Agnieszka Ziemiszewska es diseñadora, cartelista y Doctora habilitada en PJATK (Polish-Japanese Academy of IT), donde dirige el Departamento de Arte de Nuevos Medios. Aquí les compartimos un fragmento de la entrevista realizada por Fabián Carreras para el número 103 de la revista Experimenta:
En su rol como educadora y diseñadora, ¿cómo definiría lo «invisible» en el proceso de comunicación visual?
En la comunicación visual, lo «invisible» representa los sistemas subyacentes de significado, emoción y percepción que guían cómo las audiencias interpretan lo que ven, aunque permanecen invisibles para sí mismos. Como educadora y diseñadora, defino lo invisible como la ausencia intencional o la estructura implícita que da forma a la comprensión: los códigos culturales, los patrones cognitivos y los principios de diseño que silenciosamente orquestan la claridad, la emoción y el impacto. En la enseñanza, hago hincapié en que el diseño efectivo no se trata solo de lo que hacemos visible, sino también de los espacios intermedios —el ritmo, la jerarquía y el silencio que permiten que el significado emerja. Lo invisible incluye marcos conceptuales como la narrativa, la semiótica y la psicología del usuario, así como elementos sutiles de diseño como el espacio en blanco (white space), el ritmo y el contraste. Estas fuerzas invisibles transforman lo visual de decoración en comunicación. En última instancia, lo invisible es la herramienta más poderosa del diseñador: es lo que hace que una imagen resuene más allá de su superficie, invitando a los espectadores a sentir el significado en lugar de simplemente verlo.
El viejo adagio del diseño moderno es «La forma sigue a la función». Hoy, la forma parece seguir a la emoción. ¿Qué piensa de esta tensión?
El cambio de «la forma sigue a la función» a «la forma sigue a la emoción» refleja una evolución cultural más amplia en el diseño: de resolver problemas prácticos a dar forma a las experiencias humanas. Mientras que el modernismo priorizó la eficiencia, la claridad y la estructura racional, el diseño contemporáneo reconoce que la funcionalidad por sí sola ya no satisface nuestra interacción con el mundo. La gente busca conexión, no solo utilidad. Veo esta tensión no como una contradicción, sino como un diálogo entre dos dimensiones del significado. La función sigue siendo el fundamento —el diseño todavía debe servir a un propósito—, pero la emoción le da a esa función profundidad y humanidad. En una era de sobrecarga sensorial y abstracción digital, la emoción restaura la empatía, la narrativa y la identidad en el diseño. Como diseñadora y educadora, animo a los estudiantes a ver la emoción como una extensión de la función más que como su opuesto. La emoción es una función en sí misma: impulsa el compromiso (engagement), la confianza y la memoria. Por lo tanto, los diseños más poderosos son aquellos donde la forma sigue a ambos, donde la utilidad y el sentimiento se integran a la perfección, creando experiencias que no solo son utilizables sino también inolvidables.
En su práctica docente, ¿cómo instruye a los estudiantes para diseñar y mapear lo intangible (emociones, conexiones, percepciones) dentro de un entorno de estudio?
Cuando enseño a los estudiantes a diseñar lo intangible —como la emoción o la percepción—, me concentro en ayudarlos a ver el diseño como algo más que hacer que las cosas se vean bien; se trata de dar forma a las experiencias. Empezamos notando cómo la forma, el ritmo y el espacio nos hacen sentir, y luego usamos herramientas como bocetos, mapas de estados de ánimo o experimentos cortos para capturar eso. En las críticas, hago preguntas como «¿Qué te hace sentir esto?» o «¿A dónde se dirige tu atención primero?», para que aprendan a ver la emoción como parte del diseño, no separada de él. No podemos controlar cómo se siente la gente, pero podemos crear las condiciones para la conexión. Ahí es donde el diseño se vuelve verdaderamente significativo.
En su trabajo, usted promueve la exploración. ¿Qué valor otorga a la exploración personal y cómo contribuyen esos hallazgos estilísticos a su práctica como diseñadora?
