para equivocarse y vivir en la confusión que lo hace sufrir –y, como él mismo acota: hacer sufrir a quienes lo rodean, sea naturaleza o sociedad.



Platón en vidrio. Fotografía cortesía del autor. 

LFQ: Interesante observar que si bien inicialmente partió de una interpretación creativa de la iconografía de nuestros pueblos originarios, ahora lo subvierte, de manera que los personajes de esos jarrones trípode -ya no son el mono, la higuana o los felinos de los tiempos ancestrales, sino personajes que nos recuerdan el imaginario de los comics.
¿Qué te has propuesto con esa apropiación de la cerámica chorotega como lenguaje de tus diseños, y que hoy parece tomar otra vertiente expresiva?, y, ¿en qué radica la diferencia de hacer cerámica ayer respecto a hoy?
Gerardo Selva Godoy
: Más que proponérmelo, la influencia indígena-precolombina en mi trabajo ha sido espontánea. El simple hecho de poder ver en los museos las maravillosas obras de nuestros antepasados ha sido una inspiración que me ha llevado a tratar de emular (no imitar ni reinventar) su estética, su sentido de síntesis y su amor por el material.
Siendo una persona de hoy, sumergido en una era tecnológica, la incorporación de mayores temperaturas, de esmaltes sobre las piezas ha sido la tendencia lógica a seguir. El leguaje que uso en mi trabajo es el mismo de todos los ceramistas de todos los tiempos No es necesario reinventarlo sino usarlo. Porque la tierra y el fuego siempre hablaron, hablan y hablarán el mismo lenguaje. La diferencia entre ellos y nosotros está en el uso de la electricidad, el mayor control de las temperaturas y la posibilidad de conseguir materiales al alcance de una llamada telefónica y un viaje al banco más cercano.

LFQ: Quienes lo conocemos apreciamos su dinámica inquietud por obtener frutos, por investigar y probar tanto materiales como diversas maneras de expresión que son componentes activas de su carácter y personalidad. ¿De dónde viene esa motivación?
GSG:
La motivación viene desde el útero. La necesidad de crear, de gestar una idea, de trabajarla y plasmarla para compartirla. El proceso de idea-proceso-objeto lo descubrí desde muy pequeño, me atrapó y ha sido el combustible-motor de toda mi obra. Un día descubrí que era maravilloso tener ideas y que era aún más maravilloso verlas realizadas. Es satisfactorio enfrentarse a un reto, enfrentarlo y observar el resultado (sea positivo o negativo) Por eso me gusta el cine porque entre todas las artes es el reto más grande que existe. Involucra todas las artes (plásticas, dramáticas y musicales) hay que hacer malabares con ellas y ponerles atención a lo largo de un período relativamente largo de tiempo en el cual cualquiera de ellas puede caerse y estropear el resultado.



Platón cerámico. Fotografía cortesía del autor.

LFQ: Como se dijo, en sus piezas cerámicas es observable las reminiscencias de las expresiones de nuestros ancestros originarios ¿Cuáles son tus logros al asumir esa iconografía?
GSG:
Creo que la fusión de el color del Jade con la técnica de la Cera Perdida del Oro y las formas ancestrales que actualmente produzco son, tal vez no un logro, una consecuencia de los 40 años en los que he venido haciendo cerámica.

LFQ: ¿Cómo cargas de emoción a un producto tuyo para que los espectadores lo deseen tener para sí?
GSG:
El objeto se carga solo. La emoción, el amor, la dedicación, el cuidado, la atención que se le pone al objeto queda impresa en él y luego la irradia a lo largo de toda su vida como objeto. Realmente no me preocupa si mis objetos se venden o no. De hecho me encantaría no tener que venderlos y vivir con ellos para siempre. La necesidad me obliga a venderlos y creo que me siento un poco triste cuando se venden y me alegra mucho cuando sé que quien lo compra lo va a cuidar y apreciar como yo lo aprecio. También me alegra saber que gracias a que alguien quiere mi trabajo tengo la oportunidad de seguir haciendo más. Este es mi meta con la producción cinematográfica, quiero hacer cine que me permita hacer más cine. Que la producción sea sostenible. Por eso cuando escribo guiones pienso en mi como ser humano que cuenta una historia que otros seres humanos quieran escuchar e identificarse, entretenerse y divertirse con ella.