La exploración personal es esencial para mi práctica: es cómo me mantengo curiosa y conectada con el mundo que me rodea. Lo veo como una forma de seguir cuestionando mis propios hábitos y suposiciones como diseñadora. Cuando experimento —ya sea a través de materiales, narración o nuevas tecnologías— a menudo descubro patrones o estéticas inesperadas que luego influyen en mi enseñanza y mi trabajo profesional. Esos hallazgos estilísticos no se tratan solo de desarrollar un estilo distintivo; me ayudan a comprender por qué ciertas formas o experiencias resuenan emocionalmente. La exploración mantiene vivo mi proceso de diseño: me recuerda que la creatividad tiene menos que ver con el control y más con el descubrimiento.
Usted utiliza composiciones con múltiples capas visuales. ¿Qué le dicen las narrativas que emergen de los «intersticios líquidos» sobre la comunicación contemporánea?
Cuando trabajo con composiciones por capas, me interesa lo que sucede entre las imágenes, los espacios fluidos donde el significado cambia y se superpone. Esos «intersticios líquidos» reflejan cómo funciona la comunicación contemporánea hoy en día: fragmentada, multidimensional y en constante movimiento. Ya no recibimos mensajes de forma lineal; los navegamos, los interpretamos, los remezclamos. La narrativa por capas refleja esa complejidad: muestra cómo se negocia el significado en lugar de ser fijo. Para mí, esos espacios intermedios son donde ocurre el verdadero diálogo, donde el diseño comienza a reflejar la naturaleza fluida e híbrida de cómo nos conectamos y comunicamos ahora.
El cartel, diseñado para el espacio público, se consume en la pantalla del móvil. ¿Cómo negocia la prisa digital mientras mantiene el impacto conceptual del cartel polaco impreso?
Es cierto: el cartel se ha movido de la calle a la pantalla. Para mí, el desafío es preservar la profundidad conceptual y la poesía visual del cartel tradicional polaco mientras se adapta a la velocidad y la escala de la comunicación digital. Abordo esto diseñando con los mismos valores fundamentales —claridad de idea, simbolismo audaz y tensión emocional—, pero traduciéndolos a un ritmo digital. Eso podría significar repensar la composición para el movimiento, la interacción o el desplazamiento (scroll), manteniendo el mensaje destilado e impactante. Así, incluso en la prisa digital, el espíritu del cartel polaco sigue vivo, no solo como una imagen, sino como un pensamiento hecho visible, uno que puede hacer una pausa en el espectador, incluso por un momento, en un mundo que nunca deja de moverse.
Usted viaja y expone globalmente. ¿De qué manera las experiencias con diferentes culturas y contextos enriquecen su proceso creativo?
Viajar y mostrar mi trabajo en diferentes culturas siempre cambia mi forma de ver. Cada lugar me enseña algo nuevo: cómo las personas leen las imágenes, cómo conectan la emoción con la forma, qué encuentran hermoso o significativo. Esos encuentros permanecen conmigo; cambian mi forma de pensar y lo que noto cuando diseño. Se trata menos de coleccionar influencias y más de aprender a escuchar: el contexto, las historias, los pequeños detalles cotidianos. Cada cultura añade otra capa a cómo entiendo la comunicación. Me mantiene humilde y curiosa, y me recuerda que el diseño se trata realmente de las personas y de cómo compartimos significado a través de diferentes mundos.
Si la forma sigue a la emoción, el diseñador puede influir en las acciones del usuario. ¿Cuál es el rol ético del diseñador en este nuevo paradigma?
Si la forma sigue a la emoción, entonces el diseño conlleva una influencia real: puede moldear cómo se siente y actúa la gente. Por eso la ética importa tanto. Para mí, se trata de conciencia y honestidad: usar la emoción para conectar, no para manipular. El rol del diseñador es ser responsable y empático: crear un trabajo que conmueva a las personas, pero que también las respete. La emoción debe inspirar la comprensión, no controlarla.
¿Cómo logran las mujeres encontrar una voz autoral lo suficientemente fuerte como para desafiar el canon establecido?