 

Jarrón trípode cerámico. Fotografía cortesía del autor. 

LFQ: Háblanos de tus experiencias con el video y el cine. ¿Cómo manejar dos artes tan diversas entre sí, donde en una (la cerámica) es para contemplar la trascendencia del tiempo en nuestra contemporaneidad, y el otro (la imagen) juega con el tiempo mismo, con los conflictos propios de esta época que vivimos?
GSG:
La cerámica es el arte mas permanente y concreto que existe. El cine es efímero e insustancial. La cerámica es relativamente rápida de hacer (unos cuantos días) mientras el cine toma meses a veces años. Hago cerámica solo y me trae satisfacción inmediata, no dice literalmente nada, no expresa ideas, es inerte y permanente. Me da una satisfacción impersonal, instintiva y espontánea. El cine pone a prueba mi paciencia, mi capacidad para comunicarme con otros seres humanos (el equipo de trabajo) y el reto de mantener una idea por un período largo de tiempo, sostenerla, comunicarla y expresarla con un grupo de personas (actores, músicos, técnicos) hacer malabares con el dinero y eventualmente verla terminada. Producen una clase de satisfacción como la del que sube montañas y es feliz cuando llega a la cima.

LFQ: Qué representó para vos recibir el Premio Nacional Aquileo Echeverría 2012, el primero con que se premia a esta rama creativa?
GSG:
La satisfacción de sentir que el trabajo, tenaz, perseverante y continuo es reconocido por otros, por el país. Además que la parte económica del premio inyecta la clase de energía que a veces es necesaria para seguir produciendo.


 

Copón cerámico en el Abierto de Cerámica 2011. Fotografía LFQ.

LFQ: Cómo distingues esos motivadores que te empujan a crear, a trabajar, de qué naturaleza son tanglibles o intangibles.

GSG: Los tangibles son los económicos, el intangible es la necesidad creativa que creo que es la que diferencia a un artista del que no lo es. Cuando la necesidad económica está por encima de la necesidad creativa tenemos a un artesano o a un comerciante. Cuando la necesidad creativa está por encima de la económica tenemos a un Artista. Porque un Artista no piensa en el dinero, ni en la inversión ni en la recuperación de la inversión. Solo tiene una idea y se lanza al vacío sin ningún otro pensamiento que el de “voy a hacerlo” y punto.


LFQ: ¿Cómo caracterizas tu vida personal y profesional de diseñador, artista y cineasta?  
GSG: He vivido una vida sencilla, frugal, tratando de llenar mis necesidades y las de mi familia de la forma más directa y básica. Sin lujos, sin excesos. Esto me ha permitido también crear desde esa misma perspectiva. Pocos materiales, pocos colores, formas sencillas y directas. Y esta perspectiva fue la de nuestros antepasados (americanos o europeos). Por eso es que no me cuesta hacer arte de la misma forma y con el mismo sentimiento que ellos.

Gerardo Selva Godoy en la muestra Mayinca 2013.

Para concluir con este acercamiento al trabajo de Selva Godoy, quisiera decir que lo escuché a viva voz cantando canciones propias o regionales interpretadas con su propio estilo personal, y sabemos de su participación en grupos rockeros de la Zona Sur (él habita en la ciudad de San Isidro de Pérez Zeledón); además de sus experiencias como actor, por lo que se deduce tener por delante a un intenso creador contemporáneo. Tiene en su haber 2 largometrajes: “Chirripó” (ficción 93 min. 2000), “Tu No Estás en mis Zapatos” (ficción 93 min. 2009) y 2 medio-metrajes “Karma” (Ficción 35 min. 2011) y “El Hombre de la Ventana” (Ficción 35 min. 2012) Actualmente está en la pre-producción de “Semana U” la Película. (Comedia-Ficción) para ser filmada en febrero del 2014. Como canta autor inició su producción en el 2003 con “Lágrimas de un Don Nadie” (12 temas) luego “El Momento en que la Risa se Transforma en Carcajada” (12 temas) del 2004 seguido por “Vida y Muerte son Sinónimos” (7 temas 2009) y en el 2012 “Blanco Espacio”. 

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Luis Fernando Quirós

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