Creo que las mujeres encuentran su voz autoral convirtiendo lo que antes se consideraba marginal en una fuente de fuerza. Comienza con la confianza en la perspectiva personal: valorar la intuición, la experiencia y la emoción como formas válidas de conocimiento. Desafiar el canon no se trata solo de romper reglas; se trata de expandirlas, de traer nuevas historias, nuevas formas de ver. Cuando las mujeres diseñan desde la autenticidad en lugar de la expectativa, sus voces naturalmente perturban y redefinen lo que se considera «la norma». No se trata de encajar en el canon existente, se trata de reescribirlo a través de la presencia, la persistencia y la honestidad.
¿Qué influencia formativa generaron las escuelas de arte en el diseño polaco para justificar tan gran libertad expresiva, y qué aportan esos principios a la cultura contemporánea?
Las escuelas de arte polacas siempre han fomentado pensar a través del arte en lugar de simplemente hacer arte. Eso significaba que a los estudiantes se les enseñaba a valorar el concepto, la individualidad y la experimentación por encima de las reglas estrictas o las tendencias comerciales. Los profesores a menudo provenían de las bellas artes, por lo que el diseño se abordaba tanto como una forma de expresión como de comunicación. Esa mentalidad creó espacio para la ambigüedad, el simbolismo y la emoción, las cualidades que dieron al diseño polaco su libertad y profundidad únicas. Hoy, esos mismos principios se sienten más relevantes que nunca. En un mundo impulsado por la velocidad y la uniformidad, esa creencia en la voz personal, la reflexión y el diálogo cultural nos recuerda que el diseño aún puede ser poético, crítico y profundamente humano.
En sus carteles hay una fuerte presencia de la tipografía como imagen. ¿Por qué utiliza la tipografía de esta manera?
Empezaré diciendo que mi educación artística estuvo profundamente arraigada en la tipografía. La academia donde estudié puso un fuerte énfasis en el pensamiento tipográfico: moldeó cómo veo el diseño y la comunicación. Para mí, la tipografía no es solo una herramienta para la lectura; es un elemento visual con su propia voz y emoción. La utilizo como imagen porque las letras ya conllevan forma, ritmo y energía: pueden hablar más allá de las palabras. Cuando la tipografía se convierte en parte de la composición, deja de ser neutral y comienza a participar en el mensaje. Puede susurrar, gritar o crear tensión. Me atrae esa ambigüedad: cómo una sola forma de letra puede comunicar tanto significado como sentimiento. En mis carteles, la tipografía se convierte en un puente entre el lenguaje y la imagen: un espacio donde el pensamiento se vuelve visible.
¿De dónde proviene su afinidad personal por el uso y la maleabilidad del recurso tipográfico en sus diseños?
Como mencioné previamente, mi conexión con la tipografía proviene de mi educación artística temprana, donde era central en todo lo que hacíamos. Esa formación me enseñó a ver las letras no solo como texto, sino como formas visuales con ritmo y emoción.
El color es una constante autoral a lo largo de su obra. ¿Cuál es la razón de esta elección de recurso?
El color siempre se ha sentido natural para mí: es cómo pienso y siento a través del diseño. No se trata solo de hacer que algo se vea bien; establece el estado de ánimo y la energía de la pieza. Para mí, el color es un lenguaje propio. Puede decir cosas que las palabras no pueden, llegando a las personas a un nivel emocional. Por eso es una constante en mi trabajo: es cómo conecto con el espectador de inmediato.
Después de analizar la historia, ¿cuál diría que es el secreto que permite al cartel mantener una relevancia atemporal, incluso cuando ha pasado de la calle a la pantalla?
Creo que el cartel sigue siendo relevante porque todavía tiene el poder de detenernos: de capturar una idea en un momento único e impactante. Aunque se ha movido de la calle a la pantalla, su esencia no ha cambiado: sigue tratándose de comunicación fuerte, emoción y claridad de pensamiento. El cartel siempre ha reflejado su tiempo, sin embargo, habla en un lenguaje visual universal. Eso es lo que lo mantiene atemporal: se adapta a los nuevos medios, pero su propósito central sigue siendo el mismo: hacer que la gente vea y sienta algo al instante.
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